Når dagens moteskapere tolker legendariske kostymer fra Hollywoods fortid på nytt, pustes det nytt liv inn i filmhistorien. Denne samlingen sammenkobler ikoniske antrekk fra åtte filmer – Barry Lyndon, Marie Antoinette, Dune, Black Panther, Orlando, Edward Scissorhands, Once Upon a Time…in Hollywood og The Great Gatsby – med syv skreddersydde kreasjoner inspirert av deres virkelige eller innbilte verdener.

Marie Antoinette (2006)
Den italienske kostymedesigneren Milena Canonero, en firedobbelt Oscar-vinner med ni nominasjoner, utmerker seg med å gi imaginære verdener liv. Mens hun jobbet med Miami Vice i 1986, observerte Vogue at Canoneros kostymer går utover slående visuelle uttrykk for å fortelle en motefortelling. Selv om hennes research er grundig, nærmer hun seg den ikke som en dokumentarist. «Jeg får inspirasjon fra mange kilder, hovedsakelig kunstverk og fotografier fra forskjellige perioder,» delte hun i et nylig intervju, «men det handler mer om holdninger.» For Vogue World: Hollywood fanger Louis Vuittons Nicolas Ghesquière den yppige rokokko-elegansen fra 1700-tallet, en stil Canonero først utforsket i Stanley Kubricks Barry Lyndon og senere i Sofia Coppolas forføreriske Marie Antoinette. Dette samarbeidet bekrefter designerens tidligere uttalelse til Vogue: «Periodedrama har mer stil.»

Dune (2021)
Modellen Gigi Hadid bærer en stillsuit designet av Jacqueline West for Zendayas rollefigur Chani, en grasiøs, men formidabel skikkelse i Denis Villeneuces Dune-filmer. Da Villeneuce først kontaktet West om kostymene, var hennes umiddelbare reaksjon: «Men jeg driver ikke med sci-fi!» Nettopp derfor ville han ha henne. «Han sa: 'Jeg vil at det skal være forankret i fortiden selv om det er fremtiden,'» forklarer West. «Jeg tror han valgte meg fordi han likte arbeidet mitt i The Revenant, som er forankret i realisme.» Ved å trekke på sin kunsthistoriebakgrunn, så West på middelalderske påvirkninger og eldgammel kunst fra Nord-Afrika og Midtøsten for mange av Dunes kostymer. For Fremen-uniformene fulgte hun Frank Herberts detaljerte beskrivelser fra boken. «Vi trengte oppsamlingsområder for kroppsvæsker, et rørsystem for vann, en design som fungerte som en ørkendestilleri, og rustningselementer siden Fremen er dyktige krigere.» West foredler designene sine med en skissetegner og presenterer dem for regissøren, og fortsetter til hun hører Villeneuce si: «Jeg er dypt forelsket i det.»

En fint håndverksmessig Alaïa-topp og skjørt gjenspeiler de lange, mørke kappene til Dunes mektige Bene Gesserit.

Black Panther (2018)
«Kostymedesign handler om å bygge verdener,» sier Ruth E. Carter, som vant Oscar for både Black Panther og dens oppfølger, Black Panther: Wakanda Forever. Men det innebærer også å perfeksjonere hver eneste detalj på hvert antrekk. Carter minnes øyeblikket da Chadwick Boseman først prøvde på Black Panther-drakten sin: «Den var majestetisk. Den hadde den kraften du føler når du ser en superhelt. Jeg hoppet bare opp og ned – Black Panther var på kontoret mitt!» Likevel trengtes justeringer for å forbedre Bosemans bevegelighet og pust. «Vi hentet inn noen fra Boston Ballet for å sette inn kiler under armene og bena, og vi designet et spesielt nese-stykke som han kunne fjerne, som VFX senere ville gjenopprette.» Carter anvendte den samme ekspertisen på antrekkene til Dora Milaje, Wakandas helt kvinnelige kongelige garde. Her viser Awar Odhiang frem ett av disse antrekkene sammen med en tolkning av Balmains Olivier Rousteing for Vogue World: Hollywood.

Sandy Powell, en prisbelønnet kostymedesigner med tre Oscar og tre BAFTA (og tre ganger så mange nominasjoner), reflekterer over arbeidet sitt på 1992-filmen Orlando. «Jeg har gjort mange filmer, men svært få ga meg den kunstneriske friheten jeg hadde på Orlando,» sier hun. Filmen, regissert av Sally Potter og med Tilda Swinton i hovedrollen, var et periodedrama med en stilisert kant, ikke strengt historisk korrekt. Powell, som tidligere hadde samarbeidet med både regissør og skuespiller på andre prosjekter, så gjenforeningen deres som et naturlig skritt. Swinton var sentral i kostymedesignprosessen. «Jeg kan ikke designe uten å vite hvem som skal bære klærne – det er det viktigste,» forklarer Powell. «Det handler ikke bare om kroppsbygning eller fargetype; det handler om hvordan de bærer seg og uttrykker sin personlighet. Deres innspill betyr noe fordi vi bygger en karakter, ikke bare kler på noen for en kveld ute. Det handler om å få skuespilleren til å tro på rollen.»

