Si les premiers disques de Remi Wolf étaient des kaléidoscopes de pop indé maximaliste teintée de funk et de paroles surréalistes, Mud marque un virage vers quelque chose de plus mature et ancré—tout à fait littéralement, puisque la pochette de l'album montre la chanteuse-compositrice californienne rayonnante à travers un masque de vraie boue.
L'année précédente avait été un tourbillon : Wolf avait sorti son excellent deuxième album, Big Ideas, et élargi sa propre tournée en assurant la première partie d'Olivia Rodrigo, mais elle avait aussi traversé une rupture majeure et fini complètement épuisée. Les graines du nouvel album ont été plantées lors d'une retraite de deux semaines à Nashville fin 2024, où Wolf s'est lancée dans l'expansion de son univers créatif en écrivant avec de parfaits inconnus. Nashville a produit quelques étincelles—dont le morceau euphorique et teinté de country « Champagne »—mais cela lui a aussi fait réaliser qu'elle avait vraiment besoin de construire son propre sanctuaire.
Alors Wolf a assemblé ce qu'elle appelle affectueusement son « groupe familial », un cercle intime composé de son collaborateur de longue date Jared Solomon, son ami auteur-compositeur Jack DeMeo, et sa belle-sœur Gigi. Ensemble, ils se sont retirés dans un chalet confortable en rondins à Big Bear, en Californie, puis plus tard dans les grands espaces de Joshua Tree, écrivant dans des salons au lieu de studios d'enregistrement. Wolf a assumé le rôle de « mère de maison », cuisinant le petit-déjeuner et le dîner pour le groupe pendant qu'ils travaillaient.
L'objectif était simple dès le départ : chaque piste devait être assez solide pour être chantée autour d'un feu de camp avec une guitare acoustique et une harmonie à trois voix, tout en reflétant honnêtement le désarroi émotionnel de Wolf. (Elles devaient aussi avoir des mélodies impossibles à oublier—avec Mud, Wolf prouve une fois de plus que peu d'artistes ont l'oreille pour un refrain comme la sienne.)
Mais la véritable percée est venue aux légendaires Electric Lady Studios de Manhattan, où Wolf et son équipe ont écrit « Covered in Mud » et l'euphorique « Bottle », débloquant un univers sonore qu'elle décrit comme moitié « boue émotionnelle » et moitié « Ascension de Bob l'éponge ». À travers un album rempli de tubes—du chant brut et puissant de « Jamie » aux confessions meurtries et grattées à la guitare de « Guess »—Wolf retrace son retour de Saturne à travers le chagrin d'amour, l'alcoolisme, une dépression, et retour, trouvant finalement une joie contagieuse et viscérale qui rayonne depuis l'émerveillement naïf de « Moon So High », avec John Mayer, et l'extase de l'abandon total sur « Covered in Mud ». Comme le dit Wolf : « Il y a une liberté à être couvert de boue et à succomber complètement à ce que l'on ressent vraiment. »
Vogue : Parlez-moi un peu plus de la période où vous avez commencé à écrire l'album. D'après ce que j'ai lu, il y a eu des hauts très hauts et des bas très bas, et tout a commencé vers le moment où vous terminiez la tournée de Big Ideas.
Remi Wolf : La première session d'écriture a commencé en novembre 2024. J'étais encore en tournée pour Big Ideas, mais j'avais une courte pause, et je me sentais vraiment épuisée, perdue et confuse dans ma propre vie. Je voulais trouver un nouveau chemin musical pour moi-même, et l'écriture a toujours été la chose la plus thérapeutique et apaisante pour moi. Je sentais que j'avais juste besoin d'entrer en studio et de purger beaucoup de sentiments latents que je portais depuis un moment. Alors j'ai décidé d'aller à Nashville, où je n'avais jamais travaillé auparavant. Je veux toujours aborder un nouveau projet avec une nouvelle ambiance, donc je suis allée à Nashville pendant deux semaines et j'ai écrit avec une nouvelle personne chaque jour. Dans ce processus, j'ai rencontré mes amis Jamie et Hank. Le tout premier jour où j'étais là-bas, nous avons écrit « Champagne », qui figure sur l'album. Ils sont finalement devenus des amis vraiment, vraiment proches et ont travaillé sur une grande partie de l'album avec moi. Ce voyage a été comme la première graine de ce que l'album pourrait éventuellement être.
