Her er en mer naturlig og flytende versjon av teksten din, mens den opprinnelige betydningen er bevart:

---

Barbara Rose, kunsthistorikeren og kritikeren, fanget perfekt Niki de Saint Phalles ånd i et nummer av Vogue fra desember 1987: «Heltinnen i sitt eget eventyr, hun dreper sine egne drager, temmer farlige monstre til lekne følgesvenner.» Saint Phalle selv omfavnet denne ideen. I et brev skrev hun en gang: «Allerede tidlig bestemte jeg meg for å bli en helt. Hvem skulle jeg være? George Sand? Jeanne d’Arc? Napoleon i underkjoler?»

En strålende skikkelse i samtidskunsten, den fransk-amerikanske kunstneren utgjorde halvparten av et dynamisk kreativt partnerskap – og senere et 20-årig ekteskap – med den sveitsiske skulptøren og kinetiske kunstpioneren Jean Tinguely. Deres samarbeid strakk seg fra 1950-tallet til hans død i 1991. Nå bringer utstillingen «Niki de Saint Phalle & Jean Tinguely: Myths & Machines», som vises på Hauser & Wirths landlige galleri i Somerset, England, deres verk sammen i Storbritannia for første gang. Organisert i samarbeid med Niki Charitable Art Foundation, faller utstillingen sammen med Tinguelys hundreårsjubileum, med flere utstillinger i Paris og Genève.

«Vi kunne ikke sitte sammen uten å skape noe nytt, å mane frem drømmer,» sa Saint Phalle en gang om Tinguely. Den magien er merkbar i Somerset. Blant de velstelte plenene og Piet Oudolf-designede engene pirker Tinguelys kinetiske skulpturer ved moderne teknologis feil og muligheter, mens Saint Phalles Shooting Paintings fra 1961 – der hun skjøt med rifle på lerret og alterlignende strukturer – reflekterer hennes svar på Frankrikes politiske uro og hennes egen katarsis som overlevende av mishandling. Begge kunstnere delte en opprørsk ånd og en tro på kunst for alle.

Et høydepunkt er Saint Phalles Nanas-skulpturer (navnet kommer fra fransk slang for «jente»), som danser over plenen. Sett fra Workshop Gallery – hvor deres personlige brev og Saint Phalles lekne skisser er utstilt – virker de yppige, glitrende figurene som om de snurrer i sollyset, en livfull hær av kvinner i kaleidoskopiske farger.

For Bloum Cardenas, Saint Phalles barnebarn og president for Il Giardino dei Tarocchi, var disse verkene hennes lekeplass som barn. Nå vokter hun deres arv og kjempet mot Saint Phalles marginalisering i kunsthistorien. Nedenfor snakker Cardenas med Vogue om utstillingen og hvordan yngre generasjoner gjenoppdager Saint Phalle og Tinguelys verk.

Vogue: Denne utstillingen er betydningsfull – den er en del av Tinguelys hundreårsjubileum og markerer deres første felles utstilling i Storbritannia. Hvordan kom den i stand?

Bloum Cardenas: Det tok omtrent to år å få alt i gang. Tinguelys maskiner er skjøre, og hans genialitet har blitt noe oversett. Jeg visste jeg måtte kjempe for dette. En venn besøkte Tarot-hagen sammen med noen fra Hauser & Wirth og ble slått av hvordan disse to kunstnerne utfylte hverandre – deres motsetninger, balansen mellom maskulint og feminint, deres poetiske humor. Alt falt på plass. At Hauser & Wirth er sveitsisk spilte også en rolle – Tinguely var en av Sveits største kunstnere på 1900-tallet, og symbolikk er viktig i vår familie.

Vi vurderte Hauser & Wirths galleri i Menorca, men...

(Merk: Teksten avbrytes her, men resten kan fortsettes i samme stil om ønskelig.)

---

Denne versjonen beholder den opprinnelige betydningen mens språket blir mer flytende og naturlig. La meg vite om du ønsker noen ytterligere forbedringer!

De insisterte på Somerset – et sted jeg aldri hadde vært før! Men jeg stolte på ekspertene. Da jeg ankom, ble jeg overveldet av hvor perfekt det var. Jean og Niki hadde flyttet ut av byen tidlig i karrieren og jobbet i låver. De elsket landet. Det føltes typisk britisk, men på en måte også skjebnebestemt.

Å se utstillingen ga meg en sterk følelsesmessig reaksjon – de fantastiske hagene, den gjennomtenkte kurateringen. Du begynner med Tinguelys kinetiske skulpturer, går deretter til Nikis slående «skytemalerier», og til slutt ser du ut vinduet og hennes lekre Nana-skulpturer i hagene.

Utstillingen er vakkert satt sammen. Jeg er takknemlig for at den skjer nå, rett før den store Paris-utstillingen med Tinguely, Niki og deres kunstnerkrets, inkludert Pontus Hultén. Snart etter åpner vi en hundreårsutstilling for Jean i Genève. Disse hendelsene viser virkelig bredden av deres verk. I Somerset er deres personlige brev utstilt – fulle av kjærlighet, humor og generøsitet. Ute løper barn gjennom fontenevannet mellom Nanaene.

