Si los primeros discos de Remi Wolf eran caleidoscopios de indie pop maximalista con toques de funk y letras surrealistas, Mud marca un giro hacia algo más maduro y con los pies en la tierra—literalmente, ya que la portada del álbum muestra a la cantautora nacida en California sonriendo a través de una máscara de lodo real.

El año anterior había sido un torbellino: Wolf lanzó su excelente segundo álbum, Big Ideas, y amplió su propia gira abriendo para Olivia Rodrigo, pero también atravesó una ruptura importante y terminó completamente agotada. Las semillas del nuevo disco se plantaron durante un retiro de dos semanas en Nashville a finales de 2024, donde Wolf se propuso expandir su mundo creativo escribiendo con completos desconocidos. Nashville produjo algunas chispas—incluyendo el eufórico y destacado con toques country “Champagne”—pero también le hizo darse cuenta de que realmente necesitaba construir su propio santuario.

Así que Wolf reunió lo que cariñosamente llama su “banda familiar”, un círculo íntimo formado por el colaborador de larga data Jared Solomon, su amigo compositor Jack DeMeo y su cuñada Gigi. Juntos se retiraron a una acogedora cabaña de troncos en Big Bear, California, y más tarde a los amplios espacios abiertos de Joshua Tree, escribiendo en salas de estar en lugar de estudios de grabación. Wolf asumió el papel de “mamá de la casa”, cocinando el desayuno y la cena para el grupo mientras trabajaban.

El objetivo fue simple desde el principio: cada pista tenía que ser lo suficientemente sólida para cantarla alrededor de una fogata con una guitarra acústica y armonía a tres voces, mientras reflejaba honestamente el desmoronamiento emocional de Wolf. (También tenían que tener melodías imposiblemente pegajosas—con Mud, Wolf demuestra una vez más que pocos artistas tienen un oído para un gancho como el suyo).

Pero el verdadero avance llegó en los legendarios Electric Lady Studios de Manhattan, donde Wolf y su equipo escribieron “Covered in Mud” y la eufórica “Bottle”, desbloqueando un mundo sonoro que ella describe como partes iguales de “lodo emocional” y “Ascensión de Bob Esponja”. A lo largo de un álbum repleto de bombazos—desde el canto crudo y potente de “Jamie” hasta las confesiones magulladas y con punteos de guitarra de “Guess”—Wolf traza su retorno de Saturno a través del desamor, el alcoholismo, un colapso y de vuelta, encontrando finalmente una alegría infecciosa y profunda que irradia desde el asombro de ojos abiertos de “Moon So High”, con John Mayer, y el éxtasis de la rendición total en “Covered in Mud”. Como dice Wolf: “Hay una libertad en estar cubierta de lodo y sucumbir por completo a cómo te sientes realmente”.

Vogue: Cuéntame un poco más sobre el período en que empezaste a escribir el álbum. Por lo que leí, hubo altibajos bastante pronunciados, y todo comenzó alrededor del momento en que estabas terminando la gira de Big Ideas.

Remi Wolf: La primera ronda de escritura comenzó en noviembre de 2024. Todavía estaba en la gira de Big Ideas, pero tenía un breve descanso, y me sentía realmente agotada, perdida y confundida en mi propia vida. Quería encontrar un nuevo camino musical para mí, y escribir siempre ha sido lo más sanador y terapéutico para mí. Sentía que solo necesitaba entrar al estudio y purgar muchos sentimientos latentes con los que había estado lidiando durante un tiempo. Así que decidí ir a Nashville, donde nunca había trabajado antes. Siempre quiero abordar un nuevo proyecto con una nueva vibra, así que fui a Nashville durante dos semanas y escribí con una persona nueva cada día. En ese proceso, conocí a mis amigos Jamie y Hank. El primer día que estuve allí, escribimos “Champagne”, que está en el disco. Terminaron convirtiéndose en amigos muy, muy buenos y trabajaron en gran parte del álbum conmigo. Ese viaje fue como la primera semilla de lo que el álbum podría llegar a ser.

Pero cuando empecé a escribir, estaba muy frágil, agotada y vulnerable, así que decidí que no tenía la energía para estar rodeada de nadie excepto de personas que eran mis mejores amigos de verdad. En el proceso, creamos esta banda familiar. Estar rodeada de mis mejores amigos me permitió ser tan frágil como estaba sin sentirme insegura o extraña al respecto. Suena contraintuitivo, pero fue lo más divertido que he tenido escribiendo un álbum. Aunque las canciones son profundas y tristes y estoy lidiando con problemas reales, fue increíblemente divertido escribirlas con ellos. Se sintió como un proceso increíble, sanador y purificador.

