Indigo De Souza canta em sua faixa "Heartthrob", um hino ousado sobre ser explorada em seus anos mais jovens: "Não sabia a diferença entre amar e ser assombrada". Com melodias pop grandiosas, ela recupera poderosamente sua autonomia, repetindo a linha desafiante: "Eu realmente dei tudo de mim". Essa música é o primeiro single de Precipice, seu quarto e mais polido álbum pop até hoje.

O título do álbum surgiu inesperadamente para a artista, baseada na Carolina do Norte, enquanto trabalhava com o produtor Elliott Kozel (conhecido por colaborações com SZA e Finneas). "Estávamos escrevendo mais músicas do que precisávamos", ela lembra. "Encontrei um refrão antigo que escrevi de mau humor—guardado em alguma pasta. A palavra 'precipice' de repente pareceu certa, mesmo que eu nunca a tivesse usado antes". Para De Souza, simbolizava estar à beira de uma mudança sem saber exatamente o que estava por vir.

A química criativa entre eles foi imediata. De Souza, conhecida por seu som indie cru, há muito desejava explorar territórios pop mais profundos. O que começou como sessões casuais em Los Angeles rapidamente se transformou em Precipice—11 faixas dinâmicas que misturam suas letras francas sobre saúde mental, amor e autorreflexão com uma energia pop vibrante. Mesmo após terminar o álbum, eles continuaram gravando sempre que ela visitava LA a partir de sua pequena cidade natal nas montanhas.

No outono passado, o furacão Helene destruiu a casa e os pertences de De Souza, poupando apenas um violão, um laptop e algumas lembranças salvas por colegas de casa. De volta a LA, ela canalizou a experiência em um projeto totalmente separado—um trabalho mais grunge, centrado no violão, com baladas melancólicas. Ela também tem outro álbum concluído, mais voltado para um "country experimental".

Quando menciono como deve ser estranho ver arte nascida de emoções intensas surgir fora de ordem, ela ri: "Estou à mercê de como a indústria funciona". Mas Precipice marca um ponto de virada. "Tive tanta clareza ao fazer isso—entendendo minhas emoções de uma nova maneira", ela diz. "É aterrorizante, mas lindo. Estou abraçando o caos, e mesmo quando é confuso, essa visão me excita".

Abaixo, De Souza fala sobre música pop, encontrar comunidade em LA e não mais temer o desconhecido.

Vogue: Escrever sempre foi terapêutico para você? Ou às vezes é difícil porque a força a confrontar coisas que prefere evitar?

Indigo De Souza: Ambos, absolutamente. Às vezes as emoções fluem facilmente para a música, mas outras vezes eu resisto a escrever porque me faz encarar o que estou sentindo. Não consigo escrever de outro lugar que não seja um lugar emocional, então acabo procrastinando pegar o violão. Mas eu insisto—preciso.

Foto: Hannah SommerQuando me sinto emocional com algo, sei que tocar violão e escrever vai ajudar.

Dado tudo pelo que você passou, como se sente sobre seu trabalho anterior agora?
Todos os meus álbuns anteriores são especiais para mim de maneiras diferentes—a música é profundamente pessoal. Cada álbum parece distinto do anterior, como se eu estivesse constantemente mudando minha abordagem de escrita. Às vezes, quando ouço de volta, é quase surreal—nem sempre lembro de escrever certas músicas ou o que estava tentando transmitir. Pegue Always, por exemplo—é tão intenso, e a versão ao vivo é muito específica, com muitos gritos. O processo por trás disso está nebuloso agora. Estou totalmente presente com as músicas que estou fazendo, mas as mais antigas parecem fantasmas.

Not Afraid foi a primeira música escrita para Precipice. Quais emoções você estava canalizando?
Honestamente, só queria me conectar com Elliot e impressioná-lo. Na primeira hora, soube que ele era especial—amei sua energia e fluxo de trabalho. Nunca tinha feito uma sessão às cegas antes, mas nos demos bem instantaneamente. Queria trazer minhas letras e meu eu mais ousados, e ele me fez sentir segura o suficiente para isso.

