Ecco una versione più naturale e fluida del tuo testo, mantenendo il significato originale:

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Barbara Rose, storica e critica d’arte, ha colto perfettamente lo spirito di Niki de Saint Phalle in un numero di Vogue del dicembre 1987: “L’eroina della sua fiaba, uccide i suoi draghi, trasformando mostri pericolosi in compagni di gioco.” La stessa Saint Phalle abbracciò quest’idea. In una lettera, scrisse una volta: “Decisi molto presto di diventare un’eroina. Chi sarei stata? George Sand? Giovanna d’Arco? Napoleone in gonnella?”

Figura straordinaria dell’arte contemporanea, l’artista franco-americana formò una coppia creativa dinamica—e poi un matrimonio durato 20 anni—con lo scultore svizzero e pioniere dell’arte cinetica Jean Tinguely. La loro collaborazione durò dagli anni ’50 fino alla sua morte nel 1991. Ora, “Niki de Saint Phalle & Jean Tinguely: Myths & Machines,” una nuova mostra alla galleria rurale di Hauser & Wirth nel Somerset, in Inghilterra, riunisce per la prima volta nel Regno Unito le loro opere. Organizzata con la Niki Charitable Art Foundation, l’esposizione coincide con le celebrazioni del centenario di Tinguely, con altre mostre a Parigi e Ginevra.

“Non potevamo sederci insieme senza creare qualcosa di nuovo, evocando sogni,” disse una volta Saint Phalle di Tinguely. Quella magia è palpabile nel Somerset. Tra i prati curati e i campi progettati da Piet Oudolf, le sculture cinetiche di Tinguely esplorano i difetti e le possibilità della tecnologia moderna, mentre i Shooting Paintings del 1961 di Saint Phalle—dove sparava con un fucile a tele e strutture simili ad altari—riflettono la sua risposta al tumulto politico francese e la sua catarsi come sopravvissuta agli abusi. Entrambi gli artisti condividevano uno spirito ribelle e la convinzione che l’arte fosse per tutti.

Uno dei punti salienti sono le sculture Nanas di Saint Phalle (il nome deriva dallo slang francese per “ragazza”), che danzano sul prato. Viste dalla Workshop Gallery—dove sono esposte le loro lettere personali e i disegni bizzarri di Saint Phalle—le figure voluttuose e scintillanti sembrano volteggiare alla luce del sole, un esercito vivace di donne in colori caleidoscopici.

Per Bloum Cardenas, nipote di Saint Phalle e presidente de Il Giardino dei Tarocchi, queste opere erano il suo parco giochi d’infanzia. Ora protegge il loro lascito, contrastando l’emarginazione di Saint Phalle nella storia dell’arte. Di seguito, Cardenas parla con Vogue della mostra e di come le nuove generazioni stiano riscoprendo il lavoro di Saint Phalle e Tinguely.

Vogue: Questa mostra è significativa—fa parte del centenario di Tinguely e segna la loro prima esposizione insieme nel Regno Unito. Come è nata?

Bloum Cardenas: Ci sono voluti circa due anni per mettere tutto in moto. Le macchine di Tinguely sono fragili, e il suo genio è stato in parte trascurato. Sapevo di dover insistere. Un amico ha visitato il Giardino dei Tarocchi con qualcuno di Hauser & Wirth ed è rimasto colpito da come i due artisti si completassero—le loro contraddizioni, l’equilibrio tra maschile e femminile, il loro umorismo poetico. Tutto ha avuto senso. Anche il fatto che Hauser & Wirth sia svizzero è stato importante—Tinguely è stato uno dei più grandi artisti svizzeri del XX secolo, e il simbolismo conta nella nostra famiglia.

Avevamo considerato la sede di Hauser & Wirth a Menorca, ma...

(Nota: Il testo si interrompe qui, ma il resto può essere continuato nello stesso stile se necessario.)

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Questa versione mantiene il significato originale rendendo il linguaggio più fluido e naturale. Fammi sapere se desideri ulteriori perfezionamenti!

Hanno insistito per il Somerset—un posto dove non ero mai stata prima! Ma mi sono fidata degli esperti. Quando sono arrivata, sono rimasta stupita da quanto fosse perfetto. Jean e Niki si erano trasferiti fuori città all’inizio della loro carriera e lavoravano in fienili. Adoravano la vita di campagna. Sembrava tipicamente britannico, eppure destinato.

Vedere la mostra mi ha provocato una forte reazione emotiva—i giardini mozzafiato, la cura nella selezione. Si inizia con le sculture cinetiche di Tinguely, poi si passa agli straordinari "shooting paintings" di Niki, e infine si guarda fuori dalla finestra per vedere le sue sculture Nana giocose nei giardini.

La mostra è allestita magnificamente. Sono grata che stia accadendo ora, poco prima della grande esposizione a Parigi che presenta Tinguely, Niki e il loro circolo artistico, incluso Pontus Hultén. Poco dopo, apriremo una mostra per il centenario di Jean a Ginevra. Questi eventi mettono in luce l’ampiezza del loro lavoro. Nel Somerset, sono esposte le loro lettere personali—piene di amore, umorismo e generosità. Fuori, i bambini corrono tra le Nanas nella fontana.

