Hier ist eine natürlichere und flüssigere Version Ihres Textes, die die ursprüngliche Bedeutung bewahrt:

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Barbara Rose, die Kunsthistorikerin und Kritikerin, hat den Geist von Niki de Saint Phalle in einer Ausgabe der Vogue vom Dezember 1987 perfekt eingefangen: „Die Heldin ihres eigenen Märchens, sie tötet ihre eigenen Drachen und verwandelt gefährliche Monster in verspielte Begleiter.“ Saint Phalle selbst hat diese Idee aufgegriffen. In einem Brief schrieb sie einmal: „Schon sehr früh entschied ich mich, eine Heldin zu werden. Wer würde ich sein? George Sand? Jeanne d’Arc? Napoleon im Petticoat?“

Als strahlende Figur der zeitgenössischen Kunst bildete die französisch-amerikanische Künstlerin die Hälfte einer dynamischen kreativen Partnerschaft – und später einer 20-jährigen Ehe – mit dem Schweizer Bildhauer und Pionier der kinetischen Kunst, Jean Tinguely. Ihre Zusammenarbeit erstreckte sich von den 1950er Jahren bis zu seinem Tod 1991. Nun bringt die neue Ausstellung „Niki de Saint Phalle & Jean Tinguely: Mythen & Maschinen“ im ländlichen Galeriehaus von Hauser & Wirth in Somerset, England, ihr Werk erstmals gemeinsam in Großbritannien zusammen. Die Schau, organisiert mit der Niki Charitable Art Foundation, fällt mit den Hundertjahrfeierlichkeiten zu Tinguelys Geburt zusammen, mit weiteren Ausstellungen in Paris und Genf.

„Wir konnten nicht zusammen sitzen, ohne etwas Neues zu erschaffen, Träume zu beschwören“, sagte Saint Phalle einmal über Tinguely. Diese Magie ist in Somerset spürbar. Zwischen akkuraten Rasenflächen und von Piet Oudolf gestalteten Wiesen stochern Tinguelys kinetische Skulpturen in den Fehlern und Möglichkeiten moderner Technologie, während Saint Phalles „Schießbilder“ von 1961 – bei denen sie mit einem Gewehr auf Leinwände und altarähnliche Strukturen schoss – ihre Reaktion auf Frankreichs politische Wirren und ihre eigene Katharsis als Überlebende von Missbrauch widerspiegeln. Beide Künstler teilten einen rebellischen Geist und den Glauben an Kunst für alle.

Ein Highlight sind Saint Phalles Nanas-Skulpturen (der Name stammt aus dem französischen Slang für „Mädchen“), die über den Rasen tanzen. Vom Workshop-Gebäude aus betrachtet – wo ihre persönlichen Briefe und Saint Phalles verspielte Skizzen ausgestellt sind – scheinen die üppigen, glitzernden Figuren im Sonnenlicht zu wirbeln, eine lebendige Armee von Frauen in kaleidoskopischen Farben.

Für Bloum Cardenas, Saint Phalles Enkelin und Präsidentin des Il Giardino dei Tarocchi, waren diese Werke ihr Kinderspielplatz. Heute bewahrt sie ihr Erbe und setzt sich gegen die Marginalisierung Saint Phalles in der Kunstgeschichte ein. Im Folgenden spricht Cardenas mit Vogue über die Ausstellung und wie jüngere Generationen das Werk von Saint Phalle und Tinguely neu entdecken.

Vogue: Diese Ausstellung ist bedeutend – sie ist Teil von Tinguelys Hundertjahrfeier und markiert ihre erste gemeinsame Schau in Großbritannien. Wie kam es dazu?

Bloum Cardenas: Es dauerte etwa zwei Jahre, bis alles in Gang kam. Tinguelys Maschinen sind fragil, und sein Genie wurde etwas übersehen. Ich wusste, ich musste darauf drängen. Eine Freundin besuchte den Tarot-Garten mit jemandem von Hauser & Wirth und war beeindruckt, wie sich diese beiden Künstler ergänzten – ihre Widersprüche, das Gleichgewicht von Männlichem und Weiblichem, ihr poetischer Humor. Alles passte. Dass Hauser & Wirth schweizerisch ist, spielte auch eine Rolle – Tinguely war einer der größten Schweizer Künstler des 20. Jahrhunderts, und Symbolik ist in unserer Familie wichtig.

