Aquí tienes una versión más natural y fluida del texto, conservando su significado original:

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Barbara Rose, la historiadora y crítica de arte, captó a la perfección el espíritu de Niki de Saint Phalle en un número de diciembre de 1987 de Vogue: “La heroína de su propio cuento de hadas, ella mata sus propios dragones, domesticando monstruos peligrosos hasta convertirlos en compañeros de juego.” La propia Saint Phalle abrazó esta idea. En una carta, escribió una vez: “Desde muy temprano, decidí convertirme en una heroína. ¿Quién sería? ¿George Sand? ¿Juana de Arco? ¿Napoleón con enaguas?”

Una figura deslumbrante del arte contemporáneo, la artista franco-estadounidense formó la mitad de una dinámica asociación creativa —y más tarde, un matrimonio de 20 años— con el escultor suizo y pionero del arte cinético Jean Tinguely. Su colaboración abarcó desde los años 50 hasta su muerte en 1991. Ahora, “Niki de Saint Phalle & Jean Tinguely: Mitos y Máquinas”, una nueva exposición en la galería rural de Hauser & Wirth en Somerset, Inglaterra, reúne su obra en el Reino Unido por primera vez. Organizada con la Niki Charitable Art Foundation, la muestra coincide con las celebraciones del centenario de Tinguely, con exposiciones adicionales en París y Ginebra.

“No podíamos estar juntos sin crear algo nuevo, conjurando sueños”, dijo Saint Phalle una vez sobre Tinguely. Esa magia es palpable en Somerset. Entre los céspedes cuidados y los prados diseñados por Piet Oudolf, las esculturas cinéticas de Tinguely exploran los defectos y posibilidades de la tecnología moderna, mientras que las Pinturas de Disparo de Saint Phalle de 1961 —donde disparó con un rifle a lienzos y estructuras similares a altares— reflejan su respuesta a la agitación política de Francia y su propia catarsis como sobreviviente de abuso. Ambos artistas compartían un espíritu rebelde y la creencia en el arte para todos.

Un punto destacado son las esculturas Nanas de Saint Phalle (el nombre proviene de la jerga francesa para “chica”), que bailan por el césped. Vistas desde la Workshop Gallery —donde se exhiben sus cartas personales y los bocetos caprichosos de Saint Phalle—, estas figuras voluptuosas y brillantes parecen girar bajo el sol, un ejército vibrante de mujeres en colores caleidoscópicos.

Para Bloum Cardenas, nieta de Saint Phalle y presidenta de Il Giardino dei Tarocchi, estas obras fueron su parque infantil de la infancia. Ahora, protege su legado, luchando contra la marginación de Saint Phalle en la historia del arte. A continuación, Cardenas habla con Vogue sobre la exposición y cómo las nuevas generaciones están redescubriendo la obra de Saint Phalle y Tinguely.

Vogue: Esta exposición es significativa —forma parte del centenario de Tinguely y marca su primera muestra conjunta en el Reino Unido. ¿Cómo surgió?

Bloum Cardenas: Tomó unos dos años poner todo en marcha. Las máquinas de Tinguely son frágiles, y su genialidad ha sido algo pasada por alto. Sabía que tenía que impulsar esto. Una amiga visitó el Jardín del Tarot con alguien de Hauser & Wirth y quedó impresionada por cómo estos dos artistas se complementaban —sus contradicciones, el equilibrio entre lo masculino y lo femenino, su humor poético. Todo encajó. Que Hauser & Wirth sea suizo también importó —Tinguely fue uno de los mayores artistas suizos del siglo XX, y el simbolismo es importante en nuestra familia.

Consideramos la sede de Hauser & Wirth en Menorca, pero...

(Nota: El texto se corta aquí, pero el resto puede continuarse en el mismo estilo si es necesario.)

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Esta versión mantiene el significado original mientras hace el lenguaje más fluido y natural. ¡Avísame si deseas algún ajuste adicional!

Insistieron en Somerset —¡un lugar donde nunca había estado antes! Pero confié en los expertos. Cuando llegué, me sorprendió lo perfecto que era. Jean y Niki se mudaron de la ciudad al inicio de sus carreras y trabajaron en graneros. Adoraban la vida en el campo. Se sentía esencialmente británico, pero de alguna manera destinado.

Ver la exposición me provocó una fuerte respuesta emocional —los jardines impresionantes, la curaduría cuidadosa. Comienzas con las esculturas cinéticas de Tinguely, luego pasas a las impactantes "pinturas de disparo" de Niki, y finalmente miras por la ventana para ver sus juguetonas esculturas Nanas en los jardines.

La muestra está bellamente organizada. Estoy agradecida de que ocurra ahora, justo antes de la gran exposición en París que presenta a Tinguely, Niki y su círculo artístico, incluyendo a Pontus Hultén. Poco después, inauguraremos una exposición del centenario de Jean en Ginebra. Estos eventos realmente destacan la amplitud de su trabajo. En Somerset, se exhiben sus cartas personales —llenas de amor, humor y generosidad. Afuera, los niños corren entre el agua de la fuente y las Nanas.

