Ein Jahr nach den verheerenden Bränden in Los Angeles beleuchtet Vogue Business in unserer Serie „Refashioning LA“ die Wiederbelebung und den Wiederaufbau der Modebranche und untersucht, wohin sich die Mode- und Bekleidungsindustrie der Stadt 2026 entwickelt.

In den nächsten Wochen wird Hollywood kurzzeitig wieder wie früher wirken. Die Awards-Saison hat begonnen, und die Unterhaltungsindustrie ist für die ununterbrochene Reihe von Preisverleihungen in LA eingetroffen, die ihren Höhepunkt mit den Oscars Mitte März erreicht. Doch dieser Zustrom von Schauspielern und Führungskräften macht ihre Abwesenheit für den Rest des Jahres nur umso deutlicher.

Viele ehemalige Angelenos verbringen inzwischen einen Großteil des Jahres anderswo – drehen beispielsweise in Atlanta, Vancouver oder Australien – und einige haben die Stadt ganz verlassen. Dieser Wandel wird eher von wirtschaftlichen als von lifestylebedingten Gründen angetrieben. Die Budgets der Studios schrumpfen, und die Produktion hat Hollywood verlassen, da andere Bundesstaaten und Länder Steueranreize bieten, die das Drehen günstiger machen. Im vergangenen Jahr erreichte die Produktion in LA laut einem Bericht der Non-Profit-Organisation FilmLA vom Oktober einen historischen Tiefstand.

„Jeder spürt definitiv die Auswirkungen der sich verschiebenden Budgets, einschließlich der Talente“, sagt Kent Belden, CEO von The Only Agency, das Promi-Stylisten wie Dani Michelle und Sam Woolf vertritt.

Dies hat einen Dominoeffekt auf die Mode. Traditionell haben Studios Styling-Budgets für Talente während Presse-Touren bereitgestellt, aber diese Budgets sind in den letzten Jahren geschrumpft. Eine Stylistin merkt an, sie sei erstaunt, wenn sie Berichte darüber sehe, wie viel Geld Blockbuster-Filme einspielen, nur um dann 500 bis 700 Dollar pro Look bezahlt zu werden.

„Diese Medienunternehmen und Studios sind riesige Konzerne. Sie sind börsennotierte Unternehmen. Sie versuchen ständig, Geld zu sparen“, sagt Karla Welch, die Schauspieler wie Renate Reinsve und Tessa Thompson stylt.

„Die Studio-Budgets sind nicht nachhaltig“, ergänzt Stylistin Britt Theodora, die mit Regisseurin Celine Song und Schauspieler Pete Davidson zusammenarbeitet. „Ich habe ein Studio, eine Vollzeitmitarbeiterin, freiberufliche Assistenten und Schneider. In diese Looks fließt viel Arbeit.“ Manchmal, erklärt sie, erwarte man eine große Presse-Tour mit 20 Looks – nur um am Ende festzustellen, dass man nur ein paar Outfits benötigt. Die Vorbereitungsarbeit bleibt jedoch dieselbe.

Die Wende könnte sich zumindest bei Film-Budgets anbahnen. Im Juni 2025 erhöhte Kaliforniens Gouverneur Gavin Newsom die jährlichen Steuergutschriften für Film- und Fernsehproduktionen von 330 Millionen auf 750 Millionen Dollar. Eine Stylistin, die in Mode und Film tätig ist, erwartet, dass dies Film- und Werbearbeit nach LA zurückbringt. Im Dezember kündigte Newsom an, dass 28 Filmprojekte durch das erweiterte Steuergutschriftenprogramm Unterstützung erhalten haben – ein positives Zeichen für 2026.