Wir erwogen den Standort Menorca von Hauser & Wirth, aber...

(Anmerkung: Der Text bricht hier ab, kann aber im gleichen Stil fortgesetzt werden, falls gewünscht.)

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Diese Version behält die ursprüngliche Bedeutung bei, macht die Sprache jedoch flüssiger und natürlicher. Lassen Sie mich wissen, falls Sie weitere Anpassungen wünschen!

Sie bestanden auf Somerset – einen Ort, den ich zuvor nie besucht hatte! Aber ich vertraute den Experten. Als ich ankam, war ich überwältigt, wie perfekt es war. Jean und Niki waren früh in ihrer Karriere aus der Stadt gezogen und arbeiteten in Scheunen. Sie liebten das Landleben. Es fühlte sich ur-britisch und doch irgendwie schicksalhaft an.

Die Ausstellung löste bei mir eine starke emotionale Reaktion aus – die atemberaubenden Gärten, die durchdachte Kuratierung. Man beginnt mit Tinguelys kinetischen Skulpturen, geht dann zu Nikis eindringlichen „Schießbildern“ und blickt schließlich aus dem Fenster auf ihre verspielten Nana-Skulpturen in den Gärten.

Die Schau ist wunderschön gestaltet. Ich bin dankbar, dass sie jetzt stattfindet, kurz vor der großen Pariser Ausstellung mit Tinguely, Niki und ihrem künstlerischen Umfeld, darunter Pontus Hultén. Bald darauf eröffnen wir eine Hundertjahr-Ausstellung für Jean in Genf. Diese Ereignisse zeigen die Bandbreite ihres Schaffens. In Somerset sind ihre persönlichen Briefe ausgestellt – voller Liebe, Humor und Großzügigkeit. Draußen rennen Kinder durch das Brunnenwasser zwischen den Nanas.

Ich hatte das Glück, mit Niki und Jean aufzuwachsen und die Magie ihrer Kunst aus erster Hand zu erleben. Es ist wunderbar, junge Menschen so an Kunst heranzuführen und ihnen zu zeigen, dass Kreativität Teil des Lebens ist.

Wie haben Sie überhaupt angefangen, die Vielfalt ihres Werks einzufangen? Besonders Nikis – von den Schießbildern bis zu den Nanas variieren ihr Stil und ihre Erzählweise so stark.

Ich denke, es ist entscheidend, Geschichten zu erzählen – oder zumindest einen Pfad zu schaffen, auf dem Menschen ihre eigenen bilden können. Diese Ausstellung vereint ihre unterschiedlichen kreativen Sprachen, von Bildern über Filme bis hin zu kinetischen Skulpturen und Brunnen. Es ist selten, dass öffentliche und private Kunst so verschmelzen. Während die Schau Freude und Humor ausstrahlt und eine Pause von der Dunkelheit der Welt bietet, sind tiefere Themen dennoch präsent – nur poetisch ausgedrückt.

Das ist die Schönheit ihres Werks: Es umarmt Widersprüche. Man sieht, wie eng sie zusammengearbeitet haben, doch ihre individuellen künstlerischen Stimmen bleiben eigenständig. Als Paar könnte man mehr Überschneidungen erwarten, aber sie hatten beide eine starke, separate Identität.

Manchmal waren sie völlige Gegensätze – doch Gegensätze ziehen sich an! Diese Spannung ist kreative Energie. Ich hoffe, jüngere Besucher finden darin Inspiration. Kunst sollte ein Raum für freies Denken sein, besonders heute, bei so viel politischem und sozialem Aufruhr. Wir brauchen Künstler, die führen – nicht mit starren Botschaften, sondern mit Offenheit. Nikis und Jeans Werk verkörpert diese Großzügigkeit.

