En un día gris de noviembre, Carol Bove está en la oficina del segundo piso de su estudio en Brooklyn, mostrándome una maqueta a pequeña escala del Museo Guggenheim, donde tendrá una retrospectiva esta primavera. Sus improbables obras de acero desafían todas las expectativas sobre cómo debería comportarse el material.

"Esa es la High Gallery", dice. En su interior hay versiones diminutas, impresas en 3D, de siete nuevas esculturas que está creando para la exposición. Incluso a escala 1:12, transmiten una sensación de delicadeza y peso, una contradicción que se ha convertido en un sello distintivo de Bove. Se vuelve para mirar por la ventana hacia el taller de abajo. "Y esas", dice, esbozando una sonrisa, "son las obras". Un equipo de asistentes de estudio retira el plástico que cubre dos ensamblajes de acero crudo y pintado de 14 pies de altura.

Bove ha trabajado en este estudio de Red Hook durante una década, pero vive en el vecindario desde el año 2000, ocho años después de llegar por primera vez a Nueva York desde California, donde creció. Este enclave costero es también donde ha criado a sus dos hijos: una hija, que ahora tiene 19 años y estudia en la Universidad McGill, y un hijo, que está en segundo año de secundaria.

En el vasto taller, pasamos rápidamente junto a montacargas y grúas hasta llegar a la base de una de las esculturas recién descubiertas. Está hecha de una losa de acero oxidado rescatada de un desguace en Nueva Jersey y de un tubo rectangular de acero arrugado pintado de un rosa pálido. "El collage de esos elementos realmente expresa la profundidad del material", me dice Bove, de 54 años. "Parecen provenir de mundos completamente diferentes". Este contraste es intencionalmente desorientador. Utilizando no solo acero, sino una amplia gama de materiales, incluyendo madera a la deriva, plumas de pavo real y piedra, Bove ha situado durante mucho tiempo la percepción en el corazón de su práctica artística: ¿Qué notamos y qué pasamos por alto?

"Hay un poco de ese **je ne sais quoi** en sus esculturas, donde simplemente no puedes apartar la vista pero tampoco puedes explicarlas del todo", dice Mary Mitsch, directora de Gagosian, la galería que representa a Bove desde 2023. (Mitsch también trabajó con Bove en su galería anterior, David Zwirner). Recientemente, Gagosian ha organizado exposiciones individuales de su obra en Beverly Hills, Nueva York y Gstaad, Suiza, y su presentación de sus esculturas en la Feria Frieze de Londres 2024 fue aclamada como uno de los puntos destacados de la feria. Aunque el arte de Bove ha aparecido en algunas de las instituciones más venerables del mundo, incluyendo el Museo de Arte Moderno, la Bienal de Venecia y los nichos del Museo Metropolitano de Arte, la retrospectiva del Guggenheim, que incluirá más de 100 obras, será la primera en unir sus piezas anteriores, bastante diferentes, con las esculturas de acero por las que se ha hecho conocida.

También argumentará su centralidad en la historia de la escultura. "Tradicionalmente, la escultura en acero se consideraba una empresa muy masculina", dice la curadora Katherine Brinson, quien ha estado trabajando con Bove en la retrospectiva durante casi una década. "Piensas en todos esos escultores monumentales, ubicados en espacios externos: Richard Serra y demás. Y creo que Carol está aplicando una lente muy feminista a esa tradición".

Bove no rehúye los legados de artistas como Serra, John Chamberlain y Alexander Calder. Pero su propia experiencia e instintos la han llevado a un territorio inexplorado: por ejemplo, es la primera mujer en presidir la junta directiva del SculptureCenter, cargo que ocupa desde 2020.

