Aquí tienes la versión traducida al español del texto, manteniendo el significado original:

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En lo profundo de la Morgan Library & Museum de Manhattan se encuentra Las Horas Negras, un raro manuscrito iluminado del siglo XV. Como muchos libros de oraciones de la Edad Media, guiaba a los hogares cristianos en sus devociones diarias. Pero lo que distingue a Las Horas Negras—sus páginas de pergamino ennegrecidas con carbón, que hacen brillar las letras en plata y oro y las intrincadas ilustraciones religiosas—también lo hace increíblemente frágil.

"Es como una historia de fantasmas", dice la artista Lily Stockman, cuyas pinturas abstractas irradian una cualidad luminosa. Nunca ha visto Las Horas Negras en persona (pocos lo han hecho—se exhibió por última vez en 1997), pero hace años escuchó sobre este libro de 500 años, ahora cuidadosamente preservado en una caja libre de ácido. "Hay algo romántico en eso", reflexiona.

Stockman, siempre polímata, comenzó a estudiar otros libros de horas medievales desde su estudio bañado por el sol en Glassell Park, el vecindario del noreste de Los Ángeles que comparte con su esposo y sus tres hijos pequeños. Notó una conexión entre estos manuscritos antiguos y su propio trabajo.

"Me encanta la composición de las páginas—los exuberantes bordes decorativos que enmarcan una escena pintada en el interior", dice Stockman, de 43 años. "Mis pinturas funcionan igual: el borde actúa como un contenedor para las formas vivas y flotantes dentro". También le atraía cómo estos libros reservaban momentos para la reflexión tranquila a lo largo del día.

Esta exploración inspiró su última serie, Libro de Horas, que se estrenará en septiembre en la nueva galería de Charles Moffett en Tribeca. La docena de pinturas al óleo comparten rasgos con su trabajo anterior—bordes vibrantes enmarcando formas simplificadas inspiradas en la naturaleza que evocan semillas, dalias y prados. Estas formas remontan a su infancia en una granja de heno en Nueva Jersey, donde creció como la mayor de cuatro hermanas y heredó el amor por la jardinería de su madre. La nueva serie continúa este tema, con guiños al ruibarbo, estanques ondulantes y la costa de Maine.

Pero Stockman se ha impuesto un nuevo desafío: dejar visibles las marcas de su proceso. "Quiero que se vea el trabajo, las decisiones, incluso los errores", dice. Menos pulido, más como la vida misma. En Ipswich, una de sus obras nuevas más grandes con siete pies de altura, el borde rojo, rosa y blanco pulsante revela pinceladas crudas. "Hace unos años, quizás hubiera difuminado todo eso", admite.

Aunque sus pinturas tienden a lo geométrico, transmiten una calidez hecha a mano que se aprecia mejor en persona. "Parado frente a ellas, no puedes pasar por alto el ligero temblor en las líneas—como con una Agnes Martin", dice Charlie Moffett, quien le dio a Stockman su primera exposición individual cuando abrió su galería en 2018. Ha sido un ferviente admirador desde que se conocieron a través de amigos hace más de una década. "Recuerdo llamarla cuando aún estaba en Sotheby’s, diciendo que no abriría la galería a menos que ella aceptara ser mi primera exposición".

Desde entonces, el trabajo de Stockman ha aparecido en exposiciones individuales y colectivas en todo el mundo, desde Gagosian en Atenas hasta la Maison La Roche de Le Corbusier en París. "Podría haberse quedado cómoda—su trabajo se vendía", señala Moffett. "Pero se desafió a sí misma, experimentando con nuevas paletas y formas. No es fácil para una artista joven y exitosa".

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2024. Ed Mumford. Cortesía de Charles Moffett.

Desde temprana edad, Lily Stockman se sintió cautivada tanto por la naturaleza como por el arte. "En la primaria, garabateaba caballos por todas mis tablas de multiplicar, y en la secundaria me metí en problemas por tallar dibujos en el césped con la cortadora", recuerda. Durante sus años universitarios en Harvard, donde estudió arte, encontró inspiración en las excursiones de clase al Museo Fogg. "Los curadores sacaban retablos renacentistas que solo habíamos visto en diapositivas", dice. Aunque su estilo es contemporáneo, está lleno de ecos del arte histórico.

Su trabajo también tiene corrientes profundamente personales—incluso cuando la historia completa no le resulta inmediatamente clara. Tomemos Ipswich, una pintura con anillos ondulantes de azul e índigo dentro de un borde rojo. Stockman recuerda a un profesor que vivía en una casa estilo Cape Cod cerca de los pantanos de Boston. "Teníamos largas cenas allí, viendo cómo la marea subía y cubría el pasto del pantano, luego retrocedía, dejando mechones aterciopelados en el lodo", dice. Más tarde, encontró viejas fotos en blanco y negro de pasto cortado y apilado para el ganado—"como la respuesta de Nueva Inglaterra a los almiares de Monet". Solo entonces conectó la pintura con su infancia en una granja de heno. "Estas formas a menudo surgen de algo enterrado en mi subconsciente. Es solo cuando toman forma en el lienzo que las entiendo".

Pero no son solo las formas lo que hace que las pinturas de Stockman sean tan impactantes—es el color, vibrante y armonioso de una manera que es tanto emocionante como calmante. "Es una colorista extraordinaria", dice la curadora Helen Molesworth, quien incluirá a Stockman en una próxima exposición de David Zwirner sobre una nueva generación de artistas californianos de luz y espacio. Antes de su posgrado en NYU, Stockman pasó un año en Jaipur estudiando pintura en miniatura mogol, una experiencia que profundizó su reverencia por el color—desde las materias primas, como el lapislázuli molido en ultramar, hasta el poder de ciertas combinaciones.

Lily Stockman, Carta de Amor, 2024. Ed Mumford. Cortesía de Charles Moffett.

De todas sus pasiones, la jardinería puede ser la más formativa—y la mejor metáfora para su trabajo. "Es mi lenguaje nativo para marcar el tiempo", dice. Cuando hablamos a principios del verano, notó los cambiantes colores y aromas en su jardín: los lirios desvaneciéndose, las rosas recién florecidas. Su madre le presentó la teoría del color a través de las flores, llevándola de niña a uno de los pocos jardines en EE.UU. diseñados por Gertrude Jekyll. Jekyll trataba las plantas como pintura, colocando azules suaves y lavandas en el borde del jardín para disolver el límite entre la tierra y el cielo.

Sin embargo, los jardines, como la vida, son frágiles. "Un pétalo de rosa puede ser exquisito, pero también puede magullarse", observa Molesworth. "Stockman lidia con esa dualidad—tanto en el arte como en la vida". Por eso su aceptación de la imperfección en su nuevo trabajo se siente tan emocionante. El temblor de una línea, la mancha en un pétalo, el borde descascarado de una página de libro—estas son las marcas de algo vivo, algo que brilla con el uso.

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