Indigo De Souza canta nel suo brano "Heartthrob", un inno audace sull'essere sfruttata in gioventù: "Non sapevo distinguere tra amore e ossessione". Con melodie pop potenti, rivendica con forza la sua autonomia, ripetendo la linea ribelle: "Ci ho messo davvero tutta me stessa". Questa canzone è il primo singolo di Precipice, il suo quarto e più raffinato album pop fino ad oggi.

Il titolo dell'album è arrivato inaspettatamente all'artista della Carolina del Nord mentre lavorava con il produttore Elliott Kozel (noto per collaborazioni con SZA e Finneas). "Avevamo scritto più canzoni del necessario", ricorda. "Ho trovato un vecchio ritornello scritto di cattivo umore—nascosto in una cartella. La parola 'precipice' improvvisamente mi è sembrata perfetta, anche se non l'avevo mai usata prima". Per De Souza, simboleggiava l'essere sull'orlo del cambiamento senza sapere cosa ci fosse oltre.

La loro chimica creativa è stata immediata. De Souza, nota per il suo sound indie crudo, voleva da tempo esplorare territori pop più profondi. Ciò che era iniziato come sessioni casuali a Los Angeles si è rapidamente trasformato in Precipice—11 brani dinamici che uniscono i suoi testi schietti su salute mentale, amore e introspezione a un'energia pop vibrante. Anche dopo aver completato l'album, hanno continuato a registrare ogni volta che lei tornava a LA dalla sua piccola città di montagna.

Lo scorso autunno, l'uragano Helene ha distrutto la casa e gli oggetti di De Souza, risparmiando solo una chitarra, un laptop e qualche ricordo salvato dai coinquilini. Tornata a LA, ha trasformato l'esperienza in un progetto completamente separato—un lavoro più grunge, guidato dalla chitarra, con ballad malinconiche. Ha anche un altro album completato che tende verso un "country sperimentale".

Quando le faccio notare quanto debba essere strano vedere arte nata da emozioni intense emergere in modo discontinuo, ride: "Sono in balia del funzionamento dell'industria". Ma Precipice segna una svolta. "Avevo una chiarezza incredibile mentre lo creavo—capivo le mie emozioni in un modo nuovo", dice. "È spaventoso ma bellissimo. Accolgo il caos, e anche quando è disordinato, questa visione mi entusiasma".

Di seguito, De Souza parla di musica pop, della ricerca di comunità a LA e del non temere più l'ignoto.

Vogue: Scrivere è sempre stato terapeutico per te? O a volte è difficile perché ti obbliga ad affrontare cose che preferiresti evitare?

Indigo De Souza: Entrambe le cose, assolutamente. A volte le emozioni fluiscono facilmente nella musica, ma altre resisto a scrivere perché mi costringe a confrontarmi con ciò che provo. Non posso scrivere se non partendo da un luogo emotivo, quindi rimando il momento di prendere la chitarra. Ma alla fine mi costringo—devo farlo.

Foto: Hannah SommerQuando qualcosa mi turba, so che suonare e scrivere mi aiuterà.

Considerando tutto ciò che hai passato, cosa provi ripensando ai tuoi lavori precedenti?
Tutti i miei album passati mi sono cari in modi diversi—la musica è profondamente personale. Ogni album è distinto dal precedente, come se cambiassi continuamente approccio alla scrittura. A volte, riascoltandoli, è quasi surreale—non ricordo sempre di aver scritto certe canzoni o cosa volessi esprimere. Prendi Always, per esempio—è così intenso, e la versione live è molto specifica, con tanto urlo. Il processo dietro è ormai sfocato. Sono completamente presente con le canzoni che creo ora, ma quelle vecchie sembrano fantasmi.

Not Afraid è stata la prima canzone scritta per Precipice. Quali emozioni stavi canalizzando?
Onestamente, volevo solo connettermi con Elliot e impressionarlo. Nel primo ora, ho capito che era speciale—amavo la sua energia e il suo modo di lavorare. Non avevo mai fatto una sessione al buio prima, ma abbiamo subito legato. Volevo portare i miei testi più audaci e la mia essenza, e lui mi ha fatto sentire al sicuro per farlo.

