"Niemand hält an einem Stoppschild an und denkt: 'Wann werden die das neu gestalten? Das ist so alt!'" Das sagte Susan Kare, die amerikanische Künstlerin und Grafikdesignerin, während eines Design-Panels in Paris für das beliebte Cybersicherheitsunternehmen Ledger. Kare, berühmt für ihre bahnbrechende Arbeit bei Apple – wo sie viele der frühesten und langlebigsten Bitmap-Icons und Schriftarten des Unternehmens entwarf – wurde von Ledger engagiert, um durch austauschbare Steck-Elemente eine freundliche grafische Note auf dessen neuestem Speichergerät, dem Nano Gen5, hinzuzufügen.

Ledger beschäftigt auch Ian Rogers, der zuvor Chief Digital Officer bei LVMH war und ein weiterer Apple-Veteran ist. In seiner Rolle als Chief Experience Officer von Ledger erwähnte er mir gegenüber kurz vor dem Panel: "Je mehr Zeit wir mit Technologie verbringen, desto mehr werden wir menschliche Verbindungen schätzen. Man verliebt sich nicht in einen Roboter – man verliebt sich in einen Menschen."

Beide drückten denselben Gedanken aus: Dass die Dinge, die sich wesentlich für das menschliche Leben anfühlen – Erlebnisse abseits von Bildschirmen – auch bei zunehmender Verbreitung von Technologie entscheidend für Design bleiben. Passenderweise markiert die diesjährige Design Miami.Paris, die neben der Art Basel ein Herzstück der jährlichen Pariser Kunst- und Designwoche im Oktober ist, die erste direkte Beteiligung Apples an der Veranstaltung. Die Marke engagierte vier Künstler für eine Reihe mit dem Titel "Designers of Tomorrow" mit der Maßgabe, dass jeder für seine Werke ein iPad verwendete.

Sicherlich beeinflusst Big Tech heute fast jede Diskussion, ihr Code steckt in allem. Doch aus Design-Perspektive scheint es eine wachsende Rückbesinnung auf Verhalten, Emotionen, Biologie und sogar Nostalgie zu geben. Handwerkliche Ansätze sind seit einiger Zeit im Trend, aber was ich in Paris beobachtete, fühlte sich anders an: eine Ästhetik, die in realen Erfahrungen verwurzelt ist. Während die Welt mit Krypto, KI und Quantencomputing voranstürmt, entdeckt das Design erfreulicherweise seinen inhärent menschlichen Charme neu.

Harry Nuriev, bekannt für seinen technikinspirierten Stil mit Chrom und ultramodernen Elementen, hat eine Installation namens Objets Trouvés am linken Seine-Ufer geschaffen. Sie zeigt Reihen von Aluminiumboxen, gefüllt mit Dingen, die wie Gerümpel aussehen – ein kaputter Tennisschläger, eine abgenutzte Tragetasche. Zum Betreten muss man einen Gegenstand beisteuern, zum Verlassen einen mitnehmen. Ich spendete ein sauberes Yoga-T-Shirt aus meiner Tasche und nahm eine CD "Hits der 1960er" mit. Beim Verlassen bescheinigen Mitarbeiter den Austausch und stellen ein Echtheitszertifikat aus. Es war die analogste, low-techste Kunst, der ich in Paris begegnete, und stand in starkem Kontrast zu Nurievs zukunftsorientiertem Ansatz. Und ja, nichts ist menschlicher, als auf einem Markt zu stöbern, selbst wenn dieses Arrangement weit von einem typischen Basar oder Flohmarkt entfernt war.

Die Mailänder Nilufar Gallery präsentierte in ihrer Design Miami.Paris-Ausstellung die Leuchtendesigns von Audrey Large, und sie sind seltsam, magnetisch schön. Ich bin nicht sicher, ob Large eine Lunge evozieren wollte, aber es ist unmöglich, sie nicht zu sehen und in gewisser Weise zu fühlen. Ich starrte auf das goldene Leuchten der länglichen Formen, konzentrierte mich auf meinen Atem und fühlte mich im Moment zentriert. Ich würde das gerne als tägliche Erinnerung zu Hause haben. Es war mein Lieblingsstück der Veranstaltung.

Die Installation des auf Maui ansässigen Designers James de Wulf bei Design Miami.Paris ist ein Tischtennis- und Esstisch, der auch als Klangbad dient und mit einem "Best in Show"-Preis der Messejury ausgezeichnet wurde. Beim Spielen erzeugen fein abgestimmte Metallplatten eine Nachhallwirkung, die an Kirchenglocken oder eine Orgel erinnert. Es ist ein ungewöhnliches Gefühl, sowohl akustisch als auch haptisch, doch es weckte Erinnerungen an Sommerabende, an denen ich mit meinem Großvater Tischtennis spielte – lange vor der Ära fortschrittlicher Technologie. Handys waren überall.