Der Mode-PR-Experte David Siwicki, der im Dezember für Presse-Termine in LA war, ist optimistisch. „Nach dem Drehbuchautorenstreik, den Bränden … gab es einige Rückschläge und schwere Zeiten für LA“, sagt er. „Ich weiß, dass es für die Branche hier immer noch schwierig ist, aber es fühlte sich wie ein guter Moment an, zurückzukommen und persönlich mit Menschen in Kontakt zu treten.“ Siwicki hat Beziehungen zu Top-Stylisten wie Wayman und Micah, Karla Welch, Elizabeth Stewart und Jamie Mizrahi aufgebaut. „Es ist großartig, diese persönliche Zeit zu haben. Das ist das Wertvollste.“

Auch wenn Steueranreize die Produktion nach LA zurückbringen könnten, heißt das nicht, dass Studios mehr in die Mode der Talente investieren werden. Stylisten glauben, dass der derzeitige Präzedenzfall gesetzt ist und sich der Status quo voraussichtlich nicht ändern wird. Belden sieht Budgetbeschränkungen als Chance für neue Möglichkeiten. „Es eröffnet die Möglichkeit, kreative Wege zu finden, um direkt Beziehungen zu Marken aufzubauen und so Budgets auszugleichen, was sowohl Stylisten als auch ihren Klienten zugutekommt“, sagt er.

Aber das bedeutet auch, dass die Navigation von Markenverträgen und -beziehungen für die Mode-Elite Hollywoods schwieriger wird, insbesondere mit kleineren finanziellen Sicherheitsnetzen. Es gibt wachsende Bedenken hinsichtlich der kreativen Freiheit von Stylisten, die mit unabhängigen Marken arbeiten, wenn große Modehäuser die Awards-Saison durch strenge Verträge dominieren. Wie passt sich also Hollywoods Modeindustrie an?

**Veränderte Markendynamiken**

Große Markenverträge wurden früher als Bonus on top der Studio-Honorare angesehen, aber jetzt sind viele darauf als stetige Einnahmequelle angewiesen, sagt Stylistin Jessica Welch. Da die Studio-Budgets schrumpfen und die Dreharbeiten aus Los Angeles abwandern, wirkt sich dies darauf aus, wie Mode in Hollywood präsentiert wird. Diese lukrativen Markendeals, die oft Millionen wert sind, beinhalten typischerweise Exklusivitäts- und Full-Look-Klauseln, die einschränken, was Talente außerhalb der vertraglich gebundenen Marke tragen können. Dies ist besonders während der Awards-Saison üblich, da große Marken Top-Events nutzen, um ihre Looks auf gebundenen Prominenten zu präsentieren.

„Einen Markenvertrag für seinen Klienten zu landen, ist der Traum, aber dann muss sie nur noch diese Marke tragen“, bemerkt Welch. Sie argumentiert, dass dies sowohl dem Talent als auch der Marke schaden kann. „Natürlich ist es fair, eine Liste großer Konkurrenten zu haben, die dein Klient nicht tragen kann. Aber sein Talent in anderen Marken zu sehen, schafft Mehrwert. Sie können vielfältige Momente haben, was die vertraglich gebundenen Momente noch wirkungsvoller macht.“

Welch plädiert für diesen ausgewogenen Ansatz. Zum Beispiel stylt sie Schauspielerin Renate Reinsve in Louis Vuitton, während sie auch unabhängige Labels wie Renaissance Renaissance und Meryll Rogge einbindet. Stylistin Danielle Goldberg verfolgt eine ähnliche Strategie mit ihren Klienten. Dior-Botschafterin Greta Lee unterstützt beispielsweise auch nach ihrer Dior-Ernennung weiterhin unabhängige New Yorker Designer wie Colleen Allen, Diotima, Luar und Still Kelly.

Dieser Ansatz ist jedoch nicht immer erfolgreich. Welch plante für einen Klienten, bei den Gotham Awards im letzten Monat eine unabhängige Marke zu tragen, aber der große Markenvertrag des Klienten verhinderte dies.

Unterdessen müssen Talente ohne Markenverträge manchmal Kosten wie Änderungsschneidereien selbst tragen, erklärt Welch. Hier können Platzierungen von Uhren und Schmuck helfen, Mode- und Arbeitskosten auszugleichen, sagt Stylistin Theodora. „Wir wenden überall ‚Girl Math‘ an, um es zum Laufen zu bringen.“

**Silberstreifen am Horizont**

Trotz der Herausforderungen bei lokalen Dreharbeiten war die Promi-Stylistik-Szene seit der Pandemie nicht nur düster, sagt Stylist Andrew Belden. Neben Budgetsorgen haben sich mehrere positive Trends entwickelt. „Die Landschaft der Promi-Stylistik hat nach der Pandemie einen großen Reset erlebt, was zu mehr Möglichkeiten für Stylisten und Glam-Teams geführt hat“, bemerkt er. „Es gab einen Anstieg an persönlichen Veranstaltungen – Sportevents, rote Teppiche, Presse-Events –, was die Nachfrage nach unseren Künstlern steigert.“ Der Aufstieg von Streaming-Diensten sei ebenfalls ein Plus, fügt er hinzu, da mehr Talente Outfits für Werbeaktivitäten benötigen. Welch stimmt zu und weist darauf hin, dass der konstante Fluss an Inhalten bedeutet, dass es immer Arbeit gibt.