Ese espíritu de banda familiar se mantuvo contigo a través de tus viajes—todos fueron a Big Bear, pasaron tiempo en Nueva York y luego hicieron un último viaje a Joshua Tree. ¿Cómo dieron forma esos tres lugares diferentes—el lago, la ciudad y el desierto—al disco final?

Casi siempre cuando estoy escribiendo un álbum, quiero deliberadamente alejarme de mi entorno diario porque te da perspectiva e inspiración. Con Big Bear y Joshua Tree, quería dejar Los Ángeles pero no ir demasiado lejos, y realmente quería estar en una casa. Quería que se sintiera como una experiencia hogareña donde pudiera cocinar para todos, pasar el rato en una sala de estar y no tener que conducir al estudio todos los días. Todos nos íbamos a dormir a la misma hora y nos despertábamos a la misma hora. Yo preparaba el desayuno, preparaba la cena—me convertí en mamá de la casa por completo. Creó un ambiente realmente cómodo mientras escribíamos estas canciones intensamente emocionales.

Elegí Big Bear porque en ese momento me sentía realmente atraída por los árboles; solo quería sentirme con los pies en la tierra. Terminamos escribiendo en una cabaña de troncos real. Escribimos “I Won't Cry” en ese espacio bajo estos techos realmente altos, y la grabamos en una sola toma—mi voz también fue en una sola toma. Creo que la razón por la que suena tan vulnerable es porque literalmente la estábamos tocando juntos en una habitación. Y luego Joshua Tree—nunca había estado en el desierto antes, así que estar bajo ese vasto cielo con todas las estrellas fue increíble. Escribimos “Moon So High” allí, literalmente mirando la luna. ¡Estaba tan alta! [Risas.] Luego Electric Lady en Nueva York es mi hogar lejos del hogar. Es un estudio, pero realmente es un segundo hogar para mí. Caminando por la calle en Nueva York, ves las cosas más aleatorias que encontrarás en tu vida, así que siempre me encanta trabajar allí. Pero realmente, viajar con mis mejores amigos fue una experiencia increíblemente unificadora y grounding. Después de estar de gira durante tanto tiempo, anhelaba una sensación de hogar y solo quería sentirme como una persona normal otra vez.

Mencionaste que Electric Lady fue donde desbloqueaste el paisaje sonoro del álbum, especialmente esta idea de que suene “lodoso”. ¿Qué significaba eso exactamente?

En Electric Lady, escribimos “Covered in Mud”, que es la canción que da título al álbum. Se sintió tan libre pero tan real, y tenía este elemento narrativo que había estado tratando de desbloquear durante un tiempo. Justo después de eso, pensé, está bien, sé que el álbum se va a llamar Mud. Simplemente se sintió tan correcto en ese momento. Luego dos días después, escribimos “Bottle”, y escribir esas dos seguidas desbloqueó este sentimiento de que cada canción debería tener este tipo de tono emocional y lodoso, como si estuvieras avanzando penosamente a través de estos sentimientos. Para mí, el lodo es un sentimiento que obtienes de la música. Y con “Bottle”, desbloqueamos lo que nos gusta llamar la Ascensión de Bob Esponja—no sé si conoces ese meme de Bob Esponja elevándose por el cielo con sus auriculares puestos. Cuando escribimos “Bottle”, pensamos: “Oh, esto se siente como Bob Esponja ascendiendo”. ¡Así que decidimos que cada canción debería sentirse como una ascensión de Bob Esponja a través del tiempo y el espacio! [Risas.] Tenían que encajar en esos dos parámetros. Desbloquear eso a mitad de camino hizo que el resto del proceso de escritura fuera mucho más dirigido y fácil.

¿Cómo surgió la colaboración con John Mayer? ¿Realmente se orquestó a través de mensajes directos de Instagram?

