Charlie Puth begrüßt seine Dad-Music-Ära – und könnte nicht glücklicher sein.

Es wird Sie nicht überraschen zu erfahren, dass Taylor Swift mit der Zeile „Charlie Puth sollte ein größerer Künstler sein“ auf ihrem 2024er Album **The Tortured Poets Department** die Aufmerksamkeit von Charlie Puth selbst erregte.

„Nachdem ich sie das sagen hörte“, erzählt er **Vogue**, „machte ich mich einfach daran und machte ein Album, auf das ich zufällig so stolz bin.“

Nachdem er sich mit eingängigen Pop-Hits einen Namen gemacht hatte – von seinem Durchbruchshit „See You Again“ 2015 bis zum radiofreundlichen „We Don't Talk Anymore“ im darauffolgenden Jahr – beschloss das in New Jersey geborene Musikwunderkind, seinen Ansatz zu ändern. In den letzten Jahren hat er seine Fangemeinde auf TikTok mit kompakten Musiktheorie-Lektionen vergrößert. Nun, mit seinem vierten Studioalbum **Whatever's Clever!**, das am 27. März bei Atlantic Records erscheint, bietet Puth einen Einblick in seine persönliche und kreative Entwicklung, indem er auf den Klängen aufbaut und sie transformiert, mit denen er aufgewachsen ist. (Er hat das Album als „Yacht Rock 2026“ beschrieben.)

Hier spricht Puth mit **Vogue** via Zoom (und tatsächlich von einem Laufband aus) über seinen großen Auftritt beim Super Bowl LX, seinen Ansatz beim Songwriting und darüber, was es bedeutet, ein neues Album zu veröffentlichen, genau jetzt, wo er und seine Frau Brooke Eltern werden. (Puths Sohn Jude wurde am 13. März geboren.)

**Vogue:** Das Publikum schien Ihre Interpretation der Nationalhymne beim Super Bowl zu lieben. Wie war Ihre Stimmung, bevor Sie dort auftraten: ruhig und zen, oder haben Sie einen Kurzen getrunken?

**Charlie Puth:** Also, ich habe definitiv keinen Kurzen getrunken. Ich war eigentlich nervöser wegen allem, was davor kam, aber sobald ich das Spielfeld betrat, verflog all diese Nervosität. Sie verschwand einfach! Aber das ist es, was Musik für mich tut. Sie ist mein ultimativer Ausgleich. Deshalb mache ich Interviews immer am Klavier – obwohl ich das jetzt nicht tue, aber da drüben steht ein Klavier. Die Klänge beruhigen mich sehr. In dem Moment, als ich die ersten paar Töne spielte, entspannte sich mein ganzer Körper.

Als ich in den Himmel schaute, war ich nicht schockiert darüber, wie gut alles klang, denn wir hatten es 20 Mal geprobt und es richtig hinbekommen, aber ich war überrascht, dass der Überflug so musikalisch im Rhythmus war. Das war etwas, das wir nicht für diesen letzten D-Dur-Akkord geplant hatten. Es war, als wären die Flugzeuge musikalisch genau im Takt. Das war ziemlich unglaublich.

**Vogue:** Ich weiß, Sie haben gesagt, Sie haben Whitney Houston in musikalischer Hinsicht geehrt. Können Sie beschreiben, wie Sie das gemacht haben?

**Puth:** Also, ihre Interpretation der Nationalhymne ist meiner und vieler anderer Meinung nach immer die beste, die je gemacht wurde. Ich habe nicht versucht, damit zu konkurrieren, aber da ich der zweite gebürtige New Jerseyaner war, der die Nationalhymne sang, wäre es nur richtig gewesen, Teile ihres Arrangements, die Art, wie sie bestimmte Phrasen sang, zu übernehmen und zu meiner eigenen zu machen – Note für Note zu singen, was sie an bestimmten Stellen gesungen hatte, wie sie Zeilen wie „The rocket's red glare“ oder „the land of the free“ sang.

