Indigo De Souza synger på sin sang "Heartthrob," en modig hymne om at blive udnyttet i sine yngre år: "Kendte ikke forskellen på at elske og at blive hjemsøgt." Med svimlende popmelodier tager hun kraftfuldt ejerskab over sin autonomi og gentager den trodsige linje: "I really put my back into it." Denne sang fungerer som det første single fra Precipice, hendes fjerde og mest polerede popalbum til dato.

Albumtitlen kom uventet til den North Carolina-baserede kunstner, mens hun arbejdede med produceren Elliott Kozel (kendt for samarbejder med SZA og Finneas). "Vi havde skrevet flere sange, end vi havde brug for," husker hun. "Jeg fandt et gammelt omkvæd, jeg havde skrevet i dårligt humør – bare gemt væk i en mappe. Ordet 'precipice' føltes pludselig rigtigt, selvom jeg aldrig havde brugt det før." For De Souza symboliserede det at stå på randen af forandring uden at vide præcis, hvad der ventede.

Deres kreative kemi var øjeblikkelig. De Souza, kendt for sin rå indie-lyd, havde længe ønsket at udforske dybere pop-territorium. Det, der startede som afslappede sessioner i Los Angeles, blev hurtigt til Precipice – 11 dynamiske numre, der kombinerer hendes ærlige tekster om mental sundhed, kærlighed og selvrefleksion med pulserende popenergi. Selv efter albummet var færdigt, fortsatte de med at indspille, hver gang hun besøgte LA fra sin lille bjergby.

Sidste efterår ødelagde orkanen Helene De Souzas hjem og ejendele, hvor kun en guitar, en laptop og nogle få mindesager reddet af hendes roommates blev sparet. Da hun vendte tilbage til LA, kanaliserede hun oplevelsen ind i et helt separat projekt – et mere grungy, guitar-drevet album med melankolske ballader. Hun har også et andet færdigt album i baghånden, der læner sig mod "eksperimentel country."

Da jeg nævner, hvor underligt det må føles, at kunst født af intense følelser kommer ud af rækkefølge, griner hun: "Jeg er udleveret til, hvordan branchen fungerer." Men Precipice markerer et vendepunkt. "Jeg havde sådan en klarhed, da jeg lavede dette – forstod mine følelser på en ny måde," siger hun. "Det er skræmmende, men smukt. Jeg omfavner kaoset, og selv når det er rodet, gør denne vision mig begejstret."

Nedenfor taler De Souza om popmusik, at finde fællesskab i LA og ikke længere at frygte det ukendte.

Vogue: Har det altid været terapeutisk for dig at skrive? Eller kan det nogensinde føles svært, fordi det tvinger dig til at konfrontere ting, du helst vil undgå?

Indigo De Souza: Begge dele, absolut. Nogle gange flyder følelserne let ind i musikken, men andre gange modstår jeg at skrive, fordi det får mig til at møde det, jeg føler. Jeg kan ikke skrive fra andet end et følelsesmæssigt sted, så jeg udskyder at tage guitaren. Men jeg tvinger mig igennem – det er nødvendigt.

Foto: Hannah SommerNår jeg føler mig emotionel over noget, ved jeg, at det at spille guitar og skrive vil hjælpe.

I betragtning af alt, du har været igennem, hvordan føler du dig omkring dine tidligere værker nu?
Alle mine tidligere album er specielle for mig på hver deres måde – musikken er dybt personlig. Hvert album føles forskelligt fra det forrige, som om jeg konstant skifter min tilgang til at skrive. Nogle gange, når jeg lytter tilbage, er det næsten surrealistisk – jeg kan ikke altid huske at have skrevet bestemte sange eller hvad jeg prøvede at formidle. Tag for eksempel Always – den er så intens, og live-versionen er meget specifik, med masser af skrig. Processen bag den er uklar nu. Jeg er helt til stede med de sange, jeg laver, men de ældre føles som spøgelser.

Not Afraid var den første sang skrevet til Precipice. Hvilke følelser kanaliserede du?
Ærligt talt ville jeg bare forbinde mig med Elliot og imponere ham. Inden for den første time vidste jeg, at han var speciel – jeg elskede hans energi og arbejdsgang. Jeg havde aldrig prøvet en blind session før, men vi klikkede med det samme. Jeg ville bringe mine mest modige tekster og mit mest autentiske selv til bordet, og han fik mig til at føle mig sikker nok til at gøre det.

