Här är en mer naturlig och flytande version av din text med bibehållen originalbetydelse:

---

Barbara Rose, konsthistorikern och kritiker, fångade perfekt Niki de Saint Phalles anda i en decemberutgåva av Vogue 1987: ”Hjältinnan i sin egen saga, hon dödar sina egna drakar och tämjer farliga monster till lekfulla följeslagare.” Saint Phalle själv omfamnade denna idé. I ett brev skrev hon en gång: ”Redan tidigt bestämde jag mig för att bli en hjälte. Vem skulle jag vara? George Sand? Jeanne d’Arc? Napoleon i underkjol?”

En bländande gestalt inom samtidskonsten, den fransk-amerikanska konstnären utgjorde hälften av ett dynamiskt kreativt partnerskap – och senare ett 20-årigt äktenskap – med den schweiziske skulptören och pionjären inom kinetisk konst, Jean Tinguely. Deras samarbete sträckte sig från 1950-talet fram till hans död 1991. Nu samlas deras verk för första gången i Storbritannien i utställningen ”Niki de Saint Phalle & Jean Tinguely: Myter & Maskiner” på Hauser & Wirths lantliga galleri i Somerset, England. Utställningen, organiserad i samarbete med Niki Charitable Art Foundation, sammanfaller med Tinguelys hundraårsjubileum, med ytterligare utställningar i Paris och Genève.

”Vi kunde inte sitta tillsammans utan att skapa något nytt, frammana drömmar,” sa Saint Phalle en gång om Tinguely. Den magin är påtaglig i Somerset. Bland de välklippta gräsmattorna och Piet Oudolf-designade ängarna sticker Tinguelys kinetiska skulptorer ut modern tekniks brister och möjligheter, medan Saint Phalles Shooting Paintings från 1961 – där hon sköt med gevär på dukar och altarliknande strukturer – reflekterar hennes reaktion på Frankrikes politiska oro och hennes egen katarsis som överlevare av våld. Båda konstnärerna delade en rebellisk anda och en tro på konst för alla.

En höjdpunkt är Saint Phalles Nanas-skulpturer (namnet kommer från fransk slang för ”tjej”), som dansar över gräsmattan. Sedda från Workshop Gallery – där deras personliga brev och Saint Phalles lekfulla skisser visas – verkar de yppiga, glittrande figurerna snurra i solskenet, en livfull armé av kvinnor i kalejdoskopiska färger.

För Bloum Cardenas, Saint Phalles barnbarn och ordförande för Il Giardino dei Tarocchi, var dessa verk hennes lekplats som barn. Nu vårdar hon deras arv och kämpar mot Saint Phalles marginalisering i konsthistorien. Nedan berättar Cardenas för Vogue om utställningen och hur yngre generationer återupptäcker Saint Phalle och Tinguelys verk.

Vogue: Denna utställning är betydelsefull – den ingår i Tinguelys hundraårsjubileum och markerar deras första gemensamma utställning i Storbritannien. Hur kom den till?

Bloum Cardenas: Det tog ungefär två år att få allt i rullning. Tinguelys maskiner är sköra, och hans genialitet har något förbisetts. Jag visste att jag måste kämpa för detta. En vän besökte Tarot Garden med någon från Hauser & Wirth och blev slagen av hur dessa två konstnärer kompletterade varandra – deras motsättningar, balansen mellan maskulint och feminint, deras poetiska humor. Allt föll på plats. Att Hauser & Wirth är schweiziskt spelade också roll – Tinguely var en av Schweiz största 1900-talskonstnärer, och symbolik är viktigt i vår familj.

Vi övervägde Hauser & Wirths plats i Menorca, men...

(Notera: Texten avbryts här, men resten kan fortsättas i samma stil om så önskas.)

---

Denna version behåller originalbetydelsen samtidigt som språket görs mer flytande och naturligt. Låt mig veta om du vill ha ytterligare förfiningar!

De insisterade på Somerset – en plats jag aldrig varit på förut! Men jag litar på experterna. När jag kom dit blev jag överväldigad av hur perfekt det var. Jean och Niki hade flyttat ut från staden tidigt i sina karriärer och arbetat i lador. De älskade lantlivet. Det kändes så typiskt brittiskt men ändå ödesdigert.

Att se utställningen gav mig en så stark känslomässig reaktion – de vackra trädgårdarna, den genomtänkta kuratoriska ledningen. Man börjar med Tinguelys kinetiska skulpturer, går sedan vidare till Nikis slående ”skjutmålningar”, och tittar till slut ut genom fönstret och ser hennes lekfulla Nanaskulpturer i trädgårdarna.

Utställningen är vackert sammansatt. Jag är tacksam att den sker nu, precis före den stora utställningen i Paris som visar Tinguely, Niki och deras konstnärskrets, inklusive Pontus Hultén. Strax efter öppnar vi en jubileumsutställning för Jean i Genève. Dessa evenemang belyser verkligen bredden av deras verk. I Somerset visas deras personliga brev – fulla av kärlek, humor och generositet. Ute springer barn genom fontänvattnet bland Nanorna.