Si el mundo machista de la escultura es donde Bove se ha establecido, no fue un camino fácil. La escultura le parecía un club de chicos en la universidad, así que no la siguió. Sus primeras obras involucraban objetos encontrados y materiales más pequeños que podía manejar sola. Cuando comenzó a crear piezas más grandes que requerían fabricación, enviaba sus diseños a una empresa externa. Después de que esa empresa cerró, contrató a algunos de sus antiguos empleados para trabajar directamente con ella. "Fue solo un paso a la vez", dice. Hoy, es considerada una de las escultoras estadounidenses más importantes de su generación. Arlene Shechet, cuya exposición de 2024 en Storm King aportó una vibrante dosis de color y volumen al parque de esculturas del Hudson Valley, reconoce que involucrarse con este linaje histórico del arte es un desafío. "Tanto Carol como yo estamos jugando con los grandes", dice.

**EN ESPERA**
Una obra en proceso se deja secar después de una capa de pintura industrial de uretano.
**Fotografiado por Nicholas Calcott.**

Es cálida, se ríe con facilidad y reflexiona profundamente sobre muchos temas. Madrugadora y amante de las listas, ha usado la misma agenda negra Filofax desde 1992. "Esto lo es todo", dice, sosteniendo la agenda con las esquinas dobladas como si fuera una reliquia familiar.

Cuando nos encontramos, lleva una camisa de trabajo de mezclilla y jeans claros. Una línea de delineador azul eléctrico en sus párpados inferiores es un ritual diario. "Tendría que estar muy enferma para no hacerlo", me dice. Con su cabello rubio corto y sus ojos color avellana, podría ser interpretada por Michelle Williams o Carey Mulligan en una película. Tiene dos gatos dulces, Torah y Anita, para los cuales construyó un pasadizo desde el taller hasta una bodega a través del techo de concreto, una prueba más de su naturaleza "extraordinariamente generosa", como la describe Brinson.

**TODAS LAS ÉPOCAS**
Su exposición en el Guggenheim será la primera en unir sus cuerpos de trabajo anteriores con sus grandes esculturas de acero.
**Fotografiado por Nicholas Calcott.**

No tiene muchos pasatiempos, al menos no fácilmente separables de su arte. "Cualquier cosa que me apasione termina siendo parte de mi trabajo". Sin embargo, descubrir los audiolibros fue una revelación reciente. "Como que no me di cuenta de lo disléxica que soy hasta ahora", dice. Los escucha durante los largos viajes en coche hacia su estudio en las Catskills. Últimamente, se ha interesado por Tolstói, y mientras hace trabajo administrativo, escucha a Alice Coltrane.

Nacida en 1971 en Ginebra de padres estadounidenses, se mudó a California siendo una niña pequeña y finalmente se estableció en Berkeley, la ciudad natal de su madre. "Eran los años 70, y todo el mundo allí estaba experimentando", dice. En ese entonces, Berkeley tenía dos tipos de personas: las de política y las de conciencia. Como era de esperar, creció entre la gente de conciencia. Sus primeros encuentros con el arte marginal en los humedales de Emeryville, cerca de la costa de la Bahía de San Francisco, fueron formativos. El arte podía ser extraño y cualquiera podía crearlo.

Asistió a una escuela cooperativa influenciada por el Movimiento del Potencial Humano, algo así como Esalen para niños. "Funcionó para mí", dice, aunque a veces se sentía frustrada en las clases de arte. "Simplemente decían: 'Haz lo que quieras'. Y como niños, decíamos que queríamos más instrucción".

La secundaria fue más difícil. Luchando con un TDAH no diagnosticado, abandonó la escuela después de su penúltimo año. Obtuvo su GED y se inscribió en el California College of the Arts, pero "no estaba realmente lo suficientemente centrada para estar en la escuela". Después de irse, trabajó en varios oficios en el área de la Bahía antes de mudarse a la ciudad de Nueva York en 1992. Unos años más tarde, se inscribió en la NYU para terminar su licenciatura.

