Om Remi Wolfs tidigare skivor var kalejdoskop av maximalistisk, funkdoftande indiepop och surrealistiska texter, markerar Mud en förskjutning mot något mer moget och jordnära – ganska bokstavligt, eftersom albumomslaget visar den Kalifornienfödda singer-songwritern strålande genom en mask av riktig lera.

Året innan hade varit en virvelvind: Wolf släppte sitt utmärkta andra album, Big Ideas, och utökade sin egen turné genom att öppna för Olivia Rodrigo, men hon gick också igenom en stor separation och blev till slut helt utbränd. Fröna till den nya skivan såddes under en två veckor lång retreat i Nashville i slutet av 2024, där Wolf gav sig ut för att expandera sin kreativa värld genom att skriva med fullständiga främlingar. Nashville producerade några gnistor – inklusive den euforiska, countrydoftande favoriten "Champagne" – men det fick henne också att inse att hon verkligen behövde bygga sin egen fristad.

Så Wolf samlade vad hon kärleksfullt kallar sitt "familjeband", en inre krets bestående av långvariga samarbetspartnern Jared Solomon, hennes låtskrivarvän Jack DeMeo och hennes svägerska Gigi. Tillsammans drog de sig tillbaka till en mysig timmerstuga i Big Bear, Kalifornien, och senare till de vidöppna vidderna i Joshua Tree, och skrev i vardagsrum istället för inspelningsstudior. Wolf tog på sig rollen som "husmamma", lagade frukost och middag åt gruppen medan de arbetade.

Målet var enkelt från början: varje spår måste vara tillräckligt robust för att kunna sjungas runt en lägereld med en akustisk gitarr och trestämmig harmonisång, samtidigt som det ärligt speglar Wolfs känslomässiga upplösning. (De måste också ha omöjligt catchy melodier – med Mud bevisar Wolf än en gång att få artister har ett öra för en hook som hon.)

Men det verkliga genombrottet kom på Manhattans legendariska Electric Lady Studios, där Wolf och hennes crew skrev "Covered in Mud" och den euforiska "Bottle", och låste upp en ljudvärld som hon beskriver som lika delar "känslomässigt slam" och "SpongeBob Ascension". Över ett album packat med heaters – från det råa, kraftfulla beltingen i "Jamie" till de blåslagna, gitarrnuddlande bekännelserna i "Guess" – kartlägger Wolf sin Saturnus återkomst genom hjärtesorg, alkoholism, en kollaps och tillbaka igen, och finner till slut en smittsam, benmärgsdjup glädje som strålar från den vidögda förundran i "Moon So High", med John Mayer, och extasen av total överlämnelse i "Covered in Mud". Som Wolf uttrycker det: "Det finns en frihet i att vara täckt av lera och helt ge efter för hur du verkligen känner."

Vogue: Berätta lite mer om perioden när du började skriva albumet. Av vad jag läste fanns det några ganska höga toppar och låga dalar, och allt började runt tiden du avslutade turnerandet av Big Ideas.

Remi Wolf: Den första skrivrundan började i november 2024. Jag var fortfarande på Big Ideas-turnén, men jag hade en kort paus, och jag kände mig verkligen utmattad, vilse och förvirrad i mitt eget liv. Jag ville hitta en ny musikalisk väg för mig själv, och att skriva har alltid varit det mest helande, terapeutiska för mig. Jag kände att jag bara behövde komma in i studion och rensa ut många latenta känslor som jag hade burit på ett tag. Så jag bestämde mig för att åka till Nashville, där jag aldrig hade arbetat tidigare. Jag vill alltid närma mig ett nytt projekt med en ny vibe, så jag åkte till Nashville i två veckor och skrev med en ny person varje dag. I den processen träffade jag mina vänner Jamie och Hank. Allra första dagen jag var där skrev vi "Champagne", som är med på skivan. De blev till slut riktigt, riktigt bra vänner och arbetade på mycket av albumet med mig. Den resan var som det första fröet till vad albumet möjligen kunde bli.

Men när jag började skriva var jag bara väldigt ömtålig, utmattad och sårbar, så jag bestämde mig för att jag inte hade energin att omges av någon annan än människor som var mina ärliga bästa vänner. I processen skapade vi detta familjeband. Att vara omgiven av mina bästa vänner och vara med dem tillät mig att vara så ömtålig som jag var utan att känna mig osäker eller konstig över det. Det låter kontraintuitivt, men det var det roligaste jag någonsin haft när jag skrivit ett album. Även om låtarna är djupa och sorgliga och jag hanterar verkliga problem, var det otroligt roligt att skriva med dem. Det kändes som en fantastisk, helande, renande process.

Den där familjebandsandan stannade hos dig genom dina resor – ni åkte alla till Big Bear, tillbringade tid i New York och tog sedan en sista resa till Joshua Tree. Hur formade de tre olika platserna – sjön, staden och öknen – den slutliga skivan?