Jag hade turen att växa upp med Niki och Jean, så jag upplevde deras konstens magi på nära håll. Det är underbart att introducera unga människor för konst på detta sätt, att visa dem att kreativitet är en del av livet.

Hur började du ens fånga hela omfattningen av deras verk? Särskilt Nikis – från skjutmålningarna till Nanorna, hennes stil och berättande varierar så mycket.

Jag tror det är avgörande att berätta historier – eller åtminstone skapa en väg för människor att forma sina egna. Denna utställning blandar deras olika kreativa språk, från bilder till film, kinetiska skulpturer och fontäner. Det är sällsynt att se offentlig och privat konst smälta samman så här. Medan utställningen strålar av glädje och humor och erbjuder en paus från världens mörker, finns djupare teman ändå närvarande – bara uttryckta poetiskt.

Det är skönheten i deras verk: det omfamnar motsättningar. Man ser hur nära de samarbetade, men deras individuella konstnärliga röster förblir distinkta. Som par kanske man förväntar sig mer överlappning, men de hade var och en en stark, separat identitet.

Ibland var de totala motsatser – men motsatser attraherar! Den spänningen är kreativ energi. Jag hoppas att yngre besökare finner inspiration i det. Konst bör vara en plats för fria tankar, särskilt nu, med så mycket politisk och social oro. Vi behöver konstnärer som leder, inte med stela budskap, utan med öppenhet. Nikis och Jeans verk förkroppsligar den generositeten.

Jag skulle vilja prata om Nikis Nanor. De är så mångfacetterade – yppiga men ändå krigaraktiga, och utmanar skönhetsideal från sin tid.

Vissa kallar dem ”lekfulla”, men jag håller inte med. För mig är de en armé av kvinnor som tar över världen med glädje och sexualitet som vapen. Glädje var centralt i Nikis verk, även om det inte var trendigt då. Trots hennes personliga kamp – trauma, ångest, hälsoproblem – kanaliserade hon sådan livskraft in i dessa figurer. Jag tror hon såg dem som beskyddare.

Nikis konst visade hur kreativitet kan vara en källa till läkedom – både från personlig smärta och samhälleliga strider.

Absolut. Det är därför hennes verk resonerar så starkt med yngre generationer idag. Som någon som överbrygger dessa två era är det otroligt att se hur djupt unga människor kopplar till hennes vision.

Hur engagerar sig olika generationer med hennes verk?

Det finns mer öppen dialog nu. Niki levde genom förtryckande tider och bar på djupa sår, men hennes konst talar kraftfullt till kvinnor i alla åldrar. I Bilbao såg jag äldre kvinnor – de som överlevde Francos regime – reagera på Nikis Devouring Mothers, ett mörkt, surrealistiskt verk. Några var synbart skakade.

För ett decennium sedan i Paris presenterade kurator Camille Morineau (grundare av AWARE, som arkiverar kvinnliga konstnärer) Nikis verk genom en feministisk lins. Att se henne omtolka det för en ny, radikal publik var inspirerande. Nikis konst erbjuder fortfarande befrielse.

Du växte upp omgiven av Nikis verk. Hur har ditt perspektiv förändrats?

När hon dog kände jag mig tvungen att försvara hennes arv. Vissa avfärdade henne som ”kommersiell” för att hon designade parfymer – men hon gjorde det för att finansiera sin självständighet. Hon byggde Tarot Garden utan att vara skyldig någon. Idag lanserar kändisar otaliga varumärken, och det hyllas (vi älskar Rihanna!). Då tvekade konstvärlden att ta Niki på allvar. Hennes djärva självständighet inspirerar mig. Att rätta till den berättelsen blev mitt uppdrag.

Niki förespråkade också offentlig konst när scenen var exkluderande. Att se henne nu hyllas som en pionjär fyller mig med stolthet. Det är en gåva att se hennes inflytande bestå och utvecklas.

Niki de Saint Phalle och Jean Tinguely vid Seine, med hennes Tirs* tillägnade Notre-Dame, Paris, 1961.
Foto: John R. van Rolleghem*

Hur formade Niki och Jean sitt arv?

De var starkt medvetna om sin påverkan. Efter Jeans död säkerställde Niki att hans verk förblev offentliga genom att donera över 50 verk för att skapa Tinguelymuseet i Schweiz. Nu, under hans hundraårsjubileum, ställer vi ut hans maskiner – väl tillfälle, när samhället brottas med teknologins roll. Jag skulle älska om filosofen Peter Sloterdijk utforskade Jeans maskiner genom sin syn på teknik och samhälle.

”Niki de Saint Phalle & Jean Tinguely: Myter & Maskiner” visas på Hauser & Wirth Somerset till och med den 1 februari 2026.