Heartthrob foi o primeiro single, com uma narrativa poderosa sobre ser explorada como uma jovem mulher. Como essa música se desenvolveu?
Fui cuidadosa sobre como discutir essa música sem ser muito gráfica ou desencadeadora. É baseada em uma experiência pessoal da minha juventude, mas queria falar sobre uma realidade coletiva—especialmente para mulheres—de ser jovem e manipulada por alguém mais velho. Transformar esse sentimento de aprisionamento em algo alto e poderoso foi libertador.

Crush e Heartbreaker parecem músicas gêmeas—uma sobre a emoção de um novo crush, a outra sobre a dor que pode seguir. Como você organizou o álbum?
Na verdade, este foi o álbum mais fácil para eu sequenciar, embora geralmente seja difícil. Você está certo—essas duas músicas são sobre a mesma pessoa e as emoções que eu estava sentindo.

Este álbum mistura suas raízes centradas no violão com sons mais pop. Por que explorar o pop agora?
Parte da razão pela qual vim para LA e trabalhei com produtores diferentes foi porque sempre quis fazer música pop—mas com letras profundas e significativas. Pop é meu gênero favorito. Foi refrescante mergulhar nele no estúdio, já que geralmente lido com emoções pesadas e catárticas. Não que o pop não seja emocional—é—mas há uma alegria específica nele que eu quis capturar.

Elliott não é um produtor pop, o que me deixou hesitante no início. Mas meu desejo de fazer pop e sua versatilidade como produtor criaram algo especial.

Que tipo de pop você ama?
Sou obcecada por pop impactante, brilhante e energético que parece romântico. Mura Masa é um colaborador dos sonhos—assim como Charli XCX e Caroline Polachek.

Pode me contar sobre a capa? Sei que sua mãe as cria. Esta—com a criatura esquelética na água—é impressionante.
Quero que cada capa mostre o personagem envelhecendo. Este disco é mais brilhante e claro do que qualquer coisa que já fiz—o som é nítido e potente. Me fez pensar em um recife de coral vibrante, esse mundo colorido subaquático. O esqueleto representa algo cru por trás da beleza. A palavra "precipice" aqui representa estar preso entre dois mundos—como entrar e sair da água.

Como sua ideia de lar e comunidade mudou?
Ainda sinto que estou à beira de algo completamente novo—não sei como vai se desdobrar. Passei toda a vida em pequenas cidades da Carolina do Norte, então me mudar para LA foi um grande salto fora da minha zona de conforto. Mas tem sido incrivelmente recompensador para minha arte. Aqui, posso fazer música quando quiser, e meus colaboradores moram logo ali. É um espaço energético e criativo para mim.

Na Carolina do Norte, minha comunidade estava profundamente enraizada na terra—pequena, íntima e cheia de nuances. Nos reuníamos ao redor de fogueiras, íamos caminhar. Para meu aniversário recente, fizemos uma cerimônia em um campo e comemos bolo sob as estrelas, cantando e compartilhando palavras. Agora, estou aprendendo a apreciar diferentes tipos de comunidade e abraçar o que LA oferece. Sou inspirada pela ambição aqui—pessoas buscando ser suas melhores versões, constantemente refinando seu ofício. É lindo.

Este é seu primeiro álbum desde o diagnóstico de transtorno de personalidade borderline. Como dar um nome a isso moldou sua arte?
Ter um diagnóstico—saber que há uma estrutura e recursos para como me sinto—foi fundamental. Estou em um ótimo grupo de DBT (Terapia Comportamental Dialética) aqui em LA, e acho que você pode ouvir essa nova clareza na minha música. Antes, muitas vezes me sentia perdida. As coisas ainda são complicadas, mas tenho mais estabilidade agora ao criar.

O que tem te inspirado ultimamente?
No momento, estou deixando meu cérebro derreter com esta temporada de Love Island… mas, honestamente, o que mais me inspira é a experiência humana. Seja reality TV ou uma conversa profunda à beira do lago observando gansos, tudo me alimenta.

(Esta conversa foi editada e condensada.)