**Vogue:** Ich wäre nachlässig, wenn ich Sie nicht nach Taylor Swifts Erwähnung auf **The Tortured Poets Department** fragen würde, die, wie ich weiß, zu einer Verschiebung Ihrer kreativen Perspektive führte. Zunächst einmal, wie haben Sie erfahren, dass Sie auf diesem Album sind?

**Puth:** Ich war einfach im Internet und sah, dass mein Name ein gesuchtes Thema war, und ich fragte mich warum, weil ich keine Musik veröffentlicht hatte. Dann hörte ich dieses großartige Musikstück und war aufgeregt. Ich meine, wer wäre nicht aufgeregt darüber? Ich glaube, ich habe das schon einmal gesagt, dass das vielleicht ihre Art war, mich zu ermutigen, eine bestimmte Art von Musik zu machen. Also bin ich sehr dankbar für die Erwähnung.

**Vogue:** Was an dieser Erwähnung hat die Dinge für Sie verändert?

**Puth:** Ich denke, es war so ein spezifischer Text, und er inspirierte mich, spezifische Texte zu schreiben.

**Vogue:** Die Albumveröffentlichung fällt zufällig mit der Geburt Ihres ersten Kindes zusammen. Wo sind Sie gedanklich in diesen Tagen?

**Puth:** Ich bin wirklich aufgeregt, dass sich mein Leben musikalisch endlich so ausgerichtet hat, wie ich es sein möchte. Die Musik verläuft direkt parallel dazu, weshalb **Whatever's Clever!** vollständig... im Yacht-Rock-2026-Stil ist. Mit allem Respekt vor den Künstlern auf diesem Album, es ist Musik, die ich als Vater hören würde, wenn das Sinn ergibt. Also fühle ich mich sehr damit im Einklang. Ich denke, es ist alles sehr glücklich gefügt, und hinter allem steckt eine Bedeutung. Es könnte einen Grund geben, warum dieses Album zu dieser besonderen Zeit erscheint.

Lassen Sie uns über Songs sprechen, die sich auf Spezifisches konzentrieren. Zum Beispiel „I Used To Be Cringe“. Das ist tatsächlich der Song, den ich schrieb, nachdem ich **The Tortured Poets Department** gehört hatte.

Denken Sie wirklich, dass Sie früher peinlich waren? Sie sind seit über einem Jahrzehnt ein großer Star. Was ist daran peinlich?

Was ich mit dem Wort „cringe“ in meinem Fall verbinde, ist einfach, nicht ehrlich darüber zu sein, wer ich wirklich war. Ich mache mir auch keine Vorwürfe; ich war nur ein junger Mann, der aufwuchs. Aber ich habe metaphorisch viele verschiedene Anzüge anprobiert. Meine Haare blond färben, dann rasieren; mein Aussehen anpassen, die Art, wie ich sprach – nur weil ich so sehr dazugehören wollte und wollte, dass die Leute meine Musik hören. Was ich nicht realisierte und was ich letztendlich verstand, als ich älter wurde, ist, dass ich mich nicht zu etwas formen musste, nur damit die Leute mich mögen. Ich hätte die ganze Zeit einfach ich selbst sein müssen. Also habe ich früher peinliche Dinge getan, um Aufmerksamkeit zu bekommen, als ich das nicht nötig hatte. Ich hätte einfach die Musik für sich sprechen lassen sollen, und es dauerte eine Weile, bis ich das herausfand.

Es ist interessant, dass bei Texten gilt: Je allgemeiner man ist, desto weniger können sich die Leute damit identifizieren.

Ich denke, es spricht für die Tatsache, dass wir alle einzigartige Dinge durchmachen. Ihre Situation ist einzigartig, aber es gibt mehr Menschen, die unbedingt von Ihnen hören möchten, gerade deswegen. Ich fühlte es als meine Pflicht als Künstler, dem einige Akkorde und eine Melodie zu verleihen.

Lassen Sie uns über „Don't Meet Your Heroes“ sprechen. Zunächst einmal, wenn Sie einen Song schreiben, fangen Sie mit dem Titel oder den Texten an?