**MAQUETA**
Para preparar la exposición del Guggenheim, ella y su equipo hicieron múltiples maquetas a escala del museo.
**Fotografiado por Nicholas Calcott.**

"Me postulé como pintora, pero cuando llegué, me sentí demasiado inhibida. Era demasiado íntimo. 'Quería crear cosas y tener un público para el proceso'", explica. Luego probó con la fotografía, aunque tampoco era lo correcto, pero el revelado de película le enseñó sobre el color. "Preguntaba: '¿Qué le pasa a esta copia? ¿Está demasiado verde o demasiado cian?' La primera vez que escuché eso, me pregunté, ¿cuál es incluso la diferencia entre verde y cian?".

Terminó sus estudios en 1998 y comenzó a hacer arte en un loft no autorizado cerca del Puente de Manhattan, pero sentía que se estaba conteniendo. "Tenía demasiado miedo de explorar lo que realmente me importaba. Sentía cierta vergüenza, preocupada de que lo que realmente quería examinar pudiera ser inherentemente poco interesante". Finalmente, decidió: **Simplemente intentémoslo**. Así comenzaron sus dibujos de Playboy.

**VIDA DE ACERO**
El estudio de Bove está en un edificio que data de 1859.
**Fotografía de Nicholas Calcott.**

Los dibujos de Playboy, retratos suaves y de tonos pastel de modelos como Sharon Tate, que recuerdan a los camafeos victorianos, son considerados el primer cuerpo de trabajo maduro de Bove y estarán entre las piezas más tempranas en su exposición del Guggenheim. Para crearlos, miró ejemplares de los años 60 y principios de los 70; de hecho, encontró una pila de las revistas en el armario de sus padres, junto a cartas de rechazo que su madre recibió por sus envíos de poesía. El regreso de Bove a **Playboy** no fue solo sobre erotismo; exploraba la mezcla de sexo y arte, palabras e imágenes. Los dibujos ayudaron a desentrañar el mundo contradictorio en el que nació. En ese entonces, **Playboy** publicaba escritos de Ursula K. Le Guin, James Baldwin y Alan Watts, y abogaba por causas progresistas como el acceso al control de la natalidad y la oposición a la guerra de Vietnam. ¿Pero qué hay de las fotografías de desnudos? ¿Posar para **Playboy** era empoderador o degradante? Los dibujos fluyeron de ella, llevando a más trabajo. "Ha sido realmente continuo desde entonces", dice Bove. "Todo está conectado con eso".

**UNA VISIÓN FUERTE**
Convertir las "nociones nebulosas" de Bove en grandes esculturas de acero requiere un gran equipo y un largo plazo.
**Fotografía de Nicholas Calcott.**

Poco después, a principios de la década de 2000, Bove ganó mayor reconocimiento en el mundo del arte con sus instalaciones conceptuales de estanterías. Sobre mesas Knoll reutilizadas y otros muebles modernos de mediados de siglo, dispuso sus oníricos dibujos de Playboy y libros de bolsillo gastados de los años 60 y 70 junto a objetos encontrados como madera a la deriva y conchas. Estos meticulosos tableaux resonaron profundamente. "Aunque la exposición parece casual, incluso accidental, es todo menos eso", escribió el crítico del **New York Times** Holland Cotter en 2003. "Cada inclusión es significativa, cada colocación está minuciosamente calculada".

En 2012, Bove pareció dar un giro brusco hacia la escultura exterior. Hasta entonces, había seguido una regla conceptualista: usar solo elementos preexistentes. "En cierto punto", dice, "quería hacer algo con cualidades diferentes, algo pulido, no romántico". El primer "glifo", su término para las grandes obras de acero en forma de bucle recubiertas de polvo blanco, apareció en un jardín bien cuidado en la Documenta 13 en Kassel, Alemania. Al año siguiente, en 2013, se instalaron dos más en una sección sin terminar del High Line de Manhattan, junto a otras esculturas que hizo con vigas I, concreto y latón recuperados. "El proyecto de Carol fue absolutamente mi favorito. He estado en el High Line durante más de 14 años, pero ese proyecto fue realmente especial y único", dice Cecilia Alemani, directora y curadora jefe de High Line Art. El contraste entre el paisaje salvaje, de auto-siembra, y estas intervenciones blancas y brillantes creó un rompecabezas intrigante. "Mientras la gente caminaba, descubría estos objetos casi como reliquias de una civilización extraña", dice Alemani.

