Indigo De Souza singt auf ihrem Track „Heartthrob“, einer mutigen Hymne über Ausbeutung in ihren jungen Jahren: „Ich kannte den Unterschied zwischen Liebe und einem Spuk nicht.“ Mit mitreißenden Popmelodien erkämpft sie sich kraftvoll ihre Autonomie zurück und wiederholt die trotzige Zeile: „I really put my back into it.“ Der Song ist die erste Single von Precipice, ihrem vierten und bislang ausgefeiltesten Popalbum.

Den Titel des Albums fand die in North Carolina lebende Künstlerin überraschend, als sie mit dem Produzenten Elliott Kozel (bekannt für Kollaborationen mit SZA und Finneas) arbeitete. „Wir hatten mehr Songs geschrieben, als wir brauchten“, erinnert sie sich. „Ich stieß auf einen alten Refrain, den ich in schlechter Stimmung geschrieben hatte – einfach in einem Ordner versteckt. Das Wort ‚precipice‘ fühlte sich plötzlich richtig an, obwohl ich es nie zuvor benutzt hatte.“ Für De Souza symbolisierte es, am Rande einer Veränderung zu stehen, ohne genau zu wissen, was kommt.

Ihre kreative Chemie war sofort da. De Souza, bekannt für ihren rohen Indie-Sound, wollte schon lange tiefer in Pop-Territorien vordringen. Was in Los Angeles als lockere Sessions begann, wurde schnell zu Precipice – 11 dynamischen Tracks, die ihre offenen Texte über mentale Gesundheit, Liebe und Selbstreflexion mit lebendiger Pop-Energie verbinden. Selbst nach Fertigstellung des Albums nahmen sie weiter auf, wenn sie aus ihrer kleinen Heimatstadt in den Bergen LA besuchte.

Im letzten Herbst zerstörte Hurrikan Helene De Souzas Zuhause und ihre Besitztümer; nur eine Gitarre, ein Laptop und ein paar Erinnerungsstücke, die Mitbewohner retteten, blieben übrig. Zurück in LA verarbeitete sie die Erfahrung in einem ganz anderen Projekt – einem grungigeren, gitarrenlastigen Album mit melancholischen Balladen. Sie hat außerdem ein weiteres fertiges Album in der Schublade, das in Richtung „experimenteller Country“ geht.

Als ich erwähne, wie seltsam es sich anfühlen muss, wenn Kunst, die aus intensiven Emotionen entsteht, durcheinander veröffentlicht wird, lacht sie: „Ich bin dem ausgeliefert, wie die Industrie funktioniert.“ Doch Precipice markiert einen Wendepunkt. „Ich hatte so viel Klarheit bei der Entstehung – ich habe meine Emotionen auf neue Weise verstanden“, sagt sie. „Es ist furchterregend, aber schön. Ich umarme das Chaos, und selbst wenn es chaotisch ist, begeistert mich diese Vision.“

Im Folgenden spricht De Souza über Popmusik, das Finden von Gemeinschaft in LA und ihre wachsende Angstlosigkeit vor dem Unbekannten.

Vogue: War Schreiben für dich schon immer therapeutisch? Oder fühlt es sich manchmal schwierig an, weil es dich zwingt, Dingen ins Auge zu sehen, die du lieber vermeiden würdest?

Indigo De Souza: Beides, absolut. Manchmal fließen Emotionen leicht in die Musik, aber manchmal wehre ich mich gegen das Schreiben, weil ich mich dann meinen Gefühlen stellen muss. Ich kann nur aus einem emotionalen Ort heraus schreiben, also schiebe ich es manchmal vor mir her, zur Gitarre zu greifen. Aber ich kämpfe mich durch – ich muss.

Foto: Hannah SommerWenn mich etwas emotional berührt, weiß ich, dass Gitarre spielen und Schreiben helfen werden.

Angesichts all dessen, was du durchgemacht hast, wie siehst du heute deine früheren Werke?
Alle meine alten Alben sind auf unterschiedliche Weise besonders für mich – die Musik ist zutiefst persönlich. Jedes Album fühlt sich anders an als das vorherige, als würde ich ständig meine Herangehensweise ans Schreiben verändern. Manchmal, wenn ich sie zurückhöre, ist es fast surreal – ich erinnere mich nicht immer daran, bestimmte Songs geschrieben zu haben oder was ich ausdrücken wollte. Always zum Beispiel – es ist so intensiv, und die Live-Version ist sehr spezifisch, mit viel Geschrei. Der Prozess dahinter ist jetzt verschwommen. Ich bin voll bei den Songs, die ich aktuell mache, aber die älteren fühlen sich wie Geister an.

Not Afraid war der erste Song, der für Precipice geschrieben wurde. Welche Emotionen hast du da verarbeitet?
Ehrlich gesagt wollte ich einfach eine Verbindung zu Elliot aufbauen und ihn beeindrucken. Innerhalb der ersten Stunde wusste ich, dass er etwas Besonderes ist – ich liebte seine Energie und Arbeitsweise. Ich hatte noch nie eine Blind Session gemacht, aber wir verstanden uns sofort. Ich wollte meine mutigsten Texte und mein echtes Ich einbringen, und er gab mir das Gefühl von Sicherheit, das ich dafür brauchte.