Dies schafft Möglichkeiten für kleinere Marken, Sichtbarkeit zu erlangen, auch wenn rote Teppiche weiterhin von großen Häusern dominiert werden. David Siwicki, Gründer von David Siwicki Communication, veranstaltete im Dezember seinen zweiten Presse-Termin in Los Angeles, um den frühen Awards-Saison-Hype zu nutzen. „Ich engagiere mich gerne, nachdem neue Kollektionen im Oktober lanciert werden, zu Beginn der Awards-Saison“, sagt er zu dieser Strategie. Die meisten von Siwickis Designer-Klienten, darunter Meryll Rogge, Renaissance Renaissance und August Barron, eignen sich besser für Tagesevents wie Talkshows und Presse-Termine als für rote Teppiche, was alternative Wege bietet, Talente einzukleiden.

„Es ist ein weiterer Balanceakt“, schließt er und hebt die fortlaufende Bemühung hervor, diese sich entwickelnden Dynamiken zu navigieren. Es ist ein heikler Balanceakt. „Wenn ein Klient 20 Events in einer Woche hat, muss ich überlegen, ob er tatsächlich einen Moment bekommt, um in einem Look von einem Event zu glänzen, das möglicherweise nicht viel Sichtbarkeit erhält“, sagt Welch. Zudem können sich einige kleinere Marken Versandkosten nicht leisten, sodass der Stylist entscheiden muss, ob ein Outfit die FedEx-Rechnung wert ist. „Die Zeiten, in denen man ein von einem Studio bereitgestelltes FedEx-Konto hatte, sind vorbei. So funktioniert das einfach nicht mehr. Kein Studio bietet das an“, erklärt Welch.

Für Marken bleibt es jedoch entscheidend, ihre Kleidung vor Stylisten und auf Prominente zu bringen, selbst bei kleineren Werbe-Events. Es gibt Unterschiede bei diesen Gelegenheiten, bemerkt Siwicki. „Einige Shows haben viel mehr eingebaute Promotion; es hängt wirklich davon ab. Machen sie die New Yorker Morgenshows oder sind es nur Premieren und Video-Interviews?“

Eine PR-Vertreterin eines großen Modehauses betont die Bedeutung, Talente für kleinere Awards-Events einzukleiden, trotz begrenzter Berichterstattung, um bei Stylisten für die größeren Anlässe präsent zu bleiben. Theodora stimmt zu, dass dies einen echten Wert hat. „Ich werde immer den Leuten dankbar sein, die früh Stücke verliehen haben“, sagt sie. „Das vergisst man nicht, denn nicht jeder hat die Chance, von Anfang an mit einem Mode-Liebling zusammenzuarbeiten.“

Elle Fanning kam bei Jimmy Kimmel an, um **Sentimental Value** zu promoten, und trug dabei die unabhängige Marke Oude Waag, vertreten durch Siwicki.
**Foto: PG/Bauer-Griffin/GC Images**

Ein positiver Aspekt dieser sich verändernden Hollywood-Dynamiken – einschließlich reduzierter Studio-Styling-Honorare – ist laut Theodora, dass die Awards-Saison für viele Stylisten nicht mehr die oberste Priorität ist. Derzeit ist keiner ihrer Klienten in dieser Saison nominiert. „Als Promi-Stylistin denke ich manchmal immer noch: ‚Oh, ich hatte dieses Jahr niemanden für die Awards-Saison‘, aber mein Geschäft wächst trotzdem“, sagt sie. „Ich brauche die Awards-Saison nicht mehr, um mein Geschäft auszubauen. Es gibt viele andere Möglichkeiten.“ Sie scherzt, dass ihre Antwort in zehn Jahren vielleicht anders ausfallen könnte.