Mais quand j'ai commencé à écrire, j'étais juste très fragile, épuisée et vulnérable, alors j'ai décidé que je n'avais pas l'énergie d'être entourée de quiconque sauf des personnes qui étaient mes meilleurs amis véritables. Dans le processus, nous avons créé ce groupe familial. Être entourée de mes meilleurs amis me permettait d'être aussi fragile que je l'étais sans me sentir insecure ou bizarre à ce sujet. Cela semble contre-intuitif, mais c'était le plus amusant que j'aie jamais eu en écrivant un album. Même si les chansons sont profondes et tristes et que je traite de vrais problèmes, c'était incroyablement amusant d'écrire avec eux. Cela a ressenti comme un processus incroyable, apaisant et purifiant.
Cet esprit de groupe familial est resté avec vous tout au long de vos voyages—vous êtes tous allés à Big Bear, avez passé du temps à New York, puis avez fait un dernier voyage à Joshua Tree. Comment ces trois endroits différents—le lac, la ville et le désert—ont-ils façonné l'album final ?
Presque toujours quand j'écris un album, je veux délibérément m'éloigner de mon environnement quotidien parce que cela vous donne de la perspective et de l'inspiration. Avec Big Bear et Joshua Tree, je voulais quitter LA mais ne pas aller trop loin, et je voulais vraiment être dans une maison. Je voulais que ce soit une expérience chaleureuse où je pouvais cuisiner pour tout le monde, traîner dans un salon, et ne pas avoir à conduire au studio chaque jour. Nous allions tous nous coucher en même temps et nous réveiller en même temps. Je préparais le petit-déjeuner, je préparais le dîner—je suis devenue une vraie mère de maison. Cela a créé un environnement vraiment confortable pendant que nous écrivions ces chansons intensément émotionnelles.
J'ai choisi Big Bear parce qu'à l'époque j'étais vraiment attirée par les arbres ; je voulais juste me sentir ancrée. Nous avons fini par écrire dans un vrai chalet en rondins. Nous avons écrit « I Won't Cry » dans cet espace sous ces plafonds très hauts, et nous l'avons enregistré en une seule prise—ma voix aussi était en une seule prise. Je pense que la raison pour laquelle cela sonne si vulnérable est parce que nous le jouions littéralement ensemble dans une pièce. Et puis Joshua Tree—je n'étais jamais allée dans le désert auparavant, donc être sous ce vaste ciel avec toutes les étoiles était incroyable. Nous avons écrit « Moon So High » là-bas, littéralement en regardant la lune. Elle était si haute ! [Rires.] Puis Electric Lady à New York est mon chez-moi loin de chez moi. C'est un studio, mais c'est vraiment une seconde maison pour moi. En marchant dans la rue à New York, on voit les choses les plus aléatoires que l'on puisse rencontrer dans sa vie, donc j'adore toujours travailler là-bas. Mais vraiment, voyager avec mes meilleurs amis a été une expérience incroyablement fédératrice et ancrante. Après avoir été sur la route si longtemps, je désirais un sentiment de chez-soi et je voulais juste me sentir comme une personne normale à nouveau.
Vous avez mentionné qu'Electric Lady était l'endroit où vous avez débloqué le paysage sonore de l'album, surtout cette idée qu'il sonne « boueux ». Qu'est-ce que cela signifiait, exactement ?
À Electric Lady, nous avons écrit « Covered in Mud », qui est le morceau-titre. Cela semblait si libre mais si réel, et il avait cet élément narratif que j'essayais de débloquer depuis un moment. Juste après, je me suis dit, ok, je sais que l'album va s'appeler Mud. Cela semblait juste si approprié sur le moment. Puis deux jours plus tard, nous avons écrit « Bottle », et écrire ces deux morceaux dos à dos a débloqué ce sentiment que chaque chanson devrait avoir ce genre de ton émotionnel et boueux, comme si l'on pataugeait à travers ces sentiments. Pour moi, la boue est un sentiment que l'on ressent dans la musique. Et avec « Bottle », nous avons débloqué ce que nous aimons appeler l'Ascension de Bob l'éponge—je ne sais pas si vous connaissez ce meme de Bob l'éponge s'élevant dans le ciel avec ses écouteurs ? Quand nous avons écrit « Bottle », nous étions comme, « Oh, cela ressemble à Bob l'éponge qui monte au ciel. » Alors nous avons décidé que chaque chanson devrait ressembler à une ascension de Bob l'éponge à travers le temps et l'espace ! [Rires.] Elles devaient correspondre à ces deux paramètres. Débloquer cela à mi-parcours a rendu le reste du processus d'écriture tellement plus dirigé et facile.