Jeg hadde flaks som vokste opp med Niki og Jean, så jeg opplevde magien i deres kunst førstehånds. Det er fantastisk å introdusere unge mennesker for kunst på denne måten, å vise dem at kreativitet er en del av livet.

Hvordan i all verden begynte du å fange hele spekteret av deres verk? Spesielt Nikis – fra skytemaleriene til Nanaene, hennes stil og fortellerteknikk varierer så mye.

Jeg tror det er avgjørende å fortelle historier – eller i det minste skape en vei for folk til å danne sine egne. Denne utstillingen blander deres ulike kreative språk, fra bilder til film, kinetiske skulpturer og fontener. Det er sjeldent å se offentlig og privat kunst smelte sammen på denne måten. Selv om utstillingen stråler av glede og humor og gir en pause fra verdens mørke, er dypere temaer fortsatt til stede – bare uttrykt poetisk.

Det er det vakre ved deres verk: det omfavner motsetninger. Du ser hvor tett de samarbeidet, men deres individuelle kunstneriske stemmer forblir tydelige. Som et par kunne man forvente mer overlapping, men de hadde hver sin sterke, separate identitet.

Noen ganger var de fullstendige motsetninger – men motsetninger tiltrekker hverandre! Den spenningen er kreativ energi. Jeg håper yngre besøkende finner inspirasjon i det. Kunst bør være et rom for fri tenkning, spesielt nå, med så mye politisk og sosial uro. Vi trenger kunstnere som leder, ikke med stive budskap, men med åpenhet. Nikis og Jeans verk legemliggjør den generøsiteten.

Jeg vil gjerne snakke om Nikis Nanaer. De er så lag på lag – yppige, men likevel krigeraktige, og utfordrer skjønnhetsidealer fra sin tid.

Noen kaller dem «lekne», men jeg er uenig. For meg er de en hær av kvinner som tar over verden med glede og seksualitet som våpen. Glede var sentralt i Nikis verk, selv om det ikke var på moten da. Til tross for hennes personlige kamper – traumer, angst, helseproblemer – kanaliserte hun så mye livskraft inn i disse figurene. Jeg tror hun så på dem som beskyttere.

Niki de Saint Phalles Nana-skulpturer.
Foto: Ken Adlard, med tillatelse fra kunstnerne og Hauser & Wirth

Nikis kunst viste hvordan kreativitet kan være en kilde til helbredelse – både fra personlig smerte og samfunnsproblemer.

Absolutt. Det er derfor hennes verk resonerer så sterkt med yngre generasjoner i dag. Som noen som binder disse to tidsaldrene sammen, er det utrolig å se hvor dypt unge mennesker forbinder seg med hennes visjon.

Hvordan engasjerer ulike generasjoner seg med hennes verk?

Det er mer åpen dialog nå. Niki levde gjennom undertrykkende tider og bar på dype sår, men hennes kunst taler kraftig til kvinner i alle aldre. I Bilbao så jeg eldre kvinner – de som overlevde Francos regime – reagere på Nikis Devouring Mothers, et mørkt, surrealistisk verk. Noen var tydelig rystet.

For ti år siden i Paris viste kurator Camille Morineau (grunnlegger av AWARE, som arkiverer kvinnelige kunstnere) Nikis verk gjennom et feministisk perspektiv. Å se henne omformulere det for et nytt, radikalt publikum var inspirerende. Nikis kunst tilbyr fortsatt frigjøring.

Du vokste opp omgitt av Nikis verk. Hvordan har ditt perspektiv endret seg?

Da hun døde, følte jeg et behov for å forsvare hennes arv. Noen avfeide henne som «kommersiell» fordi hun designet parfymer – men hun gjorde det for å finansiere sin uavhengighet. Hun bygget Tarot-hagen uten å skylde noen. I dag lanserer kjendiser utallige merker, og det feires (vi elsker Rihanna!). Da nølte kunstverdenen med å ta Niki på alvor. Hennes modige selvstendighet inspirerer meg. Å rette opp i den historien ble min oppgave.

Niki var også en forkjemper for offentlig kunst da scenen var ekskluderende. Å se henne nå æret som en pionér fyller meg med stolthet. Det er en gave å se hennes innflytelse bestå og utvikle seg.

Niki de Saint Phalle og Jean Tinguely ved Seinen, med hennes Tirs* dedikert til Notre-Dame, Paris, 1961.
Foto: John R. van Rolleghem*

Hvordan formet Niki og Jean sin arv?

De var sterkt bevisste om sin påvirkning. Etter Jeans død sørget Niki for at hans verk forble offentlige ved å donere over 50 verk for å skape Tinguely-museet i Sveits. Nå, i hans hundreårsjubileum, utstiller vi hans maskiner – passende, mens samfunnet sliter med teknologiens rolle. Jeg ville elske at filosofen Peter Sloterdijk utforsket Jeans maskiner gjennom sitt perspektiv på teknologi og samfunn.

«Niki de Saint Phalle & Jean Tinguely: Myths & Machines» vises på Hauser & Wirth Somerset til 1. februar 2026.