Nessuno si ferma a uno stop e pensa: "Ma quando lo ridisegnano? È così vecchio!". Lo ha detto Susan Kare, l'artista e graphic designer americana, durante un panel sulla design a Parigi per la popolare azienda di sicurezza digitale Ledger. Kare, famosa per il suo lavoro pionieristico in Apple – dove ha disegnato molte delle prime e durature icone bitmap e font dell'azienda – è stata assunta da Ledger per aggiungere un tocco grafico amichevole attraverso elementi plug intercambiabili sul suo nuovissimo dispositivo di archiviazione, il Nano Gen5.

Ledger impiega anche Ian Rogers, precedentemente Chief Digital Officer di LVMH e anche lui veterano di Apple. Ora, come Chief Experience Officer di Ledger, mi ha detto poco prima del panel che "più tempo passiamo con la tecnologia, più daremo valore alla connessione umana. Non ci si innamora di un robot – ci si innamora di una persona".

Entrambi esprimevano lo stesso pensiero: che le cose che sembrano essenziali per la vita umana – esperienze lontane dagli schermi – sono ancora cruciali per il design, anche se la tecnologia diventa più pervasiva. Appropriatamente, il Design Miami.Paris di quest'anno, che insieme ad Art Basel è un fulcro della settimana annuale di arte e design di ottobre a Parigi, segna il primo coinvolgimento diretto di Apple nell'evento. Il brand ha ingaggiato quattro artisti per una serie intitolata "Designers of Tomorrow", con la particolarità che ciascuno ha utilizzato un iPad per creare le proprie opere.

Naturalmente, la grande tecnologia influenza quasi ogni discussione oggi, con il suo codice incorporato in tutto. Tuttavia, da una prospettiva del design, sembra esserci un crescente ritorno al comportamentale, all'emotivo, al biologico e persino al nostalgico. Gli approcci artigianali sono in voga da tempo, ma ciò che ho osservato a Parigi sembrava distinto: un'estetica radicata nell'esperienza reale. Mentre il mondo corre avanti con crypto, AI e computing quantistico, il design sta piacevolmente riscoprendo il suo fascino intrinsecamente umano.

Harry Nuriev, noto per il suo stile tech-inspired con elementi cromo e ultra-moderni, ha creato un'installazione sulla Rive Gauche parigina chiamata Objets Trouvés. Espone file di scatole di alluminio piene di ciò che sembra spazzatura – una racchetta da tennis rotta, una borsa di tela consumata. Per entrare, devi contribuire con un oggetto, e per uscire, devi prenderne uno. Ho donato una pulita maglietta da yoga che avevo nella borsa e ho preso un CD "Hits of the 1960s". All'uscita, i membri dello staff certificano lo scambio e forniscono un certificato di autenticità. Era l'arte più analogica e low-tech che abbia incontrato a Parigi, in netto contrasto con l'approccio forward-looking di Nuriev. E sì, non c'è niente di più umano che curiosare in un mercato, anche se questa installazione era lontana da un tipico bazaar o mercatino delle pulci.

La galleria milanese Nilufar ha esposto i design di illuminazione di Audrey Large nella sua mostra al Design Miami.Paris, e sono stranamente, magneticamente belli. Non sono sicuro se Large intendesse evocare un polmone, ma è impossibile non vederlo e, in un certo senso, sentirlo. Mi sono trovato a guardare il bagliore dorato delle forme oblunghe, concentrandomi sul respiro e sentendomi centrato nel momento. Mi piacerebbe averlo come promemoria quotidiano a casa. Era il mio pezzo preferito dell'evento.

L'installazione del designer con base a Maui James de Wulf al Design Miami.Paris è un tavolo da ping-pong e da pranzo che funge anche da bagno sonoro, guadagnando un premio "Best in Show" dai giudici della fiera. Quando si gioca, piastre metalliche finemente sintonizzate producono una riverberazione che ricorda le campane della chiesa o un organo. È una sensazione insolita, sia da sentire che da percepire, eppure mi ha riportato alla memoria le notti d'estate a giocare a ping-pong con mio nonno – molto prima dell'era della tecnologia avanzata. I cellulari erano ovunque.