Comment la collaboration avec John Mayer est-elle née ? Était-ce vraiment orchestré via des DM Instagram ?
Je veux dire, je suis fan de John depuis tellement putain de longtemps—il était en fait le premier concert auquel je suis allée, en co-tête d'affiche avec Sheryl Crow, qui sont tous les deux juste mes GOATs. Nous communiquions en ligne depuis cinq ans, et dès que nous avons écrit « Moon So High », je savais que je voulais que ce soit un duo, et je savais que je voulais que ce soit John. J'ai mijoté cela pendant deux mois, je le manifestais dans ma tête, et puis un jour j'ai juste eu le courage de lui envoyer un DM. Par chance, il a répondu en deux heures, et une semaine plus tard nous étions en studio. Travailler avec lui était putain de génial. En regardant les crédits, vous étiez en charge de l'art, vous avez co-dirigé la création, travaillé sur le design du packaging, et co-réalisé le clip de « Twiggy ». Qu'est-ce qui vous a poussée à prendre les rênes si complètement sur l'univers visuel cette fois-ci ? Ouais, j'ai vraiment tout pris en charge cette fois. J'ai toujours été très impliquée dans mon travail créatif, et j'ai toujours été une control freak, mais parce que cet album semblait si profondément personnel et vulnérable, je sentais que j'étais la seule à pouvoir raconter l'histoire visuelle. Dès que nous avons écrit « Covered in Mud », j'avais une image très forte de ce que je voulais que cela ressemble. J'avais toujours voulu réaliser entièrement des clips, mais peut-être que je n'avais pas l'énergie ou le temps avant, et cette fois je me suis dit : « Je vais me lancer. » J'ai fait appel à un de mes amis, Milo [Nicols], pour être mon conseiller et m'aider à réaliser le langage visuel, et il était incroyable. Nous sommes en quelque sorte le yin et le yang : il pense à l'univers visuel de manière très symbolique avec un œil vraiment artistique, et je suis en quelque sorte une fille qui fonce, où je veux juste que les vibes soient vraiment palpables et fortes. Je voulais faire confiance en moi-même, et je suis tellement heureuse de l'avoir fait. Je voulais être couverte de boue, et nous l'avons putain de fait. J'adore le fait que vous rayonniez sur la pochette de l'album. C'est un disque de rupture et il retrace beaucoup de turbulences émotionnelles, mais c'est aussi un disque sur votre retour de Saturne et cela semble finalement plein d'espoir. Vous êtes couverte de boue, mais vous souriez toujours. Exactement. Le disque a juste été une année où je me suis guérie en faisant de la musique. J'y suis entrée en me sentant très perdue, et j'en suis sortie en me sentant tellement sûre de moi et ancrée. C'est la belle chose à propos de la boue comme symbole : c'est sale, crasseux et dégoûtant, mais en même temps, il y a une vraie liberté à être couvert de boue et à succomber complètement à ce que l'on ressent vraiment et à assumer ses émotions. De plus, tant de belles choses poussent à partir de la boue—les fleurs, les arbres, tout naît de la terre. J'ai trouvé cette image en ligne d'un petit enfant qui était couvert de boue de la tête aux pieds, mais il rayonnait, tellement heureux d'être complètement dégoûtant. C'est un peu comme ça que je me sentais, et je voulais ce sentiment pour la pochette. Après ce disque, je me sentais vraiment comme un enfant nouveau-né—frais et heureux. Pensez-vous que ce sera étrange de monter sur scène et de canaliser à nouveau ces émotions difficiles lors de la tournée de ce disque ? Je pense que ce sera amusant ! Je suis tellement impatiente de faire la tournée de ce disque. Ce que je veux vraiment pour mon spectacle live, c'est emmener les gens à l'église émotionnelle. Je veux créer un espace où les gens peuvent vraiment tout lâcher et se sentir libres de crier, rire, pleurer de joie, pleurer