Ich denke, zuerst der Titel. Viele dieser Songs entstanden aus Selbstgesprächen – nicht laut, sondern einfach im Denken. Ich führe ein Gespräch mit mir selbst, und um einen Song zu machen, der bei meinen Fans Anklang findet, muss ich die Wahrheit sagen. Ich denke über Erfahrungen nach, die ich durchgemacht habe: Zeiten der Enttäuschung, Zeiten der Freude. Eine dieser Zeiten, über die ich etwas schreiben wollte, das ich zuvor nicht getan hatte, war, als ich mich wirklich traurig und enttäuscht fühlte, nachdem ich jemanden getroffen hatte, zu dem ich lange aufgeschaut hatte. Sicher, jeder kann sich fragen, um wen es sich konkret handelt, aber darum geht es eigentlich nicht.

Es gab keine Möglichkeit, darum herumzutanzen. Ich musste den Titel „Don't Meet Your Heroes“ schreiben, weil das das war, was ich zu der Zeit dachte. Ich erinnere mich, dass ich diesen Titel sehr lange im Kopf hatte. Es war wie: Was für eine Schande. Ich hätte diese Person einfach auf meiner Inspirationsliste behalten sollen, um sie eines Tages zu treffen, aber sie nicht wirklich treffen sollen. Es ist ein Reinfall, aber manchmal wird man enttäuscht.

Warum ist jetzt der Moment für Yacht Rock 2026, wie Sie es nennen? Braucht das Land heutzutage ein wenig musikalische Eskapismus?

Ich weiß nicht, warum ich die musikalischen Entscheidungen treffe, die ich treffe. Es ist einfach, wohin mich das Leben führt, ich versuche, einige Akkordfolgen dahinter zu setzen. Da ich bald Vater werde, betrete ich diese wirklich aufregende Lebensphase, und ich habe das Gefühl, dass dies der perfekte Soundtrack dafür ist. Es fühlt sich wie der perfekte Zeitpunkt an, wirklich spezifische Songs über Themen zu schreiben, über die Sie mich vielleicht noch nicht habe singen hören.

Es ist sehr passend, dass ein Song namens „Changes“ das Album eröffnet. Wussten Sie, dass Sie Vater werden würden, als Sie das schrieben?

Nun, die kurze Antwort ist nein. Ich wusste es zu der Zeit, als ich den Song schrieb, nicht. Aber der Song handelt speziell von einer wachsenden Freundschaft, einer sich verändernden Freundschaft und wie Leben und Entfernung sie beeinflussen können. Das ist etwas, das ich ein paar Mal durchgemacht habe, und ich habe das Gefühl, dass viele Menschen das auch durchgemacht haben.

Dieser Song hat wirklich eine Steve-Winwood, unbeschwert-optimistische 1992er-Vibe – große, dröhnende Snare und alles.

Ich neige dazu, das Gesamtgefühl eines Songs aufzunehmen, bevor ich mich auf die Texte konzentriere. Als Wunderkind, wie hören Sie Musik?

Ich nehme die Texte auf, wenn die Musik mich dorthin führt, aber ich denke, ich bin wie die meisten Menschen, dass ich nicht immer jedes Wort bis zum Ende höre. Zuerst höre ich es wirklich aus der Perspektive eines Produzenten: die Drums, wie das Klavier platziert ist, wo die Gesangsstimme im Mix sitzt. Aber wenn es einen wirklich fesselnden Text gibt – vielleicht ist es der Songtitel, oder er sticht musikalisch hervor – wird er definitiv mein Ohr erregen.

Wir befinden uns mitten in einer echten 90er-Revival-Phase, vom **Love-Story**-Phänomen bis zum kürzlichen Album-Release von Harry Styles, bei dem er viele Hemden mit Knopfleiste und Krawatten trug. Es ist erwähnenswert, dass Sie dieses Ästhetik früh für dieses Album übernommen haben. Was hat Sie zu diesem Stil für dieses Projekt hingezogen?

