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Nel cuore della Morgan Library & Museum di Manhattan si trova The Black Hours, un raro manoscritto miniato del XV secolo. Come molti libri di preghiere del Medioevo, guidava le famiglie cristiane nelle devozioni quotidiane. Ma ciò che rende The Black Hours unico—le sue pagine di pergamena annerite dal carbonio, che fanno risplendere le lettere in argento e oro e le intricate illustrazioni religiose—lo rende anche incredibilmente fragile.

"È come una storia di fantasmi," dice l'artista Lily Stockman, i cui dipinti astratti emanano una qualità luminosa. Non ha mai visto The Black Hours di persona (pochi l'hanno fatto—l'ultima volta è stato esposto nel 1997), ma anni fa ha sentito parlare di questo libro di 500 anni, ora conservato con cura in una scatola senza acidi. "C'è qualcosa di romantico in questo," riflette.

Stockman, sempre poliedrica, ha iniziato a studiare altri libri d'ore medievali dal suo studio luminoso a Glassell Park, il quartiere nel nord-est di Los Angeles che condivide con il marito e i loro tre figli piccoli. Ha notato una connessione tra questi antichi manoscritti e il suo lavoro.

"Amo la composizione delle pagine—i ricchi bordi decorativi che incorniciano una scena dipinta all'interno," dice Stockman, 43 anni. "I miei dipinti funzionano allo stesso modo: il bordo agisce come un contenitore per le forme viventi e fluttuanti all'interno." Era anche attratta dal modo in cui questi libri ritagliavano momenti per la riflessione silenziosa durante la giornata.

Questa esplorazione ha ispirato la sua ultima serie, Book of Hours, che debutterà a settembre nella nuova galleria di Charles Moffett a Tribeca. La dozzina di dipinti a olio condivide tratti con il suo lavoro precedente—bordi vibranti che incorniciano forme semplificate, ispirate alla natura, che ricordano semi, dalie e prati. Queste forme risalgono alla sua infanzia in una fattoria di fieno nel New Jersey, dove è cresciuta come la maggiore di quattro sorelle e ha ereditato l'amore della madre per il giardinaggio. La nuova serie continua questo tema, con riferimenti al rabarbaro, agli stagni increspati e alla costa del Maine.

Ma Stockman si è posta una nuova sfida: lasciare visibili i segni del suo processo. "Voglio che si vedano il lavoro, le decisioni, persino gli errori," dice. Meno rifinito, più simile alla vita stessa. In Ipswich, una delle sue nuove opere più grandi, alta sette piedi, il bordo rosso, rosa e bianco pulsante rivela pennellate grezze. "Qualche anno fa, avrei forse sfumato tutto," ammette.

Anche se i suoi dipinti tendono al geometrico, hanno un calore artigianale che si apprezza meglio di persona. "Davanti a loro, non puoi perderti il leggero tremolio delle linee—come in un'opera di Agnes Martin," dice Charlie Moffett, che ha organizzato la prima mostra personale di Stockman quando ha aperto la sua galleria nel 2018. È stato un sostenitore devoto da quando si sono conosciuti tramite amici oltre un decennio fa. "Ricordo di averla chiamata quando ero ancora alla Sotheby's, dicendole che non avrei aperto la galleria a meno che non avesse accettato di essere la mia prima mostra."

Da allora, il lavoro di Stockman è apparso in mostre personali e collettive in tutto il mondo, dalla Gagosian di Atene alla Maison La Roche di Le Corbusier a Parigi. "Avrebbe potuto restare nella sua comfort zone—le sue opere vendevano," nota Moffett. "Ma si è spinta oltre, sperimentando nuove palette e forme. Non è facile per un giovane artista di successo."

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2024. Ed Mumford. Per gentile concessione di Charles Moffett.

Fin da piccola, Lily Stockman è stata affascinata sia dalla natura che dall'arte. "Alle elementari, scarabocchiavo cavalli sui miei tabelline, e al liceo mi sono messa nei guai per aver intagliato disegni nell'erba con il tosaerba," ricorda. Durante gli anni universitari ad Harvard, dove ha studiato arte, ha trovato ispirazione nelle visite al Fogg Museum. "I curatori ci mostravano pale d'altare rinascimentali che avevamo visto solo in diapositive," dice. Anche se il suo stile è contemporaneo, è ricco di echi dell'arte storica.

Il suo lavoro ha anche correnti sotterranee profondamente personali—anche quando la storia completa non le è immediatamente chiara. Prendi Ipswich, un dipinto con anelli ondulati di blu e indaco dentro un bordo rosso. Stockman ricorda un professore che viveva in una casa in stile Cape Cod vicino alle paludi di Boston. "Facevamo lunghe cene lì, guardando la marea salire e sommergere l'erba della palude, poi ritirarsi, lasciando dietro ciuffi vellutati nel fango," dice. Più tardi, si è imbattuta in vecchie foto in bianco e nero di erba tagliata e ammucchiata per il bestiame—"come la risposta del New England ai covoni di Monet." Solo allora ha collegato il dipinto alla sua infanzia in una fattoria di fieno. "Queste forme spesso emergono da qualcosa sepolto nel mio subconscio. È solo quando prendono forma sulla tela che le capisco."

Ma non sono solo le forme a rendere i dipinti di Stockman così straordinari—è il colore, vibrante e armonioso in un modo che è sia esaltante che calmante. "È una straordinaria colorista," dice la curatrice Helen Molesworth, che includerà Stockman in una prossima mostra da David Zwirner su una nuova generazione di artisti californiani della luce e dello spazio. Prima della laurea alla NYU, Stockman ha passato un anno a Jaipur studiando la pittura miniaturista Mughal, un'esperienza che ha approfondito la sua reverenza per il colore—dai materiali grezzi, come il lapislazzuli macinato in blu oltremare, al potere di certe combinazioni.

Lily Stockman, Love Letter, 2024. Ed Mumford. Per gentile concessione di Charles Moffett.

Tra tutte le sue passioni, il giardinaggio potrebbe essere la più formativa—e la migliore metafora per il suo lavoro. "È la mia lingua madre per segnare il tempo," dice. Quando abbiamo parlato all'inizio dell'estate, ha notato i colori e i profumi mutevoli nel suo giardino: gli iris che sfiorivano, le rose appena sbocciate. Sua madre le ha insegnato la teoria del colore attraverso i fiori, portandola da bambina in uno dei pochi giardini negli Stati Uniti progettati da Gertrude Jekyll. Jekyll trattava le piante come pittura, disponendo blues tenui e lavande ai bordi del giardino per dissolvere il confine tra terra e cielo.

Eppure i giardini, come la vita, sono fragili. "Un petalo di rosa può essere squisito, ma può anche ammaccarsi," osserva Molesworth. "Stockman affronta questa dualità—nell'arte tanto quanto nella vita." Ecco perché il suo abbraccio dell'imperfezione nel suo nuovo lavoro sembra così esaltante. Il tremolio di una linea, la macchia su un petalo, il bordo sbiadito di una pagina di libro—questi sono i segni di qualcosa di vivo, qualcosa che brilla attraverso l'uso.