de tristesse. Les concerts sont l'un des seuls espaces qu'il nous reste où nous pouvons tous vivre une chose ensemble en même temps et juste être présents. Je veux vraiment en profiter à fond et créer un espace où les gens se sentent connectés les uns aux autres et connectés à eux-mêmes dans un monde où il y a tant de distractions. C'est ma chose préférée dans le fait de se produire. Et je ne pense pas que ce sera difficile de canaliser les sentiments—ils sont dans mes os, et je suis prête à les chanter. Certains de ces arrangements vocaux, comme sur « Jamie », semblent être un véritable entraînement. Allez-vous devoir faire un entretien vocal intensif en tournée ? Ouais, je me rends toujours la tâche difficile ! Toutes mes chansons sont toujours tellement putain de techniquement difficiles, et ma coach vocale est constamment en colère contre moi, comme : « Pourquoi tu te fais ça à toi-même ? » Et je réponds : « Je ne sais pas, je suppose que parce que je peux ! » [Rires.] Mais tant que je m'échauffe chaque jour, je pense que ça ira. Enfin, comment prévoyez-vous de célébrer la sortie de l'album ? Rassemblez-vous le groupe familial ? Nous jouons un petit spectacle au Fonda à LA et au Webster Hall à New York, et le groupe live est pratiquement exclusivement composé des personnes avec qui j'ai fait l'album. Pour célébrer, nous jouerons le disque du début à la fin. Heureusement, presque tout le monde qui a travaillé sur cet album avec moi est aussi complètement sobre, donc nous serons tous juste heureux de trinquer les uns aux autres avec des boissons non alcoolisées. Après cela, nous trouverons probablement un jacuzzi quelque part à New York et nous nous y détendrons ensemble. Cette interview a été condensée et éditée pour plus de clarté.
Questions fréquentes
Voici une liste de FAQ sur l'album Big Ideas de Remi Wolf
Questions pour débutants
Q Quel est le nom du nouvel album de Remi Wolf
R L'album s'appelle Big Ideas Il est sorti en juillet 2024
Q Qui est Remi Wolf
R C'est une chanteuse et compositrice américaine connue pour mélanger pop funk soul et musique indé dans un son coloré et plein d'énergie
Q Que signifie gets down in the mud ici
R C'est une métaphore Cela signifie qu'elle explore des émotions désordonnées brutes et difficiles au lieu de rester polie ou optimiste tout le temps
Q Est-ce son premier album
R Non Son premier album était Juno Big Ideas est son deuxième album complet
Q Quel est le genre de l'album
R Il mélange pop funk soul rock et musique électronique C'est difficile à mettre dans une seule case
Q Combien de chansons y a-t-il dessus
R Il y a 13 pistes
Q Quelles sont quelques chansons marquantes
R Soup Motorcycle Toro Alone in Miami et Wave sont des favorites des fans
Questions intermédiaires
Q Pourquoi les gens l'appellent-ils son album triomphal
R Les critiques l'ont loué pour être audacieux personnel et aventureux sur le plan sonore Il montrait une croissance depuis ses débuts et a obtenu de bonnes critiques
Q Qu'est-ce qui fait que la production se démarque
R Elle est dense et ludique Les chansons changent de style en cours de piste en utilisant des instruments live des synthés et des effets vocaux pour garder les choses imprévisibles
Q Quels sont les thèmes principaux
R L'anxiété le chagrin d'amour la découverte de soi la fête la solitude et apprendre à accepter son propre désordre
Q L'album est-il bon pour une écoute occasionnelle
R Oui mais il récompense aussi une écoute attentive Les refrains sont accrocheurs mais les paroles et les arrangements ont de la profondeur
Q Y a-t-il des chansons lentes ou tristes
R Oui Des pistes comme Alone in Miami et Wave sont plus introspectives et plus lentes que les singles upbeat
Q Comment se compare-t-il à Juno
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