Nästan alltid när jag skriver ett album vill jag medvetet komma bort från min dagliga miljö eftersom det ger dig perspektiv och inspiration. Med Big Bear och Joshua Tree ville jag lämna LA men inte åka för långt, och jag ville verkligen vara i ett hus. Jag ville att det skulle kännas som en hemtrevlig upplevelse där jag kunde laga mat åt alla, hänga i ett vardagsrum och inte behöva köra till studion varje dag. Vi gick alla och lade oss samtidigt och vaknade samtidigt. Jag lagade frukost, jag lagade middag – jag gick fullt ut som husmamma. Det skapade en riktigt bekväm miljö medan vi skrev dessa intensivt känslomässiga låtar.

Jag valde Big Bear för att jag vid den tiden drogs väldigt mycket till träden; jag ville bara känna mig jordnära. Vi skrev till slut i en riktig timmerstuga. Vi skrev "I Won't Cry" i det utrymmet under dessa riktigt höga tak, och vi spelade in det i en tagning – min sång var också en tagning. Jag tror att anledningen till att det låter så sårbart är att vi bokstavligen bara spelade det tillsammans i ett rum. Och sedan Joshua Tree – jag hade aldrig varit i öknen förut, så att vara under den vidsträckta himlen med alla stjärnor var fantastiskt. Vi skrev "Moon So High" där ute, bokstavligen bara tittade på månen. Den var så hög! [Skratt.] Sedan Electric Lady i New York är mitt hem borta från hemmet. Det är en studio, men det är verkligen ett andra hem för mig. När man går nerför gatan i New York ser man de mest slumpmässiga saker man någonsin kommer att stöta på i sitt liv, så jag älskar alltid att arbeta där. Men egentligen var det att resa runt med mina bästa vänner en så otroligt sammanbindande, jordnära upplevelse. Efter att ha varit på väg så länge längtade jag efter en känsla av hem och ville bara känna mig som en normal person igen.

Du nämnde att Electric Lady var där du låste upp albumets ljudlandskap, särskilt denna idé om att det låter "muddy". Vad betydde det exakt?

På Electric Lady skrev vi "Covered in Mud", som är titelspåret. Det kändes så fritt men så verkligt, och det hade detta berättande element som jag hade försökt låsa upp ett tag. Direkt efter det tänkte jag, okej, jag vet att albumet kommer att heta Mud. Det kändes bara så rätt i det ögonblicket. Sedan två dagar senare skrev vi "Bottle", och att skriva dem efter varandra låste upp denna känsla att varje låt borde ha denna typ av känslomässiga, muddy ton, som om man traskar genom dessa känslor. För mig är lera en känsla man får från musiken. Och med "Bottle" låste vi upp vad vi gillar att kalla SpongeBob Ascension – jag vet inte om du känner till den memen av SpongeBob som stiger genom himlen med sina hörlurar på? När vi skrev "Bottle" tänkte vi: "Åh, det här känns som SpongeBob som stiger upp." Så vi bestämde att varje låt borde kännas som en SpongeBob-uppstigning genom tid och rum! [Skratt.] De måste passa dessa två parametrar. Att låsa upp det mitt i gjorde resten av skrivprocessen så mycket mer riktad och enkel.

Hur kom John Mayer-samarbetet till? Var det verkligen orkestrerat över Instagram-DM?