Heartthrob è il primo singolo, con una narrazione potente sull'essere sfruttata da giovane. Come si è sviluppata questa canzone?
Sono stata attenta a come parlarne senza essere troppo esplicita o provocatoria. Si basa su un'esperienza personale della mia giovinezza, ma volevo parlare di una realtà collettiva—specie per le donne—dell'essere giovani e manipolate da qualcuno più grande. Trasformare quel senso di trappola in qualcosa di forte e liberatorio è stato catartico.

Crush e Heartbreaker sembrano canzoni gemelle—una sull'euforia di una nuova cotta, l'altra sul dolore che può seguire. Come hai organizzato l'album?
In realtà, è stato l'album più facile da sequenziare, anche se di solito è complicato. Hai ragione—quelle due canzoni parlano della stessa persona e delle emozioni che provavo.

Questo album unisce le tue radici chitarristiche a sonorità più pop. Perché esplorare il pop ora?
In parte sono venuta a LA e ho lavorato con produttori diversi perché ho sempre voluto fare musica pop—ma con testi profondi e significativi. Il pop è il mio genere preferito. È stato rinfrescante immergermici in studio, dato che di solito affronto emozioni pesanti e catartiche. Non che il pop non sia emotivo—lo è—ma c'è una gioia specifica che volevo catturare.

Elliot non è un produttore pop, e all'inizio ero esitante. Ma il mio desiderio di fare pop e la sua versatilità hanno creato qualcosa di speciale.

Che tipo di pop ami?
Adoro il pop incisivo, lucido ed energico che sembra romantico. Mura Masa è un collaboratore dei sogni—insieme a Charli XCX e Caroline Polachek.

Puoi parlarmi della copertina? So che le disegna tua madre. Questa—con la creatura scheletrica nell'acqua—è impressionante.
Voglio che ogni copertina mostri il personaggio che invecchia. Questo disco è più luminoso e nitido di qualsiasi cosa abbia fatto prima—il suono è chiaro e potente. Mi ha fatto pensare a una barriera corallina vibrante, un mondo sottomarino colorato. Lo scheletro rappresenta qualcosa di crudo sotto la bellezza. La parola "precipice" qui rappresenta l'essere tra due mondi—come muoversi dentro e fuori dall'acqua.

Come è cambiata la tua idea di casa e comunità?
Sento ancora di essere sul limite di qualcosa di completamente nuovo—non so come si svilupperà. Ho passato tutta la vita in piccole città della Carolina del Nord, quindi trasferirmi a LA è stato un enorme salto fuori dalla mia comfort zone. Ma è stato incredibilmente gratificante per la mia arte. Qui posso fare musica quando voglio, e i miei collaboratori vivono a due passi. È uno spazio energetico e creativo per me.

In Carolina del Nord, la mia comunità era profondamente legata alla terra—piccola, intima e piena di sfumature. Ci riunivamo attorno ai falò, facevamo escursioni. Per il mio compleanno recente, abbiamo fatto una cerimonia in un campo e mangiato torta sotto le stelle, cantando e condividendo parole. Ora sto imparando ad apprezzare diversi tipi di comunità e ad abbracciare ciò che LA offre. Sono ispirata dall'ambizione qui—le persone che cercano di essere la migliore versione di sé, affinando continuamente il loro mestiere. È bellissimo.

Questo è il tuo primo album dalla diagnosi di disturbo borderline di personalità. Come ha influenzato la tua arte dare un nome a ciò che provi?
Avere una diagnosi—sapere che c'è una struttura e risorse per come mi sento—è stato rassicurante. Faccio un ottimo gruppo di DBT (Terapia Dialettico-Comportamentale) qui a LA, e penso che questa nuova chiarezza si senta nella mia musica. Prima, spesso mi sentivo persa. Le cose sono ancora complicate, ma ora ho più stabilità quando creo.

Cosa ti ispira ultimamente?
In questo periodo, mi lascio assorbire da questa stagione di Love Island… ma onestamente, ciò che mi ispira di più è l'esperienza umana. Che sia la TV reality o una conversazione profonda vicino al lago a osservare le oche, tutto mi nutre.

(Questa conversazione è stata modificata e condensata.)