Heartthrob war die erste Single, mit einer starken Erzählung über Ausbeutung als junge Frau. Wie ist der Song entstanden?
Ich war vorsichtig, wie ich über diesen Song spreche, ohne zu grafisch oder triggern zu werden. Er basiert auf einer persönlichen Erfahrung aus meiner Jugend, aber ich wollte eine kollektive Realität ansprechen – besonders für Frauen – jung zu sein und von jemand Älterem manipuliert zu werden. Dieses Gefühl der Gefangenschaft in etwas Lautes und Starkes zu verwandeln, war befreiend.

Crush und Heartbreaker fühlen sich wie Zwillingssongs an – einer über den Rausch einer neuen Verliebtheit, der andere über den Schmerz, der folgen kann. Wie hast du das Album arrangiert?
Das war tatsächlich das einfachste Album für mich, was die Reihenfolge angeht, obwohl das normalerweise schwer ist. Du hast recht – diese beiden Songs handeln von derselben Person und den Emotionen, die ich damals hatte.

Dieses Album verbindet deine gitarrenlastigen Wurzeln mit poppigeren Klängen. Warum jetzt Pop erkunden?
Ein Grund, warum ich nach LA ging und mit verschiedenen Produzenten arbeitete, war, dass ich schon immer Popmusik machen wollte – aber mit tiefgründigen, bedeutungsvollen Texten. Pop ist mein Lieblingsgenre. Es war erfrischend, mich im Studio darauf einzulassen, da ich mich sonst oft mit schweren, kathartischen Emotionen beschäftige. Nicht, dass Pop nicht emotional wäre – das ist er – aber es gibt eine besondere Freude darin, die ich einfangen wollte.

Elliott ist kein Pop-Produzent, was mich anfangs zögern ließ. Aber mein Wunsch, Pop zu machen, und seine Vielseitigkeit als Produzent schufen etwas Besonderes.

Welche Art von Pop liebst du?
Ich bin besessen von kraftvollem, glänzendem, energetischem Pop, der sich romantisch anfühlt. Mura Masa ist ein Traum-Kollaborateur – genauso wie Charli XCX und Caroline Polachek.

Kannst du mir etwas über das Cover-Artwork erzählen? Ich weiß, dass deine Mutter die Designs macht. Dieses – mit der Skelett-Kreatur im Wasser – ist eindrucksvoll.
Ich möchte, dass jedes Cover den Charakter altern zeigt. Dieses Album ist klarer und heller als alles, was ich zuvor gemacht habe – der Sound ist präzise und kraftvoll. Es erinnerte mich an ein lebendiges Korallenriff, diese farbenfrohe Unterwasserwelt. Das Skelett repräsentiert etwas Rohes unter der Schönheit. Das Wort „precipice“ steht hier dafür, zwischen zwei Welten gefangen zu sein – wie das Bewegen im und aus dem Wasser.

Wie hat sich deine Vorstellung von Zuhause und Gemeinschaft verändert?
Ich fühle mich immer noch, als stünde ich am Rand von etwas völlig Neuem – ich weiß nicht, wie es sich entfalten wird. Ich verbrachte mein ganzes Leben in kleinen Städten in North Carolina, daher war der Umzug nach LA ein großer Schritt aus meiner Komfortzone. Aber es war unglaublich bereichernd für meine Kunst. Hier kann ich machen Musik, wann immer ich will, und meine Mitstreiter leben gleich um die Ecke. Es ist ein energetischer, kreativer Raum für mich.

In North Carolina war meine Gemeinschaft tief mit dem Land verbunden – klein, intim und voller Nuancen. Wir versammelten uns um Feuer, gingen wandern. Zu meinem letzten Geburtstag hielten wir eine Zeremonie auf einem Feld ab, aßen Kuchen unter den Sternen, sangen und teilten Worte. Jetzt lerne ich, verschiedene Arten von Gemeinschaft zu schätzen und das zu umarmen, was LA bietet. Die Ambition hier inspiriert mich – Menschen, die danach streben, die beste Version ihrer selbst zu sein und ihr Handwerk ständig zu verfeinern. Das ist schön.

Dies ist dein erstes Album seit deiner Borderline-Persönlichkeitsstörungs-Diagnose. Wie hat es deine Kunst beeinflusst, dem einen Namen zu geben?
Eine Diagnose zu haben – zu wissen, dass es einen Rahmen und Ressourcen für das gibt, was ich fühle – war stabilisierend. Ich bin in einer großartigen DBT-Gruppe (Dialektisch-Behaviorale Therapie) hier in LA, und ich denke, man hört diese neue Klarheit in meiner Musik. Früher fühlte ich mich oft verloren. Es ist immer noch kompliziert, aber ich habe jetzt mehr Stabilität beim Schaffen.

Was inspiriert dich zurzeit?
Im Moment lasse ich mein Gehirn über diese Staffel von Love Island schmelzen… aber ehrlich gesagt inspiriert mich vor allem die menschliche Erfahrung. Ob Reality-TV oder ein tiefes Gespräch am See, während wir Gänse beobachten – alles nährt mich.

(Dieses Gespräch wurde bearbeitet und gekürzt.)