Tuve la suerte de crecer rodeada de Niki y Jean, así que experimenté la magia de su arte de primera mano. Es maravilloso presentarles el arte así a los jóvenes, mostrándoles que la creatividad es parte de la vida.

¿Cómo empezaste a capturar la amplitud de su obra? Especialmente la de Niki —desde las pinturas de disparo hasta las Nanas, su estilo y narrativa varían mucho.

Creo que es crucial contar historias —o al menos crear un camino para que la gente forme las suyas. Esta exposición mezcla sus diferentes lenguajes creativos, desde imágenes hasta cine, esculturas cinéticas y fuentes. Es raro ver arte público y privado fusionarse así. Aunque la muestra irradia alegría y humor, ofreciendo un respiro de la oscuridad del mundo, también hay temas profundos —expresados poéticamente.

Esa es la belleza de su obra: abraza las contradicciones. Ves lo cerca que colaboraron, pero sus voces artísticas individuales siguen siendo distintas. Como pareja, podrías esperar más superposición, pero cada uno tenía una identidad fuerte y separada.

A veces eran completamente opuestos —¡pero los opuestos se atraen! Esa tensión es energía creativa. Espero que los visitantes jóvenes encuentren inspiración en eso. El arte debería ser un espacio para el pensamiento libre, especialmente ahora, con tanto caos político y social. Necesitamos que los artistas lideren, no con mensajes rígidos, sino con apertura. La obra de Niki y Jean encarna esa generosidad.

Me encantaría hablar sobre las Nanas de Niki. Son tan complejas —voluptuosas pero guerreras, desafiando los estándares de belleza de su época.

Algunos las llaman "caprichosas", pero no estoy de acuerdo. Para mí, son un ejército de mujeres conquistando el mundo con alegría y sexualidad como armas. La alegría era central en el trabajo de Niki, aunque no estaba de moda entonces. A pesar de sus luchas personales —trauma, ansiedad, problemas de salud—, canalizó tanta vitalidad en estas figuras. Creo que las veía como protectoras.

Las esculturas Nanas de Niki de Saint Phalle.
Foto: Ken Adlard, cortesía de los artistas y Hauser & Wirth

El arte de Niki demostró cómo la creatividad puede ser una fuente de sanación —tanto del dolor personal como de las luchas sociales.

Absolutamente. Por eso su obra resuena tan fuerte con las generaciones jóvenes hoy. Como alguien que une estas dos épocas, es increíble ver cuán profundamente los jóvenes se conectan con su visión.

¿Cómo interactúan diferentes generaciones con su obra?

Ahora hay más diálogo abierto. Niki vivió tiempos opresivos y cargó heridas profundas, pero su arte habla poderosamente a mujeres de todas las edades. En Bilbao, vi a mujeres mayores —las que sobrevivieron al régimen de Franco— reaccionar ante Las Madres Devoradoras de Niki, una pieza oscura y surrealista. Algunas se mostraron visiblemente conmovidas.

Hace una década en París, la curadora Camille Morineau (fundadora de AWARE, que archiva artistas mujeres) presentó la obra de Niki desde una perspectiva feminista. Ver cómo la replanteó para una audiencia nueva y radical fue inspirador. El arte de Niki sigue ofreciendo liberación.

Creciste rodeada de la obra de Niki. ¿Cómo ha cambiado tu perspectiva?

Cuando ella murió, sentí la necesidad de defender su legado. Algunos la tacharon de "comercial" porque diseñó perfumes —pero lo hizo para financiar su independencia. Construyó el Jardín del Tarot sin deberle nada a nadie. Hoy, las celebridades lanzan innumerables marcas, y eso se celebra (¡amamos a Rihanna!). En ese entonces, el mundo del arte dudaba en tomar a Niki en serio. Su audaz autosuficiencia me inspira. Corregir esa narrativa se convirtió en mi misión.

Niki también defendió el arte público cuando la escena era excluyente. Verla ahora reverenciada como pionera me llena de orgullo. Es un regalo presenciar cómo su influencia perdura y evoluciona.

Niki de Saint Phalle y Jean Tinguely junto al Sena, con sus Tirs* dedicados a Notre-Dame, París, 1961.
Foto: John R. van Rolleghem*

¿Cómo moldearon Niki y Jean su legado?

Eran muy conscientes de su impacto. Tras la muerte de Jean, Niki aseguró que su obra siguiera siendo pública donando más de 50 piezas para crear el Museo Tinguely en Suiza. Ahora, en su año centenario, exhibimos sus máquinas —oportuno, mientras la sociedad lidia con el papel de la tecnología. Me encantaría que el filósofo Peter Sloterdijk explorara las máquinas de Jean desde su perspectiva sobre tecnología y sociedad.

“Niki de Saint Phalle & Jean Tinguely: Mitos y Máquinas” estará en Hauser & Wirth Somerset hasta el 1 de febrero de 2026.