De vuelta en el taller de Red Hook, Bove señala piezas de acero en varias etapas de trabajo. Algunas acaban de llegar del desguace; otras esperan ser arenadas. En la sala de pintura herméticamente sellada, es su turno. Un gran equipo, actualmente de unas 20 personas, el más grande que su estudio ha tenido, pasa un mínimo de cinco meses para llevar las grandes esculturas de acero de Bove desde "nociones nebulosas en mi mente" hasta su finalización. Cerca, una pila de bancos apilables recién construidos espera; planea instalarlos en el Guggenheim para ofrecer a los visitantes del museo un lugar para descansar.

**PILARES DEL TRABAJO**
El estudio de Bove.
Fotografiado por Nicholas Calcott.

Su objetivo es hacer que la experiencia de ver arte sea más cómoda, tanto física como psicológicamente, quizás un sentimiento persistente de ser una forastera inspiró esto. De ese deseo surgió su idea de pintar la pared en espiral de la rampa interior del museo en un degradado, pasando de un gris oscuro en la parte inferior a blanco en la parte superior. "Hay un momento de mucha ansiedad que noto, algo así como, '¿Cuánto más hay?' Y espero que esto realmente haga que la gente se sienta más segura psicológicamente porque sabes dónde estás", dice.

"Algunas de las exposiciones más memorables en la rotonda del Guggenheim han sido lo que me gusta llamar el modo 'llaves-del-castillo', donde realmente permitimos que un artista se enfrente a la increíble obra maestra arquitectónica de Frank Lloyd Wright y la infunda con su propio lenguaje creativo", dice Brinson. Señala "The Cremaster Cycle" de Matthew Barney en 2003, la fantasía llena de luz de James Turrell en 2013, e incluso la exitosa exposición de Hilma af Klint en 2018 como ejemplos. Bove es la primera artista en aclarar gradualmente el color de la pared de la rotonda, pero se alinea filosóficamente con el ethos del edificio, un "zigurat optimista", como lo llamó Wright.

**METAL PRECIOSO**
Bove no siempre trabajó con acero. Su arte anterior a menudo presentaba pequeños objetos encontrados como libros y madera a la deriva, dispuestos en cuidadosos tableaux. "Fue solo un paso a la vez", dice sobre su evolución.
Fotografiado por Nicholas Calcott.

Bove siempre se ha sentido atraída por diversas prácticas espirituales, especialmente el budismo zen. El concepto budista de "no-yo", la idea de que no hay una versión permanente e inmutable de una persona, surgió varias veces en nuestra conversación, principalmente para explicar la conexión perfecta entre Carol Bove la persona y Carol Bove la artista. Para ilustrarlo, me lleva a una pieza que hizo en 2015 titulada **Legal Status of the Moon**, donde una pluma de pavo real, una concha marina y otros objetos encontrados están suspendidos delicadamente en una plataforma. Si quitas todas las partes exhibidas, explica, "es solo una especie de basura. Todo tiene que estar ensamblado para que funcione".

Antes de dejar el estudio, le pregunto a Bove sobre un hermoso jarrón pequeño en la mesa entre nosotros, que sostiene un lirio japonés. Lo hizo, y otros similares, con sobras de acero inoxidable de las esculturas de la High Gallery. "Hacer y encontrar jarrones extraños, creo que ese es mi principal pasatiempo", dice, finalmente nombrando un pasatiempo para mí. Estarán en exhibición en el museo en marzo.



Preguntas Frecuentes
Preguntas Frecuentes Sobre la Retrospectiva de Carol Bove



Preguntas de Nivel Básico



P: ¿Quién es Carol Bove?

R: Carol Bove es una artista contemporánea muy influyente, conocida principalmente por su trabajo escultórico. Crea arreglos complejos utilizando materiales como acero, madera a la deriva, plumas de pavo real y objetos encontrados.



P: ¿Qué es una retrospectiva en arte?