Insider glauben, dass die Awards-Saison bedeutend bleiben wird. „Filme werden immer gemacht, und die Awards-Saison wird nicht verschwinden – sie ist tief in der Unterhaltungsindustrie verwurzelt“, sagt Welch. „Und Gott sei Dank. Ich hoffe, sie inspiriert weiterhin Menschen, denn das ist essenziell für ihr Überleben.“

Allerdings deutet der Bieterkrieg zwischen Netflix und Paramount (letzteres veröffentlichte 2025 nur acht Filme, keiner davon in LA gedreht) auf zukünftige Unsicherheit hin. Das bedeutet, dass Stylisten noch strategischer mit ihren Honoraren und Budgets umgehen müssen, während Marken weiterhin auf dem roten Teppich Einfluss haben. Welch hofft, dass dies zu einer Weiterentwicklung führen könnte, wie Marken Botschafterschaften angehen. „Etwas mehr Flexibilität innerhalb dieses Systems ist entscheidend für den Erfolg aller“, sagt er. „Luxus- und Modemarken müssen auf sinnvollere und anpassungsfähigere Weise teilnehmen. Sie könnten bessere Renditen sehen.“

**Mehr zu diesem Thema:**
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Häufig gestellte Fragen
FAQs Hollywood-Exodus und die Modeindustrie



Einsteigerfragen



Wovon spricht jeder beim Hollywood-Exodus?

Es bezieht sich auf den Trend, dass viele Schauspieler, Autoren und andere Unterhaltungsprofis Los Angeles verlassen und in andere Städte und Bundesstaaten ziehen, oft aufgrund hoher Kosten, Lebensqualität und Veränderungen durch Remote-Arbeit.



Wie hängt die Modeindustrie mit Hollywood zusammen?

Hollywood und Mode waren schon immer eng verbunden. Prominente tragen Designer-Outfits bei Premieren und Events, was Trends antreibt, die Sichtbarkeit von Marken erhöht und eine enorme Nachfrage nach Red-Carpet-Styles schafft.



Bedeutet das also, wenn Prominente LA verlassen, gibt es weniger Red-Carpet-Events?

Nicht unbedingt weniger Events, aber das geografische Zentrum der Promi-Kultur verteilt sich. Große Events finden weiterhin statt, aber die tägliche, enge Beziehung zwischen Stylisten, Designern und Stars in LA verändert sich.



Auswirkungen & Veränderungen



Was ist die größte unmittelbare Auswirkung auf Modemarken?

Marken verlieren den ständigen, informellen Zugang zu Prominenten, den sie in LA hatten. Es ist schwieriger, Outfits für Last-Minute-Events an Stars zu bringen oder Beziehungen durch persönliche Showroom-Besuche aufzubauen.



Werden Modewochen und -starts beeinflusst?

Ja. Die Frontrows bei Shows in New York, Paris und Mailand könnten anders aussehen, mit weniger A-List-Gesichtern, die für jede Show aus LA einfliegen. Marken konzentrieren sich jetzt auch mehr auf Influencer und Prominente, die in ihren neuen Heimatstädten basieren.



Wird Red-Carpet-Mode weniger wichtig?

Sie entwickelt sich weiter. Während große Awards-Shows kritisch bleiben, hat der alltägliche Promi-Style weniger Volumen. Der Modeeinfluss verlagert sich mehr auf soziale Medien und digitale Content-Ersteller, nicht nur auf traditionelle Filmstars.



Welche Teile der Modeindustrie sind am stärksten betroffen?

High-End-Stylisten und PR-Firmen in LA. Ihr Geschäftsmodell basierte auf Nähe.

Luxus-Verleihdienste. Weniger Last-Minute-Anfragen für Premieren-Outfits.

Event-basierte Modejournalistik. Weniger täglicher Promi-Style, über den berichtet werden kann.



Chancen & Verschiebungen



Könnte diese Veränderung irgendwie gut für die Mode sein?

Möglicherweise ja. Es könnte:

Einfluss demokratisieren. Trends aus anderen Städten wie Austin, Nashville oder Miami in den Fokus rücken.