Ich würde gerne über Nikis Nanas sprechen. Sie sind so vielschichtig – üppig und doch kriegerisch, die Schönheitsideale ihrer Zeit herausfordernd.

Manche nennen sie „verspielt“, aber da widerspreche ich. Für mich sind sie eine Armee von Frauen, die die Welt mit Freude und Sexualität als Waffen erobern. Freude war zentral in Nikis Werk, auch wenn das damals nicht angesagt war. Trotz ihrer persönlichen Kämpfe – Trauma, Angst, Gesundheitsprobleme – floss so viel Lebendigkeit in diese Figuren. Ich glaube, sie sah sie als Beschützerinnen.

Niki de Saint Phalles Nana-Skulpturen.
Foto: Ken Adlard, mit freundlicher Genehmigung der Künstler und Hauser & Wirth

Nikis Kunst zeigte, wie Kreativität eine Quelle der Heilung sein kann – sowohl von persönlichem Leid als auch gesellschaftlichen Kämpfen.

Absolut. Deshalb spricht ihr Werk heute so stark bei jüngeren Generationen an. Als jemand, der diese beiden Epochen verbindet, ist es unglaublich zu sehen, wie tief junge Menschen mit ihrer Vision in Verbindung treten.

Wie gehen verschiedene Generationen mit ihrem Werk um?

Es gibt heute mehr offenen Dialog. Niki lebte in unterdrückerischen Zeiten und trug tiefe Wunden, doch ihre Kunst spricht Frauen aller Altersgruppen mächtig an. In Bilbao beobachtete ich, wie ältere Frauen – die Francos Regime überlebt hatten – auf Nikis „Devouring Mothers“ reagierten, ein düsteres, surreales Werk. Einige waren sichtlich erschüttert.

Vor einem Jahrzehnt in Paris präsentierte die Kuratorin Camille Morineau (Gründerin von AWARE, das Werke von Künstlerinnen archiviert) Nikis Werk durch eine feministische Linse. Zu sehen, wie sie es für ein neues, radikales Publikum neu rahmte, war inspirierend. Nikis Kunst bietet noch immer Befreiung.

Sie sind mit Nikis Werk aufgewachsen. Wie hat sich Ihre Perspektive verändert?

Als sie starb, fühlte ich mich verpflichtet, ihr Erbe zu verteidigen. Manche stuften sie als „kommerziell“ ab, weil sie Parfums entwarf – aber sie tat es, um ihre Unabhängigkeit zu finanzieren. Sie baute den Tarot-Garten, ohne jemandem etwas schuldig zu sein. Heute lancieren Stars unzählige Marken, und das wird gefeiert (wir lieben Rihanna!). Damals zögerte die Kunstwelt, Niki ernst zu nehmen. Ihr mutiger Eigenantrieb inspiriert mich. Diese Erzählung zu korrigieren, wurde meine Mission.

Niki setzte sich auch für öffentliche Kunst ein, als die Szene exklusiv war. Zu sehen, wie sie heute als Pionierin verehrt wird, erfüllt mich mit Stolz. Es ist ein Geschenk, ihren anhaltenden und sich wandelnden Einfluss zu bezeugen.

Niki de Saint Phalle und Jean Tinguely an der Seine, mit ihren Tirs*, gewidmet Notre-Dame, Paris, 1961.
Foto: John R. van Rolleghem*

Wie haben Niki und Jean ihr Erbe geprägt?

Sie waren sich ihres Einflusses stark bewusst. Nach Jeans Tod sorgte Niki dafür, dass sein Werk öffentlich blieb, indem sie über 50 Stücke für das Tinguely-Museum in der Schweiz spendete. Nun, in seinem Hundertjahrjahr, zeigen wir seine Maschinen – passend, da die Gesellschaft mit der Rolle der Technologie ringt. Ich würde liebend gern den Philosophen Peter Sloterdijk Jeans Maschinen durch seine Linse von Technik und Gesellschaft betrachten lassen.

„Niki de Saint Phalle & Jean Tinguely: Mythen & Maschinen“ läuft bei Hauser & Wirth Somerset bis zum 1. Februar 2026.