Colleen Atwood, en firedobbelt Oscar-vinnende kostymedesigner, minnes hvordan hun skapte Johnny Depps ikoniske look for Tim Burtons film Edward Scissorhands fra 1990. «Edward ble født fra gatene, inspirert av jobberne på Canal og Orchard Streets som solgte alle slags varer,» sier hun. «Vi så for oss ham som en sammenlappet person, med et kostyme som blandet bondage-elementer, praktisk funksjonalitet og et snev av viktoriansk stil.» Atwood påpeker at Burtons fantasifulle skisser var utgangspunktet hennes, da han ofte tegner karakterer fra sine lenge holdte visjoner. Hun har gjenskapt Edward Scissorhands-kostymet for Vogue World: Hollywood, modellert av Anok Yai, som hun beskriver som «et himmelsk vesen». Yai bærer også en Edward-inspirert antrekk av Sean McGirr fra McQueen.

Arianne Phillips, kjent for å kostebere virkelige personer i filmer, diskuterer arbeidet sitt på Once Upon a Time… in Hollywood, hvor hun kledde Margot Robbie som Sharon Tate. «Jeg følte et ansvar for å portrettere Sharon autentisk,» forteller Phillips til Vogue. «Hun var ikke bare en talentfull skuespillerinne; hun var en It-jente.» Den falske pytonkappen Robbie bruker til Playboy Mansion i filmen er basert på den faktiske Ossie Clark-kappen Tate bar under premieren på Rosemary's Baby i London i 1968. Phillips, som samler på Clarks design, påpeker at Tate og Roman Polanski bodde i London i Carnaby Street-æraen, en tid med mote- og rock 'n' roll-fusjon som passer med filmens setting. Quentin Tarantino har lånt kappen til Vogue World: Hollywood, hvor en tro kopi av Marc Jacobs også vil være med.

Catherine Martin, en australsk kostymedesigner, er den andre kvinnen til å vinne flere Oscar på ett år (etter Edith Head) og den første som har oppnådd dette to ganger – for Moulin Rouge! og The Great Gatsby, begge regissert av hennes ektemann, Baz Luhrmann. «Baz ønsket at Gatsby-kostymene skulle være forankret i 1920-tallets silhuetter, stoffer og detaljer, men tilført en moderne energi for å skape kontakt med dagens publikum,» forklarer hun.

Martin forklarer: «Han sa til meg: 'Jeg vil ikke ha et nostalgisk New York; jeg vil ikke ha et sepia-tonet New York. Jeg vil ha et New York som føles like levende, sexy, rått og moderne som det ville ha føltes for Zelda og Scott Fitzgerald eller noen av karakterene i boken.' Jeg ble fengslet av de idealiserte silhuettene i disse tegningene, som ofte var slankere og mer stiliserte enn virkeligheten,» legger hun til. «Dette inspirerte meg til å prioritere disse idealiserte formene fremfor streng historisk nøyaktighet.» Hennes mest kjære minner fra arbeidet med Gatsby involverer «samarbeid med Miuccia Prada for å tolke 1920-tallsstil for dagens publikum i selskapsscenene.» For Vogue World: Hollywood har Mrs. Prada skapt en ny tolkning av Daisy, som vises med Miu Miu-kjolen her.

—Irene Kim

I denne historien: hår av Jimmy Paul; sminke av Kabuki; neglelakk Yuko Tsuchihashi; skredder Hailey Desjardins. Produsert av Tann Services. Scenografi: Julia Wagner.

Ofte stilte spørsmål
Selvfølgelig. Her er en liste over vanlige spørsmål om hvordan ledende moteskapere tolker Hollywoods ikoniske karakterer på nytt, designet for å være klare, hjelpsomme og enkle å forstå.



Generelle begynner-spørsmål



1. Hva betyr det at moteskapere tolker Hollywoods ikoniske karakterer på nytt?

Det er et kreativt prosjekt der topp moteskapere tar kjente filmkarakterer og designer deres signaturlook på nytt med sin egen unike, høymote-stil.



2. Kan du gi meg et kjent eksempel?

Et klassisk eksempel er da designeren Jean Paul Gaultier skapte de ikoniske kostymene for The Fifth Element, spesielt Milla Jovovichs bandasjeantrekk. Mer nylig har designere som Virgil Abloh og Maria Grazia Chiuri tolket karakterer på nytt for redaksjonelle fotoopptak.



3. Hvorfor skulle en moteskaper gjøre dette?

Det er en måte for designere å vise frem sin kunstneriske sans, hylde popkultur og skape oppmerksomhet. Det blander filmens historiefortelling med høymotens kreativitet, og appellerer til fans av begge.



4. Hvor kan jeg se disse nye tolkningene?

De vises ofte i høymotemagasiner som Vogue eller Harper's Bazaar, på museumutstillinger, eller som en del av en designers moteshow eller reklamekampanje.



5. Brukes disse nye kostymene faktisk i filmer?

Sjelden. Disse er vanligvis konseptuelle eller kunstneriske prosjekter, ikke laget for nye filmproduksjoner. De lages for fotoopptak, kunst og publisitet.



Dypdykkende og avanserte spørsmål



6. Hva er fordelen for motemerket ved å gjøre dette?

Det knytter merket til en elsket karakters arv, og når et stort nytt publikum. Det posisjonerer designeren som en kulturell smaksdommer og genererer enorm mediedekning og engasjement på sosiale medier.



7. Ødelegger ikke disse nye designene noen ganger den opprinnelige karakterens image?

Det kan være kontroversielt. Purister kan føle at en ny tolkning avviker for mye fra det som gjør karakteren spesiell. Målet er imidlertid ikke å erstatte originalen, men å tilby et friskt, kunstnerisk perspektiv som skaper samtale.



8. Hvordan bestemmer designere hvilke karakterer de skal tolke på nytt?

De velger ofte karakterer med en sterk, gjenkjennelig visuell identitet. De beste valgene har et antrekk som er umiddelbart kjent (f.eks. Marilyn Monroe).