Jag menar, jag har varit ett fan av John så jävla länge – han var faktiskt den första konserten jag någonsin gick på, som co-headliner med Sheryl Crow, som båda bara är mina GOATs. Vi hade kommunicerat online i fem år, och så fort vi skrev "Moon So High" visste jag att jag ville att det skulle vara en duett, och jag visste att jag ville att det skulle vara John. Jag kokade på det i två månader, jag manifesterade det i mitt huvud, och sedan en dag samlade jag bara modet att DM:a honom. Lyckligtvis nog svarade han inom två timmar, och en vecka senare var vi i studion. Att arbeta med honom var jävligt awesome. Om man tittar på creditsen var du ansvarig för konsten, du var med och kreativt regisserade det, arbetade med paketdesign och var med och regisserade "Twiggy"-videon. Vad fick dig att ta tyglarna så fullständigt över den visuella världen den här gången? Ja, jag tog verkligen på mig allt den här gången. Jag har alltid varit väldigt involverad i mitt kreativa, och jag har alltid varit en kontrollfreak, men eftersom detta album kändes så djupt personligt och sårbart kände jag att jag var den enda som kunde berätta den visuella historien. Redan när vi skrev "Covered in Mud" hade jag en riktigt stark bild av hur jag ville att det skulle se ut. Jag hade alltid velat regissera videor helt själv, men kanske inte hade energin eller tiden tidigare, och den här gången tänkte jag bara: "Jag kör på det." Jag tog in en av mina vänner, Milo [Nicols], för att vara min bollplank och hjälpa mig förverkliga det visuella språket, och han var otrolig. Vi är lite som yin och yang: han tänker på den visuella världen väldigt symboliskt med ett riktigt konstnärligt öga, och jag är lite som en run-and-gun-tjej, där jag bara vill att vibbarna ska vara riktigt påtagliga och starka. Jag ville lägga tilliten till mig själv, och jag är så glad att jag gjorde det. Jag ville vara täckt av lera, och vi såg för fan till att det hände. Jag älskar att du strålar på albumomslaget. Det är en breakup-skiva och kartlägger en hel del känslomässig turbulens, men det är också en skiva om din Saturnus återkomst och den känns i slutändan hoppfull. Du är täckt av lera, men du ler fortfarande. Exakt. Skivan var bara ett år av att jag helade mig själv genom att göra musik. Jag gick in och kände mig väldigt vilse, och jag kom ut och kände mig så självsäker och jordnära. Det är det vackra med lera som symbol: det är smutsigt, grisigt och äckligt, men samtidigt finns det en verklig frihet i att vara täckt av lera och helt ge efter för hur du verkligen känner och äga dina känslor. Plus, så många vackra saker växer från lera – blommor, träd, allt föds ur smutsen. Jag hittade en bild online av ett litet barn som var täckt av lera från topp till tå, men han bara strålade, så glad över att vara helt äcklig. Det är ungefär hur jag kände, och jag ville ha den känslan för omslaget. Efter den här skivan kände jag mig verkligen som ett nyfött barn – fräsch och glad. Tror du att det kommer att kännas konstigt att gå upp på scenen och kanalisera dessa svåra känslor igen när du turnerar med den här skivan? Jag tror att det kommer att bli kul! Jag är så taggad på att turnera med den här skivan. Vad jag verkligen vill med min liveshow är att ta människor till känslomässig kyrka. Jag vill skapa ett utrymme där människor verkligen kan släppa allt och känna sig fria att skrika, skratta, gråta av glädje, gråta av sorg. Konserter är en av de enda platserna vi har kvar där vi alla kan uppleva en sak tillsammans samtidigt och bara vara närvarande. Jag vill verkligen mjölka skiten ur det och skapa ett utrymme där människor känner sig sammankopplade med varandra och sammankopplade med sig själva i en värld där det finns så många distraktioner. Det är min favoritsak med att uppträda. Och jag tror inte att det kommer att vara svårt att kanalisera känslorna – de sitter i benmärgen, och jag är redo att sjunga dem. Vissa av dessa vokala arrangemang, som i "Jamie", låter som ett seriöst träningspass. Kommer du att behöva göra tung vokalunderhållning på vägen? Ja, jag gör det alltid svårt för mig själv! Alla mina låtar är alltid så jävla tekniskt svåra, och min sångcoach är ständigt arg på mig, som: "Varför gör du så här mot dig själv?" Och jag bara: "Jag vet inte, jag antar för att jag kan!" [Skratt.] Men så länge jag värmer upp varje dag tror jag att det kommer att gå bra. Slutligen, hur planerar du att fira när albumet kommer ut? Samlar du familjebandet? Vi spelar en liten show på Fonda i LA och Webster Hall i New York, och livebandet består i stort sett uteslutande av människorna som jag gjorde albumet med. För att fira kommer vi att spela skivan från början till slut. Lyckligtvis är nästan alla som arbetade på detta album med mig helt nyktra också, så vi kommer alla bara att vara glada att skåla med varandra med alkoholfria drycker. Efter det hittar vi förmodligen en bubbelpool någonstans i New York och blöter oss tillsammans. Denna intervju har kortats och redigerats för tydlighet.

Vanliga frågor
Här är en lista med vanliga frågor om Remi Wolfs album Big Ideas



Nybörjarfrågor



F Vad heter Remi Wolfs nya album

S Albumet heter Big Ideas Det kom ut i juli 2024



F Vem är Remi Wolf

S Hon är en amerikansk sångerska och låtskrivare känd för att blanda pop funk soul och indiemusik till ett färgstarkt högenergiskt sound



F Vad betyder gets down in the mud här

S Det är en metafor Det betyder att hon utforskar röriga råa och svåra känslor istället för att förbli polerad eller uppåt hela tiden



F Är detta hennes första album

S Nej Hennes debutalbum var Juno Big Ideas är hennes andra fullängdsalbum



F Vilken genre är albumet

S Det blandar pop funk soul rock och elektronisk musik Det är svårt att placera i en box



F Hur många låtar finns det på det

S Det finns 13 spår



F Vilka är några utmärkande låtar

S Soup Motorcycle Toro Alone in Miami och Wave är favoriter bland fansen



Medelavancerade frågor



F Varför kallar folk det hennes triumferande album

S Kritiker berömde det för att vara djärvt personligt och soniskt äventyrligt Det visade tillväxt från hennes debut och fick starka recensioner



F Vad gör produktionen utmärkande

S Den är tät och lekfull Låtar byter stil mitt i spåret med livsinstrument synthar och vokala effekter för att hålla saker oförutsägbara



F Vilka är huvudteman

S Ångest hjärtesorg självupptäckt festande ensamhet och att lära sig acceptera sitt eget kaos



F Är albumet bra för avslappnat lyssnande

S Ja men det belönar också nära lyssnande Hookarna är catchy men texterna och arrangemangen har djup



F Har det några långsamma eller sorgliga låtar

S Ja Spår som Alone in Miami och Wave är mer introspektiva och långsammare än de uppåt singlarna



F Hur jämför det med Juno

S