Gdy współcześni projektanci mody reinterpretują legendarne kostiumy z hollywoodzkiej przeszłości, tchną nowe życie w historię kina. Ta kolekcja łączy kultowe stroje z ośmiu filmów – „Barry Lyndon”, „Maria Antonina”, „Duna”, „Czarna Pantera”, „Orlando”, „Edward Nożycoręki”, „Pewnego razu... w Hollywood” i „Wielki Gatsby” – z siedmioma kreacjami stworzonymi na zamówienie, inspirowanymi ich rzeczywistymi lub wyimaginowanymi światami.

Maria Antonina (2006)
Włoska kostiumograf Milena Canonero, czterokrotna zdobywczyni Oscara z dziewięcioma nominacjami, doskonale ożywia wyimaginowane światy. Podczas pracy nad „Policją z Miami” w 1986 roku magazyn Vogue zauważył, że kostiumy Canonero wykraczają poza efektowne wizualnie obrazy, opowiadając modową historię. Mimo dokładnych badań, nie podchodzi do nich jak dokumentalistka. „Czerpię inspirację z wielu źródeł, głównie z dzieł sztuki i fotografii z różnych epok” – podzieliła się w ostatnim wywiadzie – „ale chodzi bardziej o nastawienie”. Na Vogue World: Hollywood Nicolas Ghesquière z Louis Vuitton oddaje bogatą elegancję rokoka z XVIII wieku, styl, który Canonero po raz pierwszy zgłębiła w „Barrym Lyndonie” Stanleya Kubricka, a później w uroczej „Marii Antoninie” Sofii Coppoli. Ta współpraca potwierdza wcześniejszą uwagę projektantki dla Vogue'a: „Filmy historyczne mają więcej stylu”.

Duna (2021)
Modelka Gigi Hadid nosi kombinezon stillsuit zaprojektowany przez Jacqueline West dla postaci Chanii Zendayi, pełnej wdzięku, ale groźnej obecności w filmach „Duna” Denisa Villeneuve'a. Gdy Villeneuve pierwszy raz zwrócił się do West o kostiumy, jej natychmiastową reakcją było: „Ale ja nie robię sci-fi!”. Właśnie dlatego jej chciał. „Powiedział: 'Chcę, żeby to było zakorzenione w przeszłości, nawet jeśli to przyszłość'” – wyjaśnia West. „Myślę, że wybrał mnie, ponieważ spodobała mu się moja praca nad 'Zjawą', która jest osadzona w realizmie”. Czerpiąc z wykształcenia z historii sztuki, West sięgnęła po wpływy średniowieczne i starożytną sztukę z Afryki Północnej i Bliskiego Wschodu dla wielu kostiumów w „Dunie”. W przypadku mundurów Fremenów kierowała się szczegółowymi opisami z książki Franka Herberta. „Potrzebowaliśmy zbiorników na płyny ustrojowe, systemu rurek na wodę, projektu działającego jak pustynna destylarnia oraz elementów zbroi, ponieważ Fremeni są wykwalifikowanymi wojownikami”. West udoskonala swoje projekty ze szkicownikiem i przedstawia je reżyserowi, kontynuując, aż usłyszy od Villeneuve'a: „Głęboko to kocham”.

Dopracowana bluzka i spódnica Alaïi nawiązują do długich, ciemnych szat potężnego Bene Gesserit z „Duny”.

Czarna Pantera (2018)
„Projektowanie kostiumów to budowanie świata” – mówi Ruth E. Carter, która zdobyła Oscary za „Czarną Panterę” i jej sequel „Czarna Pantera: Wakanda w moim sercu”. Ale chodzi też o dopracowanie każdego szczegółu stroju. Carter wspomina moment, gdy Chadwick Boseman pierwszy raz przymierzył swój strój Czarnej Pantery: „Był majestatyczny. Miał tę moc, którą czujesz, gdy widzisz superbohatera. Podskakiwałam – Czarna Pantera była w moim biurze!”. Mimo to potrzebne były poprawki, aby zwiększyć mobilność i ułatwić oddychanie Bosemanowi. „Sprowadziliśmy kogoś z Boston Ballet, aby dodał kliny pod pachami i nogami, i zaprojektowaliśmy specjalny element na nos, który mógł zdejmować, a który później odtworzyłby VFX”. Carter zastosowała tę samą wiedzę do strojów Dora Milaje, żeńskiej gwardii przybocznej Wakandy. Tutaj Awar Odhiang prezentuje jeden z tych strojów obok interpretacji Oliviera Rousteinga z Balmain dla Vogue World: Hollywood.