Una libreria brasiliana di Charlotte Perriand e Saint Laurent, fotografata da Nicolas Bergerot, ha debuttato al Salone del Mobile. È così striking che merita una menzione, e la sua storia si adatta al tema: Perriand originariamente disegnò alcuni di questi pezzi come oggetti funzionali one-off, senza mai intenderli per la produzione di massa. La "Libreria Rio de Janeiro" del 1962 ne è un esempio perfetto – la sua forma a blocchi riecheggia i motivi a mosaico delle passerelle di Ipanema e Copacabana. Perriand la creò per l'appartamento di suo marito Jacques Martin a Rio, immaginandola come un pezzo unico per contenere libri, esporre arte, sostenere lampade e altro. È un notevole esempio di design con un tocco umano, e ora Saint Laurent, guidato da Anthony Vaccarello, l'ha riproposta in un'edizione limitata.

Al Design Miami di Parigi, il designer Duyi Han ha presentato uno specchio a forma di tavola da surf finanziato da Apple. Si apre come un medaglione ed è stato creato utilizzando l'AI. Ironia della sorte, il design ritrae vividamente un corpo umano e pensieri scritti a mano – uno recita: "Il tuo sistema nervoso è la tua prima lingua". Ho passato molto tempo a guardarlo, attratto dal contrasto tra il suo aspetto handmade e il suo processo di sviluppo digitale. Tra le opere commissionate da Apple, il pezzo di Han si è distinto come il più avvincente.

Domande Frequenti
Ecco un elenco di FAQ utili e concise sull'interazione tra tecnologia e tocco umano durante la Settimana dell'Arte e del Design di Parigi.

Domande Generali e per Principianti

1. Cos'è la Settimana dell'Arte e del Design di Parigi?
È un importante evento annuale a Parigi che riunisce gallerie, musei, designer e artisti per mostrare le ultime tendenze e creazioni nell'arte e nel design contemporanei.

2. Perché le grandi aziende tech sono a un evento d'arte e design?
Partecipano per mostrare come la tecnologia, come l'AI, la realtà virtuale e la fabbricazione digitale, possa essere utilizzata come nuovo strumento e medium per l'espressione creativa, posizionandosi all'avanguardia dell'innovazione.

3. Cosa significa "tocco umano" in questo contesto?
Si riferisce agli elementi che la tecnologia non può replicare da sola: la visione unica dell'artista, la profondità emotiva, l'imperfezione di un oggetto artigianale e l'esperienza personale e tangibile di vedere l'arte di persona.

4. La tecnologia non sta rendendo l'arte meno umana?
Non necessariamente. In questo evento, la tecnologia è spesso usata come uno strumento per potenziare la creatività umana, non per sostituirla. Permette agli artisti di esplorare nuove forme e idee che altrimenti non sarebbero possibili.

Domande Approfondite e Avanzate

5. Puoi fare un esempio di tecnologia e tocco umano che lavorano insieme all'evento?
Potresti vedere una scultura digitale generata da AI che viene poi realizzata fisicamente da un maestro artigiano, o un'esperienza VR che racconta una storia umana profondamente personale. La tecnologia fornisce il "come", ma l'artista fornisce il "perché".

6. Qual è il vantaggio principale di questa collaborazione?
Spinge i confini di ciò che l'arte e il design possono essere. Crea esperienze e oggetti completamente nuovi che sono sia tecnologicamente avanzati che emotivamente risonanti, attirando un pubblico più ampio e diversificato.

7. Qual è una critica comune o un problema con la presenza della tecnologia?
Alcuni critici ritengono che possa eclissare gli artisti emergenti che mancano di finanziamenti tecnologici, o che il fattore "wow" della tecnologia a volte possa distrarre dal messaggio artistico e sembrare impersonale.

8. Come può un visitatore capire se un'opera d'arte ha un genuino tocco umano?
Cerca la storia dietro il pezzo. Trasmette un'emozione o una prospettiva personale? Nota i dettagli: ci sono leggere imperfezioni, trame o scelte che sembrano intuitive piuttosto che puramente algoritmiche? I pezzi migliori ti fanno dimenticare la tecnologia e ti concentrano sul sentimento.