Ein brasilianisches Bücherregal von Charlotte Perriand und Saint Laurent, fotografiert von Nicolas Bergerot, feierte auf dem Salone del Mobile Premiere. Es ist so auffällig, dass es eine Erwähnung verdient, und seine Geschichte passt zum Thema: Perriand entwarf einige dieser Stücke ursprünglich als Unikate für den Gebrauch, nie für die Massenproduktion gedacht. Das "Rio de Janeiro Bücherregal" von 1962 ist ein perfektes Beispiel – seine klobige Form spiegelt die Mosaikmuster der Promenaden von Ipanema und Copacabana wider. Perriand schuf es für die Wohnung ihres Mannes Jacques Martin in Rio, als einzigartiges Stück zum Aufbewahren von Büchern, Präsentieren von Kunst, Aufstellen von Lampen und mehr. Es ist ein bemerkenswertes Beispiel für Design mit menschlicher Note, und nun hat Saint Laurent unter Anthony Vaccarello es in einer limitierten Auflage wiederbelebt.

Bei der Design Miami in Paris präsentierte der Designer Duyi Han einen surfbrettförmigen Spiegel, finanziert von Apple. Er öffnet sich wie ein Medaillon und wurde mit KI erstellt. Ironischerweise zeigt das Design lebhaft einen menschlichen Körper und handgeschriebene Gedanken – einer lautet: "Dein Nervensystem ist deine erste Sprache." Ich verbrachte viel Zeit damit, ihn zu betrachten, angezogen vom Kontrast zwischen seinem handgemachten Aussehen und seinem digitalen Entwicklungsprozess. Unter den von Apple in Auftrag gegebenen Werken stach Hans Stück als das faszinierendste hervor.

Häufig gestellte Fragen
Natürlich. Hier ist eine Liste hilfreicher und prägnanter FAQs zum Zusammenspiel von Technologie und menschlicher Note während der Pariser Kunst- und Designwoche.

Allgemeine / Einsteigerfragen

1. Was ist die Pariser Kunst- und Designwoche?
Es ist ein großes jährliches Event in Paris, bei dem Galerien, Museen, Designer und Künstler zusammenkommen, um die neuesten Trends und Kreationen in zeitgenössischer Kunst und Design zu präsentieren.

2. Warum sind große Technologieunternehmen auf einer Kunst- und Designveranstaltung?
Sie nehmen teil, um zu zeigen, wie Technologien wie KI, Virtual Reality und digitale Fertigung als neue Werkzeuge und Medien für kreativen Ausdruck genutzt werden können, und positionieren sich so an der Spitze der Innovation.

3. Was bedeutet "menschliche Note" in diesem Zusammenhang?
Es bezieht sich auf die Elemente, die Technologie allein nicht replizieren kann: die einzigartige Vision des Künstlers, emotionale Tiefe, die Unvollkommenheit eines handgefertigten Objekts und die persönliche, greifbare Erfahrung, Kunst live zu betrachten.

4. Macht Technologie Kunst nicht weniger menschlich?
Nicht unbedingt. Bei dieser Veranstaltung wird Technologie oft als Werkzeug eingesetzt, um menschliche Kreativität zu erweitern, nicht zu ersetzen. Sie ermöglicht Künstlern, neue Formen und Ideen zu erkunden, die sonst nicht möglich wären.

Vertiefte / Fortgeschrittene Fragen

5. Können Sie ein Beispiel für das Zusammenwirken von Technologie und menschlicher Note auf der Veranstaltung nennen?
Man könnte eine KI-generierte digitale Skulptur sehen, die dann von einem Meisterhandwerker physisch gefertigt wird, oder ein VR-Erlebnis, das eine zutiefst persönliche menschliche Geschichte erzählt. Die Technik liefert das "Wie", aber der Künstler liefert das "Warum".

6. Was ist der Hauptvorteil dieser Zusammenarbeit?
Sie erweitert die Grenzen dessen, was Kunst und Design sein können. Sie schafft völlig neue Erfahrungen und Objekte, die sowohl technologisch fortschrittlich als auch emotional ansprechend sind und ein breiteres, diverseres Publikum anziehen.

7. Was ist eine häufige Kritik oder ein Problem mit der Präsenz von Technologie?
Einige Kritiker befürchten, dass sie aufstrebende Künstler ohne Technologie-Finanzierung überschatten kann oder dass der "Wow"-Effekt der Technologie manchmal von der künstlerischen Botschaft ablenken und sich unpersönlich anfühlen kann.

8. Wie kann ein Besucher erkennen, ob ein Kunstwerk eine echte menschliche Note hat?
Achten Sie auf die Geschichte hinter dem Werk. Vermittelt es eine persönliche Emotion oder Perspektive? Beachten Sie die Details – gibt es leichte Unvollkommenheiten, Texturen oder Entscheidungen, die intuitiv rather than rein algorithmisch wirken? Die besten Stücke lassen einen die Technik vergessen und sich auf das Gefühl konzentrieren.