Für diese Albumkampagne war es mir wirklich wichtig, Kleidung zu tragen, die sich wie ich anfühlt. Als ich mir dieses Album vorstellte, dachte ich an meine Lieblingslehrer aus meiner Kindheit und wie sehr sie sich für die Fächer interessierten, die sie unterrichteten. Selbst wenn ich kein Einser-Schüler in Chemie sein würde, zog mein Chemielehrer eine Krawatte an und erschien um sieben Uhr morgens, bereit zu unterrichten. Ich bewundere Lehrer – ich denke, sie sind einige der wichtigsten Menschen. Also ist das Anziehen meiner Krawatte wie das Erscheinen zur Arbeit. Es zeigt, dass mir wichtig ist, was meine Fans hören werden und die Musik, die ich geschrieben habe.

Um das Album zu promoten, haben Sie eine Reihe intimer Residencies an Orten wie dem Blue Note Jazz Club in New York gemacht. Ich habe eine dieser Shows gesehen – Sie haben die ganze Zeit gelächelt und gesagt, Sie seien noch nie glücklicher gewesen. Warum hat Sie das so glücklich gemacht?

Ich habe dieses Album für mich selbst gemacht. Es ist voller Musik aus dem Jahr, in dem ich geboren wurde – ein echtes Leidenschaftsprojekt. Auf die bescheidenste Art fühle ich, dass ich nichts mehr zu beweisen habe. So fühlt es sich für mich zumindest an.

**Dieses Gespräch wurde redigiert und gekürzt.**



Häufig gestellte Fragen
Natürlich. Hier ist eine Liste von FAQs über Charlie Puths Eintritt in seine Dad-Music-Ära, die so gestaltet sind, als kämen sie von echten Fans und neugierigen Zuhörern.



FAQs: Charlie Puths Dad-Music-Ära



Anfänger: Definitionsfragen



1. Was bedeutet „Dad Music“ überhaupt?

Es ist ein spielerischer, liebevoller Begriff für Musik, die poliert, melodiös ist und oft an klassischen Pop-, Rock- oder Softrock-Klängen der 70er und 80er Jahre orientiert. Denken Sie an gut gemachte Songs mit starken Vocals, Gitarrensoli und nachvollziehbaren Themen – Musik, die Sie sich vorstellen können, wie ein cooler Dad im Auto spielt.



2. Warum bezeichnet Charlie Puth seine neue Phase als „Dad-Music“-Ära?

Er verwendet den Begriff, um seine jüngste Hinwendung zu einem reiferen, instrumentenfokussierten und zeitlosen Sound zu beschreiben, weg vom ultra-verarbeiteten, trendjagenden Pop seiner früheren Hits. Er setzt auf Handwerkskunst statt auf virale Momente.



3. Was sind einige Beispiele für „Dad Music“-Künstler?

Klassische Beispiele sind Künstler wie Billy Joel, Paul McCartney, Fleetwood Mac, Hall & Oates und modernere Acts wie John Mayer oder The 1975, die oft diese Einflüsse aufgreifen.



Vorteile & Mindset



4. Warum ist Charlie Puth in dieser Ära glücklicher?

Er hat gesagt, dass er mehr kreative Freiheit und Authentizität empfindet. Er macht Musik, die er wirklich liebt, ohne den intensiven Druck, jedes Mal einen TikTok-tauglichen Hit zu produzieren, was es ihm ermöglicht, sich auf Songwriting und Musikalität zu konzentrieren.



5. Was sind die Vorteile für einen Künstler, eine Nische wie diese zu umarmen?

Es kann eine tiefere, engagiertere Fangemeinde aufbauen, künstlerische Langlebigkeit etablieren und den Künstler von dem erschöpfenden Kreislauf befreien, flüchtigen Trends hinterherzujagen. Es führt oft zu Musik, die besser altert.



Häufige Fragen & Beispiele



6. Ist das nicht einfach eine seltsame Midlife-Crisis mitten in der Karriere?

Überhaupt nicht. Für viele Künstler ist dies eine natürliche Entwicklung hin zu musikalischer Reife. Es geht darum, ihr Handwerk zu verfeinern und Musik zu machen, die widerspiegelt, wer sie jetzt sind, und nicht, wer sie waren, als sie durchbrachen.



7. Welche seiner Songs zeigen diesen Dad-Rock-Vibe am besten?

Titel wie