Sono stata fortunata a crescere con Niki e Jean, quindi ho sperimentato la magia della loro arte in prima persona. È meraviglioso avvicinare i giovani all’arte in questo modo, mostrando loro che la creatività è parte della vita.

Come hai fatto a catturare l’intera gamma del loro lavoro? Soprattutto quello di Niki—dai shooting paintings alle Nanas, il suo stile e la sua narrazione variano moltissimo.

Penso che sia cruciale raccontare storie—o almeno creare un percorso per permettere alle persone di formarsene di proprie. Questa mostra mescola i loro diversi linguaggi creativi, dalle immagini ai film, dalle sculture cinetiche alle fontane. È raro vedere arte pubblica e privata fondersi così. Sebbene la mostra irradi gioia e umorismo, offrendo una tregua dall’oscurità del mondo, i temi più profondi sono comunque presenti—espressi poeticamente.

Questa è la bellezza del loro lavoro: abbraccia le contraddizioni. Si vede quanto collaborassero strettamente, eppure le loro voci artistiche individuali rimangono distinte. Come coppia, ci si aspetterebbe più sovrapposizioni, ma ognuno aveva una forte identità separata.

A volte erano completamente opposti—ma gli opposti si attraggono! Quella tensione è energia creativa. Spero che i visitatori più giovani trovino ispirazione in questo. L’arte dovrebbe essere uno spazio per il pensiero libero, specialmente ora, con tanta turbolenza politica e sociale. Abbiamo bisogno che gli artisti guidino, non con messaggi rigidi, ma con apertura. Il lavoro di Niki e Jean incarna questa generosità.

Vorrei parlare delle Nanas di Niki. Sono così stratificate—voluttuose eppure guerriere, sfidando gli standard di bellezza del loro tempo.

Alcuni le definiscono "capricciose", ma non sono d’accordo. Per me, sono un esercito di donne che conquistano il mondo con gioia e sessualità come armi. La gioia era centrale nel lavoro di Niki, anche se allora non era di moda. Nonostante le sue lotte personali—trauma, ansia, problemi di salute—ha infuso queste figure con tanta vitalità. Credo che le vedesse come protettrici.

Le sculture Nanas di Niki de Saint Phalle.
Foto: Ken Adlard, per gentile concessione degli artisti e Hauser & Wirth

L’arte di Niki ha dimostrato come la creatività possa essere una fonte di guarigione—sia dal dolore personale che dalle lotte sociali.

Assolutamente. Ecco perché il suo lavoro risuona così fortemente con le nuove generazioni oggi. Come persona che collega queste due epoche, è incredibile vedere quanto i giovani si connettano profondamente con la sua visione.

Come interagiscono generazioni diverse con il suo lavoro?

C’è più dialogo aperto ora. Niki ha vissuto tempi oppressivi e portava ferite profonde, eppure la sua arte parla con forza a donne di tutte le età. A Bilbao, ho visto donne anziane—quelle sopravvissute al regime di Franco—reagire alle Madri Devoranti di Niki, un’opera oscura e surreale. Alcune erano visibilmente scosse.

Dieci anni fa a Parigi, la curatrice Camille Morineau (fondatrice di AWARE, che archivia artiste donne) ha presentato il lavoro di Niki attraverso una lente femminista. Vedere come lo ha riproposto per un nuovo pubblico radicale è stato stimolante. L’arte di Niki offre ancora liberazione.

Sei cresciuta circondata dal lavoro di Niki. Come è cambiata la tua prospettiva?

Quando è morta, ho sentito il bisogno di difendere il suo lascito. Alcuni la liquidavano come “commerciale” perché disegnava profumi—ma lo faceva per finanziare la sua indipendenza. Ha costruito il Giardino dei Tarocchi senza dover nulla a nessuno. Oggi, le celebrità lanciano innumerevoli brand, e questo è celebrato (amiamo Rihanna!). Allora, il mondo dell’arte esitava a prendere Niki sul serio. La sua audace autosufficienza mi ispira. Correggere quella narrativa è diventata la mia missione.

Niki ha anche sostenuto l’arte pubblica quando la scena era esclusiva. Vederla ora venerata come pioniera mi riempie di orgoglio. È un dono assistere alla sua influenza che persiste e si evolve.

Niki de Saint Phalle e Jean Tinguely sulla Senna, con i suoi Tirs* dedicati a Notre-Dame, Parigi, 1961.
Foto: John R. van Rolleghem*

Come hanno plasmato il loro lascito Niki e Jean?

Erano ferocemente consapevoli del loro impatto. Dopo la morte di Jean, Niki ha assicurato che il suo lavoro rimanesse pubblico donando oltre 50 pezzi per creare il Museo Tinguely in Svizzera. Ora, nel suo anno del centenario, esponiamo le sue macchine—tempestivo, mentre la società affronta il ruolo della tecnologia. Mi piacerebbe che il filosofo Peter Sloterdijk esplorasse le macchine di Jean attraverso la sua lente su tecnologia e società.

“Niki de Saint Phalle & Jean Tinguely: Myths & Machines” è in corso a Hauser & Wirth Somerset fino al 1° febbraio 2026.