테일러 스위트가 2024년 앨범 <토처드 포엣스 디파트먼트>에서 "찰리 푸스는 더 큰 아티스트가 되어야 해"라고 노래했을 때 그가 본인의 주목을 끌었다는 사실은 놀랍지 않을 것이다.

"그 말을 듣고 나서," 그가 <보그>에 말하길, "저는 그냥 제가 정말 자랑스러운 앨범을 만들었어요."

2015년 대히트곡 'See You Again'부터 이듬해 라디오를 장악한 'We Don't Talk Anymore'까지 중독성 강한 팝 히트곡으로 이름을 알린 뉴저지 태생의 음악 천재는 접근법을 바꾸기로 결심했다. 최근 몇 년간 그는 짧은 음악 이론 강의로 틱톡에서 팬층을 확장해왔다. 이제 3월 27일 애틀랜틱 레코드를 통해 발매되는 네 번째 정규 앨범 <웨트에버스 클레버!>를 통해 푸스는 자신이 자라며 들었던 사운드를 발전시키고 변형시켜, 개인적이고 창의적인 진화의 창을 열어젖힌다. (그는 이 앨범을 "2026년식 얌트 록"이라고 설명했다.)

여기서, 줌(그리고 사실 런닝머신 위에서)으로 <보그>와 대화한 푸스는 슈퍼볼 LX에서의 대규모 출연, 작곡 접근법, 그리고 아내 브룩과 함께 부모가 되는 시기에 맞춰 새 앨범을 발매하는 의미에 대해 논의했다. (푸스의 아들 주드는 3월 13일에 태어났다.)

<보그>: 슈퍼볼에서의 국가 연주가 관객들에게 큰 사랑을 받은 것 같습니다. 무대에 오르기 전의 심정은 어땠나요? 고요하고 평온했나요, 아니면 술이라도 한 잔 했나요?

<찰리 푸스>: 음, 술은 분명히 마시지 않았어요. 그 순간까지는 정말 많이 긴장했지만, 일단 필드에 발을 디디자 그 모든 긴장이 사라졌어요. 그냥 다 날아가버렸죠! 하지만 그게 바로 음악이 제게 하는 일이에요. 음악은 궁극적인 균형이죠. 그래서 저는 항상 피아노 옆에서 인터뷰를 해요—지금은 그렇게 하고 있지 않지만, 저기 피아노가 있네요. 그 소리들이 저에게는 매우 진정이 되거든요. 그래서 처음 몇 음표를 연주하자마자 제 몸 전체가 편안해졌어요.

하늘을 올려다봤을 때, 모든 것이 얼마나 잘 들렸는지에 놀라지는 않았어요. 20번이나 리허설을 해서 완벽하게 맞췄으니까요. 하지만 플라이오버(항공기 통과)가 음악적으로 리듬에 딱 맞았다는 점은 놀랐어요. 마지막 D 메이저 코드에서 그렇게 될 계획은 없었거든요. 마치 비행기들이 그 음악적 비트와 완벽하게 싱크를 맞춘 것 같았어요. 그래서 꽤 놀라웠죠.

<보그>: 휘트니 휴스턴에게 음악적으로 경의를 표했다고 말씀하셨는데, 어떻게 하셨는지 설명해 주시겠어요?

<푸스>: 음, 그녀의 국가 연주는 제 생각과 많은 사람들의 생각에 항상 최고의 연주로 남을 거예요. 저는 그와 경쟁하려는 건 아니었지만, 국가를 부른 두 번째 뉴저지 출신이라는 점에서, 그녀의 편곡 일부, 특정 구절을 부르는 방식을 취해 제 것으로 만드는 것이 맞다고 생각했어요—'The rocket's red glare'나 'the land of the free' 같은 구절을 그녀가 불렀던 특정 지점에서 그녀가 부른 그대로 음표 하나하나 따라 부르는 것처럼 말이죠.

<보그>: <토처드 포엣스 디파트먼트>에서 테일러 스위트가 언급한 부분을 묻지 않는다면 제가 실수하는 거겠죠. 그게 창의적 관점의 전환을 이끌었다고 알고 있습니다. 먼저, 그 앨범에 자신이 등장한다는 걸 어떻게 알게 되셨나요?

<푸스>: 그냥 인터넷을 보다가 제 이름이 검색어로 올라와 있어서 왜 그런지 궁금했어요. 제가 음원을 낸 것도 아니었으니까요. 그런 다음 그 훌륭한 음악을 듣고 신났죠. 제 말은, 그걸 보고 누가 신나지 않겠어요? 제가 전에 말한 것 같아요, 아마도 그건 그녀가 제게 특정 유형의 음악을 만들도록 격려하는 방식이었을 거라고요. 그래서 그 언급에 매우 감사합니다.

<보그>: 그 언급이 당신에게 어떤 변화를 가져왔나요?

<푸스>: 아주 구체적인 가사였던 것 같아요. 그리고 그게 제가 구체적인 가사를 쓰도록 영감을 주었죠.

<보그>: 앨범 발매가 첫 아이 출생과 맞물렸네요. 요즘 어떤 생각을 하고 계신가요?