Sandy Powell, nagradzana kostiumografka z trzema Oscarami i trzema BAFTAMI (oraz trzykrotnością nominacji), wspomina swoją pracę nad filmem Orlando z 1992 roku. „Zrobiłam wiele filmów, ale bardzo niewiele dało mi taką artystyczną wolność jak Orlando” – mówi. Wyreżyserowany przez Sally Potter i z Tildą Swinton w roli głównej, film był kostiumowy ze stylizowaną nutą, nie do końca historycznie wierny. Powell, która wcześniej współpracowała z reżyserką i aktorką przy innych projektach, uznała ich ponowne spotkanie za naturalny krok. Swinton była kluczowa w procesie projektowania kostiumów. „Nie mogę projektować nie wiedząc, kto nosi ubrania – to najważniejsze” – wyjaśnia Powell. „Nie chodzi tylko o ich budowę czy koloryt; chodzi o to, jak się noszą i wyrażają swoją osobowość. Ich wkład ma znaczenie, ponieważ budujemy postać, a nie tylko przebieramy kogoś na wieczór. Chodzi o to, aby aktor uwierzył w rolę”.

Colleen Atwood, czterokrotna zdobywczyni Oscara za kostiumy, wspomina tworzenie ikonicznego wizerunku Johnny'ego Deppa dla filmu Tima Burtona Edward Nożycoręki z 1990 roku. „Edward zrodził się z ulic, zainspirowany handlarzami z Canal i Orchard Street sprzedającymi różne towary” – mówi. „Widzieliśmy go jako poskładaną z różnych elementów osobę, z kostiumem łączącym elementy bondage'u, praktyczność i odrobinę stylu wiktoriańskiego”. Atwood zauważa, że wyjściowym punktem były dla niej pomysłowe szkice Burtona, który często rysuje postacie ze swoich od dawna pielęgnowanych wizji. Odtworzyła kostium Edwarda Nożycorękiego na Vogue World: Hollywood, który prezentuje Anok Yai, chwalona przez nią jako „niebiańska istota”. Yai nosi także strój inspirowany Edwardem autorstwa Seana McGirra z McQueen.

Arianne Phillips, znana z kostiumowania prawdziwych postaci w filmach, omawia swoją pracę nad Pewnego razu... w Hollywood, gdzie ubierała Margot Robbie jako Sharon Tate. „Czułam odpowiedzialność za autentyczne przedstawienie Sharon” – mówi Phillips Vogue'owi. „Nie była tylko utalentowaną aktorką; była It girl”. Sztuczny płaszcz z pytona, który Robbie nosi w filmie do Playboy Mansion, jest oparty na prawdziwym płaszczu Ossiego Clarka, który Tate miała na na londyńskiej premierze Dziecięcia Rosemary w 1968 roku. Phillips, kolekcjonerka projektów Clarka, zauważa, że Tate i Roman Polański mieszkali w Londynie w erze Carnaby Street, czasie fuzji mody i rock'n'rolla, co pasuje do scenerii filmu. Quentin Tarantino wypożyczył płaszcz na Vogue World: Hollywood, gdzie pojawi się także wierna reprodukcja Marca Jacobsa.

Catherine Martin, australijska kostiumografka, jest drugą kobietą, która zdobyła wiele Oscarów w jednym roku (po Edith Head) i pierwszą, która dokonała tego dwukrotnie – za Moulin Rouge! i Wielki Gatsby, oba wyreżyserowane przez jej męża Baza Luhrmanna. „Baz chciał, aby kostiumy w Gatsbym były oparte na sylwetkach, tkaninach i detalach z lat 20., ale nasycone nowoczesną energią, aby trafić do dzisiejszej publiczności” – wyjaśnia.

