Indigo De Souza sjunger på sin låt "Heartthrob", en djärv hymn om att ha blivit utnyttjad i sina yngre år: "Visste inte skillnaden mellan att älska och att hemsökas." Med svävande popmelodier tar hon kraftfullt tillbaka sin autonomi och upprepar den trotsiga raden: "I really put my back into it." Låten fungerar som första singel från Precipice, hennes fjärde och hittills mest polerade popalbum.

Albumets titel dök oväntat upp för den North Carolina-baserade artisten när hon arbetade med producenten Elliott Kozel (känd för samarbeten med SZA och Finneas). "Vi hade skrivit fler låtar än vi behövde", minns hon. "Jag hittade en gammal refräng jag skrivit i dåligt humör – bara gömd i någon mapp. Ordet 'precipice' kändes plötsligt rätt, trots att jag aldrig använt det förut." För De Souza symboliserade det att stå på gränsen till förändring utan att veta exakt vad som väntade.

Deras kreativa kemi var omedelbar. De Souza, känd för sitt råa indie-sound, hade länge velat utforska djupare popterritorium. Vad som började som avslappnade sessioner i Los Angeles förvandlades snabbt till Precipice – 11 dynamiska spår som blandar hennes ärliga texter om mental hälsa, kärlek och självreflektion med livfull popenergi. Även efter att albumet var klart fortsatte de spela in närhelst hon besökte LA från sin lilla bergshembygd.

I höstas förstörde orkanen Helene De Souzas hem och tillhörigheter, där endast en gitarr, en laptop och några minnessaker räddades av rumskamrater. När hon återvände till LA kanaliserade hon upplevelsen till ett helt separat album – ett grungigare, gitarrdrivet projekt med melankoliska ballader. Hon har också ett annat färdigt album som lutar mot "experimentell country".

När jag nämner hur konstigt det måste kännas för konst född av intensiva känslor att dyka upp i oordning, skrattar hon: "Jag är utlämnad åt hur branschen fungerar." Men Precipice markerar en vändpunkt. "Jag hade sådan klarhet när jag skapade detta – att förstå mina känslor på ett nytt sätt", säger hon. "Det är skrämmande men vackert. Jag omfamnar kaoset, och även när det är rörigt, exciterar denna vision mig."

Nedan diskuterar De Souza popmusik, att hitta gemenskap i LA och att inte längre vara rädd för det okända.

Vogue: Har skrivande alltid varit terapeutiskt för dig? Eller känns det ibland svårt eftersom det tvingar dig att konfrontera saker du helst vill undvika?

Indigo De Souza: Både och, absolut. Ibland flödar känslorna lätt in i musiken, men andra gånger motstår jag skrivandet eftersom det får mig att möta vad jag känner. Jag kan inte skriva från någon annan plats än en känslomässig, så jag kommer att prokrastinera att ta upp gitarren. Men jag tvingar mig igenom – jag måste.

Foto: Hannah SommerNär jag känner mig emotionell över något, vet jag att spela gitarr och skriva kommer att hjälpa.

Med tanke på allt du har gått igenom, hur känner du inför ditt tidigare arbete nu?
Alla mina tidigare album är speciella för mig på olika sätt – musiken är djupt personlig. Varje album känns distinkt från det förra, som om jag ständigt förskjuter mitt tillvägagångssätt för skrivande. Ibland när jag lyssnar tillbaka är det nästan overkligt – jag minns inte alltid att jag skrivit vissa låtar eller vad jag försökte förmedla. Ta Always till exempel – den är så intensiv, och liveversionen är väldigt specifik, med mycket skrikande. Processen bakom den är suddig nu. Jag är helt närvarande med låtarna jag skapar, men de äldre känns som spöken.

Not Afraid var den första låten skriven för Precipice. Vilka känslor kanaliserade du?
Ärligt talat ville jag bara knyta an till Elliot och imponera på honom. Inom den första timmen visste jag att han var speciell – jag älskade hans energi och arbetsflöde. Jag hade aldrig gjort en blind session förut, men vi klickade direkt. Jag ville ta med mina djärvaste texter och mitt själv till bordet, och han fick mig att känna mig tillräckligt säker för att göra det.