<보그>: 음악적으로 제가 원하던 곳과 제 삶이 마침내 일치하게 되어 정말 기쁩니다. 음악이 그것과 직접적으로 평행을 이루고 있어요. 그래서 <웨트에버스 클레버!>가 전부... '얌트 록 2026' 스타일인 거죠. 이 앨범에 참여한 아티스트들을 존중하며 말씀드리지만, 말이 된다면, 아빠가 된 저도 들을 음악이에요. 그래서 음악과 매우 일치한다고 느껴요. 모든 것이 매우 뜻깊은 우연의 일치라고 생각하고, 모든 것 뒤에는 의미가 있어요. 이 앨범이 이 특정 시기에 나오는 데에는 이유가 있을지도 몰라요.

구체성에 집중하는 노래에 대해 이야기해 봅시다. 예를 들어, 'I Used To Be Cringe'요. 그건 사실 제가 <토처드 포엣스 디파트먼트>를 듣고 나서 쓴 노래예요.

정말로 자신이 과거에 '캔주'했다고 생각하시나요? 이미 10년 넘게 큰 스타셨는데, 그게 왜 '캔주'인가요?

제 경우 '캔주'라는 단어와 연관 지어 생각하는 것은, 진정한 자신에 대해 솔직하지 않았던 거예요. 저 자신을 탓하지도 않아요; 저는 그냥 성장하는 젊은이였을 뿐이니까요. 하지만 비유적으로 말하면, 많은 다른 옷들을 입어보려고 했죠. 머리를 금발로 염색했다가 밀고, 외모를 바꾸고, 말하는 방식을 조정했어요—단지 너무나도 맞추고 싶었고 사람들이 제 음악을 들어주길 바랐기 때문이에요. 제가 깨닫지 못했고, 나이가 들면서 궁극적으로 이해한 것은, 사람들이 저를 좋아하도록 하기 위해 제 자신을 어떤 모양으로 만질 필요가 없다는 것이었어요. 저는 그저 처음부터 끝까지 제 자신이면 됐던 거죠. 그래서 필요도 없었는데 관심을 끌려고 '캔주'한 일들을 했던 거예요. 그냥 음악이 스스로 말하게 했어야 했는데, 그걸 깨닫는 데 시간이 좀 걸렸어요.

가사는 더 일반적일수록 사람들의 공감을 덜 받는다는 점이 흥미롭네요.

우리 모두가 독특한 일들을 겪는다는 사실을 말해주는 것 같아요. 당신의 상황은 독특하지만, 그 때문에 당신의 이야기를 간절히 듣고 싶어하는 사람들이 더 많아진다는 거죠. 저는 아티스트로서 그런 것에 코드와 멜로디를 입히는 것이 제 의무라고 느꼈어요.

'Don't Meet Your Heroes'에 대해 이야기해 봅시다. 먼저, 노래를 쓸 때 제목부터 생각하시나요, 아니면 가사부터 생각하시나요?

제목이 먼저인 것 같아요. 이 노래들 중 많은 것들이 스스로에게 말하는 데서 비롯됐어요—소리 내어 말하는 건 아니고, 그냥 생각하면서요. 저는 스스로와 대화를 나누고, 제 팬들과 공감할 수 있는 노래를 만들기 위해서는 진실을 말해야 해요. 제가 겪었던 경험들—실망의 순간들, 기쁨의 순간들을 생각해요. 그중 제가 전에 다루지 않았던 것을 쓰고 싶었던 때는, 오랫동안 존경해 온 누군가를 만난 후 정말 슬프고 실망했을 때였어요. 물론, 모두가 구체적으로 누구에 관한 건지 궁금해할 수 있지만, 사실 그게 중요한 건 아니에요.

피할 방법이 없었어요. 당시 제 머릿속에 있던 생각 그대로 'Don't Meet Your Heroes'라는 제목을 써야 했죠. 그 제목이 머릿속에 아주 오랫동안 맴돌았던 기억이 나요. 참 안됐다는 생각이 들었죠. 그냥 이 사람을 언젠가 만나고 싶은 영감 목록에만 남겨뒀어야 했는데, 실제로 만나지 말고 말이에요. 안타까운 일이지만, 가끔은 실망하게 되죠.

왜 지금이 당신이 말하는 '얌트 록 2026'의 순간인가요? 요즘 나라가 약간의 음악적 탈출주의를 필요로 하기 때문인가요?

제가 왜 이런 음악적 결정을 내리는지 모르겠어요. 그냥 인생이 저를 어디로 이끌든, 그 뒤에 몇 가지 코드 진행을 붙이려고 노력할 뿐이에요. 아버지가 되려 하니까, 정말 신나는 인생 단계에 들어서고 있는 거고, 이 음악이 그 단계에 딱 맞는 사운드트랙이라고 느껴요. 전에 제가 부르는 걸 들어보지 못했을 주제에 대해 정말 구체적인 노래를 쓰기에 완벽한 시기인 것 같아요.

'Changes'라는 노래가 앨범을 시작하는 게 매우 적절하네요. 그 노래를 쓸 때 아버지가 될 거라는 걸 알고 계셨나요?