Heartthrob var det første single, med en kraftfuld fortælling om at blive udnyttet som ung kvinde. Hvordan udviklede den sang sig?
Jeg har været forsigtig med, hvordan jeg taler om denne sang uden at være for grafisk eller udløsende. Den er baseret på en personlig oplevelse fra min ungdom, men jeg ønskede at tale til en kollektiv realitet – især for kvinder – om at være ung og manipuleret af en ældre person. At forvandle den følelse af fangenskab til noget højlydt og kraftfuldt var befriende.

Crush og Heartbreaker føles som tvillingesange – den ene om rusen ved en ny forelskelse, den anden om smerten, der kan følge. Hvordan arrangerede du albummet?
Dette var faktisk det nemmeste album for mig at sætte i rækkefølge, selvom det normalt er svært. Du har ret – de to sange handler om den samme person og de følelser, jeg havde.

Dette album kombinerer dine guitar-drevne rødder med mere pop-præget lyd. Hvorfor udforske pop nu?
En del af grunden til, at jeg kom til LA og arbejdede med forskellige producere, var, at jeg altid har ønsket at lave popmusik – men med dybe, meningsfulde tekster. Pop er min yndlingsgenre. Det var forfriskende at læne sig ind i det i studiet, da jeg normalt håndterer tunge, katartiske følelser. Ikke fordi pop ikke er emotionel – det er det – men der er en specifik glæde i det, jeg ønskede at fange.

Elliot er ikke en pop-producer, hvilket gjorde mig tøvende i starten. Men min lyst til at lave pop og hans alsidighed som producer skabte noget specielt.

Hvilken slags pop elsker du?
Jeg er besat af kraftfuld, glinsende, energisk pop, der føles romantisk. Mura Masa er en drømmesamarbejdspartner – sammen med Charli XCX og Caroline Polachek.

Kan du fortælle mig om coverkunsten? Jeg ved, din mor designer dem. Denne – med skeletvæsenet i vand – er slående.
Jeg ønsker, at hvert cover viser karakterens aldring. Dette album er lysere og klarere end noget, jeg har lavet før – lyden er skarp og potent. Det fik mig til at tænke på et pulserende koralrev, denne farverige undervandsverden. Skelettet repræsenterer noget råt under skønheden. Ordet "precipice" repræsenterer her at være fanget mellem to verdener – som at bevæge sig ind og ud af vand.

Hvordan har din opfattelse af hjem og fællesskab ændret sig?
Jeg føler stadig, at jeg er på kanten af noget helt nyt – jeg ved ikke, hvordan det vil udfolde sig. Jeg tilbragte hele mit liv i små byer i North Carolina, så flytningen til LA var et stort spring ud af min komfortzone. Men det har været utroligt givende for min kunst. Her kan jeg lave musik, når jeg vil, og mine samarbejdspartnere bor lige nede ad gaden. Det er et energisk, kreativt rum for mig.

Tilbage i North Carolina var mit fællesskab dybt forankret i landet – småt, intimt og fuldt af nuancer. Vi samledes omkring bål, gik på vandreture. Til min seneste fødselsdag holdt vi en ceremoni på en mark og spiste kage under stjernerne, mens vi sang og delte ord. Nu lærer jeg at værdsætte forskellige slags fællesskaber og omfavne det, LA tilbyder. Jeg er inspireret af ambitionerne her – folk, der stræber efter at være deres bedste selv og konstant forfiner deres håndværk. Det er smukt.

Dette er dit første album siden din borderline personlighedsforstyrrelse-diagnose. Hvordan har det at sætte navn på det formet din kunst?
At få en diagnose – at vide, at der er en ramme og ressourcer for, hvordan jeg føler – har været grundlæggende. Jeg er i en fantastisk DBT (Dialektisk Adfærdsterapi)-gruppe her i LA, og jeg tror, du kan høre den nyfundne klarhed i min musik. Før følte jeg mig ofte fortabt. Tingene er stadig komplicerede, men jeg har mere stabilitet nu, når jeg skaber.

Hvad inspirerer dig for tiden?
Lige nu lader jeg min hjerne smelte over denne sæson af Love Island… men ærligt talt, det, der inspirerer mig mest, er den menneskelige oplevelse. Uanset om det er reality-tv eller en dyb samtale ved søen, mens man ser på gæs, det giver mig energi.

(Denne samtale er blevet redigeret og forkortet.)