Heartthrob var första singeln, med en kraftfull berättelse om att bli utnyttjad som ung kvinna. Hur utvecklades den låten?
Jag har varit försiktig med hur jag diskuterar den här låten utan att vara alltför grafisk eller triggande. Den bygger på en personlig upplevelse från min ungdom, men jag ville tala till en kollektiv verklighet – särskilt för kvinnor – av att vara ung och manipulerad av någon äldre. Att förvandla den känslan av fångenskap till något högljutt och kraftfullt var befriande.

Crush och Heartbreaker känns som tvillinglåtar – en om rusningen av en ny förälskelse, den andra om smärtan som kan följa. Hur arrangerade du albumet?
Det här var faktiskt det enklaste albumet för mig att ordna, även om det vanligtvis är svårt. Du har rätt – de två låtarna handlar om samma person och de känslor jag upplevde.

Det här albumet blandar dina gitarrdrivna rötter med mer popinriktade ljud. Varför utforska pop nu?
En del av anledningen till att jag kom till LA och arbetade med olika producenter var att jag alltid har velat göra popmusik – men med djupa, meningsfulla texter. Pop är min favoritgenre. Det var uppfriskande att luta sig mot det i studion, eftersom jag vanligtvis hanterar tunga, katartiska känslor. Inte för att pop inte är känslomässigt – det är det – men det finns en speciell glädje i det som jag ville fånga.

Elliott är inte en popproducent, vilket gjorde mig tveksam till en början. Men min önskan att göra pop och hans mångsidighet som producent skapade något speciellt.

Vilken typ av pop älskar du?
Jag är besatt av slagkraftig, glänsande, energisk pop som känns romantisk. Mura Masa är en drömsamarbetspartner – liksom Charli XCX och Caroline Polachek.

Kan du berätta om omslagskonsten? Jag vet att din mamma designar dem. Det här – med skelettvarelsen i vatten – är slående.
Jag vill att varje omslag ska visa karaktären åldras. Det här albumet är ljusare och tydligare än något jag gjort tidigare – ljudet är skarpt och potent. Det fick mig att tänka på ett livfullt korallrev, denna färgsprakande undervattensvärld. Skelettet representerar något rått under skönheten. Ordet "precipice" här representerar att vara fångad mellan två världar – som att röra sig in och ut ur vatten.

Hur har din uppfattning om hem och gemenskap förändrats?
Jag känner fortfarande att jag är på gränsen till något helt nytt – jag vet inte hur det kommer att utvecklas. Jag tillbringade hela mitt liv i små North Carolina-städer, så att flytta till LA var ett stort steg ur min komfortzon. Men det har varit otroligt givande för min konst. Här kan jag göra musik närhelst jag vill, och mina samarbetspartner bor bara några kvarter bort. Det är ett energiskt, kreativt utrymme för mig.

Tillbaka i North Carolina var min gemenskap djupt rotad i marken – liten, intim och full av nyanser. Vi samlades runt eldar, vandrade. För min senaste födelsedag höll vi en ceremoni på en äng och åt tårta under stjärnorna, sjöng och delade ord. Nu lär jag mig uppskatta olika sorters gemenskap och omfamna vad LA erbjuder. Jag inspireras av ambitionen här – människor som strävar efter att vara sina bästa jag, ständigt förfina sitt hantverk. Det är vackert.

Det här är ditt första album sedan din borderline personlighetsstörningsdiagnos. Hur har det att sätta ett namn på det format din konst?
Att ha en diagnos – att veta att det finns en ram och resurser för hur jag känner – har varit grundläggande. Jag är i en fantastisk DBT-grupp (Dialektisk Beteendeterapi) här i LA, och jag tror att du kan höra den nya klarheten i min musik. Förut kände jag mig ofta vilsen. Saker är fortfarande komplicerade, men jag har mer stabilitet nu när jag skapar.

Vad inspirerar dig nyligen?
Just nu låter jag min hjärna smälta över den här säsongen av Love Island... men ärligt talat, det som inspirerar mig mest är den mänskliga upplevelsen. Oavsett om det är reality-TV eller en djup konversation vid sjön medan man tittar på gäss, allt ger mig energi.

(Det här samtalet har redigerats och förkortats.)