Iată o versiune rescrisă a textului tău în engleză fluentă și naturală, păstrând sensul original:

---

Adânc în inima Morgan Library & Museum din Manhattan se află The Black Hours, un rar manuscris iluminat din secolul al XV-lea. Ca multe cărți de rugăciuni din Evul Mediu, acesta ghida gospodăriile creștine prin devoțiunile zilnice. Dar ceea ce diferențiază The Black Hours—pergamentul său întunecat cu cărbune, care face ca literele argintii și aurii, precum și ilustrațiile religioase intricate, să strălucească—îl face și incredibil de fragil.

„Este ca o poveste de fantome”, spune artistul Lily Stockman, ale cărui picturi abstracte emană o calitate luminoasă. Ea nu a văzut niciodată The Black Hours în persoană (puțini au avut această șansă—ultima dată a fost expus în 1997), dar acum mulți ani a auzit despre această carte veche de 500 de ani, acum păstrată cu grijă într-o cutie fără acid. „Este ceva romantic în asta”, meditează ea.

Stockman, întotdeauna polimată, a început să studieze alte cărți de ore medievale din studiul ei luminat de soare din Glassell Park, cartierul din nord-estul Los Angeles-ului pe care îl împarte cu soțul ei și cei trei copii mici. Ea a observat o legătură între aceste manuscrise antice și propria ei muncă.

„Iubesc compoziția paginilor—marginile decorative luxuriante care încadrează o scenă pictată în interior”, spune Stockman, în vârstă de 43 de ani. „Picturile mele funcționează la fel: marginea acționează ca un container pentru formele vii și plutitoare din interior.” A fost atrasă și de modul în care aceste cărți creau momente pentru reflecție liniștită pe parcursul zilei.

Această explorare a inspirat ultima ei serie, Book of Hours, care va debuta în septembrie la noua galerie a lui Charles Moffett din Tribeca. Cele douăsprezece picturi în ulei au trăsături comune cu lucrările ei anterioare—margini vibrante care încadrează forme simplificate, inspirate din natură, care amintesc de semințe, dalii și pajiști. Aceste forme își au originea în copilăria ei pe o fermă de fân din New Jersey, unde a crescut ca cea mai mare dintre patru surori și a moștenit dragostea mamei ei pentru grădinărit. Noua serie continuă această temă, cu aluzii la rubarbă, lacuri unduitoare și coasta Maine-ului.

Dar Stockman și-a propus o nouă provocare: să lase vizibile urmele procesului ei creativ. „Vreau ca munca, deciziile, chiar și greșelile să fie vizibile”, spune ea. Mai puțin lustruite, mai mult ca viața însăși. În Ipswich, una dintre cele mai mari lucrări noi, cu o înălțime de șapte picioare, marginea pulsând în roșu, roz și alb dezvăluie lovituri de pensulă crude. „Acum câțiva ani, poate aș fi estompat toate astea”, recunoaște ea.

Deși picturile ei au o înclinație geometrică, ele emană o căldură manuală care se apreciază cel mai bine în persoană. „Stând în fața lor, nu poți să nu observi ușoara tremurare a liniilor—ca la o Agnes Martin”, spune Charlie Moffett, care i-a oferit Stockman prima ei expoziție solo când și-a deschis galeria în 2018. El a fost un susținător devotat de când s-au cunoscut prin prieteni acum peste un deceniu. „Îmi amintesc că am sunat-o când eram încă la Sotheby’s, spunându-i că nu voi deschide galeria decât dacă ea acceptă să fie prima mea expoziție.”

De atunci, lucrările lui Stockman au apărut în expoziții solo și de grup în întreaga lume, de la Gagosian din Atena la Maison La Roche a lui Le Corbusier din Paris. „Ar fi putut rămâne în zona de confort—lucrările ei se vindeau”, notează Moffett. „Dar ea și-a pus singură provocări, experimentând cu noi palete și forme. Nu este ușor pentru un artist tânăr și deja de succes.”

---

Spune-mi dacă dorești alte rafinări!

2024. Ed Mumford. Courtesy of Charles Moffett.

Încă de la o vârstă fragedă, Lily Stockman a fost captivată atât de natură, cât și de artă. „În școala elementară, desenam cai peste tabelele mele de înmulțire, iar în liceu, am avut probleme pentru că tăiam desene în iarbă cu mașina de tuns iarba”, își amintește ea. În timpul studiilor de licență la Harvard, unde a studiat arta, a găsit inspirație în excursiile de clasă la Muzeul Fogg. „Conservatorii ne arătau tablouri de altar renascentiste pe care le văzusem doar în diapozitive”, spune ea. Deși stilul ei este contemporan, este bogat în ecouri ale artei istorice.

Lucrările ei poartă și subtonuri profund personale—chiar și atunci când povestea completă nu este imediat clară pentru ea. Luați Ipswich, o pictură cu inele unduitoare de albastru și indigo încadrate de o margine roșie. Stockman își amintește de un profesor care locuia într-o casă în stil Cape Cod lângă mlaștinile din Boston. „Aveam cine lungi acolo, privind cum fluxul acoperea iarba din mlaștină, apoi se retrăgea, lăsând în urmă smocuri catifelate în noroi”, spune ea. Mai târziu, a dat peste vechi fotografii alb-negru cu iarbă tăiată și stivuită pentru vite—„ca un răspuns al New England-ului la snopii lui Monet”. Abia atunci și-a conectat pictura la copilăria petrecută pe o fermă de fân. „Aceste forme apar adesea din ceva îngropat în subconștientul meu. Abia când iau formă pe pânză le înțeleg.”

Dar nu doar formele fac picturile lui Stockman atât de impresionante—ci și culoarea, vibrantă și armonioasă, într-un mod care este și exaltant, și liniștitor. „Ea este o coloristă extraordinară”, spune curatorul Helen Molesworth, care o va include pe Stockman într-o expoziție viitoare la David Zwirner despre o nouă generație de artiști ai luminii și spațiului din California. Înainte de studii postuniversitare la NYU, Stockman a petrecut un an în Jaipur, studiind pictura miniaturală Mughal, o experiență care i-a adâncit venerația pentru culoare—de la materiile prime, cum ar fi lapis lazuli măcinat în ultramarin, până la puterea anumitor combinații.

Lily Stockman, Love Letter, 2024. Ed Mumford. Courtesy of Charles Moffett.

Dintre toate pasiunile ei, grădinăritul poate fi cel mai formator—și cea mai bună metaforă pentru munca ei. „Este limba mea maternă pentru a marca timpul”, spune ea. Când am vorbit la începutul verii, ea a observat schimbările de culori și mirosuri din grădina ei: irișii care se estompau, trandafirii care înfloreau proaspăt. Mama ei i-a introdus teoria culorilor prin flori, ducând-o în copilărie la una dintre puținele grădini din SUA proiectate de Gertrude Jekyll. Jekyll trata plantele ca pe vopsea, aranjând albastru deschis și lavandă la marginea grădinii pentru a estompa granița dintre pământ și cer.

Totuși, grădinile, ca și viața, sunt fragile. „O petală de trandafir poate fi excepțională, dar poate fi și patată”, observă Molesworth. „Stockman se confruntă cu această dualitate—atât în artă, cât și în viață.” De aceea, acceptarea imperfecțiunii în noile ei lucrări pare atât de exaltantă. Tremurarea unei linii, patul unei petale, marginea descoperită a unei pagini de carte—acestea sunt semnele a ceva viu, ceva care strălucește prin utilizare.