Martin wyjaśnia: „Powiedział mi: 'Nie chcę nostalgicznego Nowego Jorku; nie chcę Nowego Jorku w sepii. Chcę Nowego Jorku, który czuje się tak samo żywiołowy, seksowny, surowy i nowoczesny, jakim byłby dla Zeldy i Scotta Fitzgeraldów czy jakiejkolwiek postaci z książki.' Zafascynowały mnie wyidealizowane sylwetki w tych rysunkach, często smuklejsze i bardziej stylizowane niż w rzeczywistości” – dodaje. „To zainspirowało mnie do przedkładania tych wyidealizowanych form nad ścisłą historyczną dokładność”. Jej najcenniejsze wspomnienia z pracy nad Gatsbym to „współpraca z Miuccią Pradą nad reinterpretacją stylu lat 20. dla dzisiejszej publiczności w scenach imprez”. Na Vogue World: Hollywood pani Prada stworzyła nowe ujęcie Daisy, prezentowane przez sukienkę Miu Miu tutaj.

—Irene Kim

W tym materiale: fryzury Jimmy Paul; makijaż Kabuki; stylizacja paznokci Yuko Tsuchihashi; krawcowa Hailey Desjardins. Produkcja Tann Services. Scenografia: Julia Wagner.

Często zadawane pytania
Oczywiście Oto lista FAQ dotycząca reinterpretacji ikonicznych postaci Hollywood przez czołowych projektantów mody, zaprojektowana tak, aby była jasna, pomocna i łatwa do zrozumienia.



Ogólne pytania dla początkujących



1. Co oznacza "reinterpretacja ikonicznych postaci Hollywood przez projektantów mody"?

To kreatywny projekt, w którym czołowi projektanci mody biorą słynne postacie filmowe i przerabiają ich charakterystyczne stylizacje na swój unikalny, wysokomodowy sposób.



2. Czy możesz podać słynny przykład?

Klasycznym przykładem jest sytuacja, gdy projektant Jean Paul Gaultier stworzył kultowe kostiumy do "Piątego elementu", zwłaszcza bandażową kreację Milli Jovovich. Ostatnio projektanci tacy jak Virgil Abloh i Maria Grazia Chiuri reinterpretowali postacie do sesji zdjęciowych.



3. Dlaczego projektant mody miałby to robić?

To sposób dla projektantów na zaprezentowanie swojego kunsztu, złożenie hołdu kulturze popularnej i wzbudzenie zainteresowania. Łączy opowiadanie historii filmu z kreatywnością wysokiej mody, przyciągając fanów obu dziedzin.



4. Gdzie mogę zobaczyć te reinterpretowane projekty?

Często są prezentowane w magazynach wysokiej mody, takich jak Vogue czy Harper's Bazaar, na wystawach muzealnych lub jako część pokazu mody projektanta lub kampanii reklamowej.



5. Czy te nowe kostiumy są faktycznie używane w filmach?

Rzadko. Zwykle są to projekty koncepcyjne lub artystyczne, nie stworzone do nowych produkcji filmowych. Powstają na potrzeby sesji zdjęciowych, sztuki i promocji.



Pytania zaawansowane



6. Jakie korzyści ma marka modowa z robienia tego?

Łączy markę z dziedzictwem ukochanej postaci, docierając do ogromnej nowej publiczności. Pozycjonuje projektanta jako twórcę trendów kulturowych i generuje ogromne zainteresowanie mediów i zaangażowanie w mediach społecznościowych.



7. Czy te przeróbki czasami nie rujnują wizerunku oryginalnej postaci?

Może to być kontrowersyjne. Purystom może się wydawać, że przeróbka zbyt odbiega od tego, co czyni postać wyjątkową. Jednak celem nie jest zastąpienie oryginału, lecz zaproponowanie świeżej perspektywy artystycznej, która wywołuje dyskusję.



8. Jak projektanci decydują, które postacie reinterpretować?

Często wybierają postacie o silnej, rozpoznawalnej tożsamości wizualnej. Najlepsze wybory to te z uniformem, który jest natychmiast rozpoznawalny (np. Marilyn Monroe).