음, 짧게 대답하면 아니요. 그 노래를 쓸 때는 몰랐어요. 하지만 그 노래는 구체적으로 성장하는 우정, 변하는 우정, 그리고 인생과 거리가 그것에 어떻게 영향을 미칠 수 있는지에 관한 거예요. 제가 몇 번 겪어본 일이고, 많은 사람들도 겪어봤을 것 같아요.

그 노래는 정말 스티브 윈우드 식의, 태평스럽고 낙관적인 1992년 느낌이 나요—커다랗고 울리는 스네어 드럼 소리와 함께 말이죠.

저는 가사에 집중하기 전에 노래의 전반적인 느낌을 먼저 흡수하는 편이에요. 천재로서, 음악을 어떻게 들으시나요?

음악이 저를 그쪽으로 이끌면 가사를 알아차리겠지만, 저도 대부분의 사람들과 마찬가지로 항상 모든 가사를 처음부터 끝까지 듣지는 않는 것 같아요. 처음에는 프로듀서의 관점에서 정말 듣거든요: 드럼, 피아노 배치, 믹스에서 보컬의 위치 같은 것들이요. 하지만 정말 매력적인 가사—아마 노래 제목이거나, 음악적으로 두드러지는 부분—가 있다면 분명히 제 귀를 사로잡을 거예요.

지금은 진짜 90년대 부활의 한가운데에 있어요, <러브 스토리> 현상부터 해리 스타일즈의 최근 앨범 론칭 때 많은 버튼다운 셔츠와 넥타이를 착용한 것까지요. 당신이 이 앨범을 위해 그 미학을 일찍 받아들였다는 점은 주목할 가치가 있습니다. 이 프로젝트에서 그 스타일에 끌린 이유는 무엇인가요?

이 앨범 캠페인을 위해, 제가 저처럼 느껴지는 옷을 입는 것이 정말 중요했어요. 이 앨범을 구상할 때, 제가 자라면서 좋아했던 선생님들과 그들이 가르치는 과목에 대해 얼마나 열정적이었는지 생각했어요. 제가 화학에서 A+ 학생이 되지 않을 거라 해도, 제 화학 선생님은 넥타이를 매고 아침 7시에 나타나 가르칠 준비를 하셨죠. 저는 선생님들을 존경합니다—가장 중요한 사람들 중 하나라고 생각해요. 그래서, 제 넥타이를 매는 것은 일하러 나서는 것과 같아요. 제 팬들이 들을 것과 제가 쓴 음악에 대해 제가 신경 쓰고 있다는 걸 보여주죠.

앨범 홍보를 위해 뉴욕 블루 노트 재즈 클럽 같은 곳에서 소규모 레지던시 공연 시리즈를 하셨는데요. 그 공연 중 하나를 봤는데—내내 미소를 지으시면서 지금처럼 행복한 적이 없다고 말씀하셨어요. 왜 그렇게 행복하셨나요?

이 앨범은 제 자신을 위해 만든 거예요. 제가 태어난 해의 음악으로 가득 차 있어요—진정한 열정 프로젝트죠. 가장 겸손하게 말씀드리지만, 저는 더 이상 증명할 게 없다고 느껴요. 적어도 저에게는 그렇게 느껴집니다.

<이 대화는 편집 및 요약되었습니다.>

자주 묻는 질문
물론입니다. 찰리 푸스가 그의 '아빠 음악' 시대를 받아들이는 것에 관한 실제 팬과 궁금한 청취자들의 질문처럼 들리도록 디자인된 FAQ 목록입니다.

FAQ: 찰리 푸스의 아빠 음악 시대

초보자용: 정의 관련 질문

1. '아빠 음악'이 대체 무슨 뜻인가요?
이는 세련되고 멜로디우스하며, 종종 70~80년대 클래식 팝, 록 또는 소프트 록 사운드에 기대는 음악을 장난스럽고 애정 어리게 부르는 용어입니다. 강력한 보컬, 기타 솔로, 공감할 수 있는 주제를 가진 잘 만들어진 노래—멋진 아빠가 차에서 틀어놓을 것 같은 음악을 생각해보세요.

2. 찰리 푸스는 왜 자신의 새로운 단계를 '아빠 음악 시대'라고 부르나요?
그는 최근 초기 히트곡의 과도하게 가공되고 유행을 좇는 팝에서 벗어나, 더 성숙하고 악기에 집중하며 시대를 초월한 사운드로의 전환을 설명하기 위해 이 용어를 사용하고 있습니다. 그는 바이럴 순간보다 장인 정신을 받아들이고 있습니다.

3. '아빠 음악' 아티스트의 예시는 어떤 게 있나요?
클래식 예시로는 빌리 조엘, 폴 매카트니, 플리트우드 맥, 홀 & 오츠와 같은 아티스트들이 있으며, 존 메이어나 더 1975와 같이 종종 그러한 영향력을 보여주는 현대 아티스트들도 있습니다.

장점 및 마인드셋

4. 찰리 푸스는 이 시대에 왜 더 행복한가요?
그는 더 많은 창의적 자유와 진정성을 느낀다고 말했습니다. 그는 매번 틱톡에서 히트