Quiero decir, he sido fan de John durante tanto puto tiempo—de hecho fue el primer concierto al que fui, co-encabezando con Sheryl Crow, quienes son simplemente mis GOATs. Habíamos estado comunicándonos en línea durante cinco años, y tan pronto como escribimos “Moon So High”, supe que quería que fuera un dueto, y supe que quería que fuera John. Estuve cocinando eso durante dos meses, lo estaba manifestando en mi cabeza, y luego un día simplemente reuní el valor para enviarle un mensaje directo. Por suerte, respondió en dos horas, y una semana después estábamos en el estudio. Trabajar con él fue jodidamente increíble. Mirando los créditos, estuviste a cargo del arte, co-dirigiste creativamente, trabajaste en el diseño del paquete y co-dirigiste el video de “Twiggy”. ¿Qué te impulsó a tomar las riendas tan completamente en el mundo visual esta vez? Sí, realmente asumí todo esta vez. Siempre he estado muy involucrada en mi creatividad, y siempre he sido una maniática del control, pero como este álbum se sentía tan profundamente personal y vulnerable, sentí que era la única que podía contar la historia visual. Justo desde que escribimos “Covered in Mud”, tenía una imagen muy fuerte de cómo quería que se viera. Siempre había querido dirigir videos completamente, pero quizás no tenía la energía o el tiempo antes, y esta vez simplemente pensé: “Voy a intentarlo”. Traje a uno de mis amigos, Milo [Nicols], para que fuera mi caja de resonancia y me ayudara a realizar el lenguaje visual, y fue increíble. Somos una especie de yin y yang: él piensa en el mundo visual de manera muy simbólica con un ojo de bellas artes realmente refinado, y yo soy una chica práctica y directa, donde solo quiero que las vibras sean realmente palpables y fuertes. Quería confiar en mí misma, y estoy tan feliz de haberlo hecho. Quería estar cubierta de lodo, y lo hicimos realidad. Me encanta el hecho de que estés sonriendo en la portada del álbum. Es un disco de ruptura y traza mucha turbulencia emocional, pero también es un disco sobre tu retorno de Saturno y eso se siente en última instancia esperanzador. Estás cubierta de lodo, pero sigues sonriendo. Exactamente. El disco fue solo un año de sanarme a mí misma haciendo música. Entré sintiéndome muy perdida, y salí sintiéndome tan segura de mí misma y con los pies en la tierra. Esa es la cosa hermosa del lodo como símbolo: es sucio, mugriento y asqueroso, pero al mismo tiempo, hay una libertad real en estar cubierta de lodo y sucumbir por completo a cómo te sientes realmente y adueñarte de tus emociones. Además, tantas cosas hermosas crecen del lodo—flores, árboles, todo nace de la tierra. Encontré esta imagen en línea de un niño pequeño que estaba cubierto de lodo de pies a cabeza, pero estaba radiante, tan feliz de estar completamente asqueroso. Así es más o menos como me sentía, y quería ese sentimiento para la portada. Después de este disco, realmente me sentí como una niña recién nacida—fresca y feliz. ¿Crees que se sentirá extraño subir al escenario y canalizar esas emociones difíciles otra vez cuando hagas la gira de este disco? ¡Creo que será divertido! Estoy tan emocionada de hacer la gira de este disco. Lo que realmente quiero para mi show en vivo es llevar a la gente a la iglesia emocional. Quiero crear un espacio donde la gente pueda realmente soltarlo todo y sentirse libre de gritar, reír, llorar de alegría, llorar de tristeza. Los conciertos son uno de los únicos espacios que nos quedan donde todos podemos experimentar una cosa juntos al mismo tiempo y simplemente estar presentes. Quiero realmente aprovechar eso al máximo y crear un espacio donde las personas se sientan conectadas entre sí y conectadas consigo mismas en un mundo donde hay tantas distracciones. Es mi cosa favorita de actuar. Y no creo que vaya a ser difícil canalizar los sentimientos—están en mis huesos, y estoy lista para cantarlos. Algunos de esos arreglos vocales, como en “Jamie”, suenan como un entrenamiento serio. ¿Vas a tener que hacer un mantenimiento vocal intenso en la carretera? ¡Sí, siempre me lo pongo difícil! Todas mis canciones son siempre tan jodidamente difíciles técnicamente, y mi entrenadora vocal está constantemente enojada conmigo, como: “¿Por qué te haces esto a ti misma?”. Y yo digo: “No sé, ¡supongo que porque puedo!”. [Risas.] Pero mientras caliente todos los días, creo que estaré bien. Finalmente, ¿cómo planeas celebrar cuando salga el álbum? ¿Vas a reunir a la banda familiar? Vamos a tocar un pequeño show en el Fonda en Los Ángeles y en Webster Hall en Nueva York, y la banda en vivo está compuesta casi exclusivamente por las personas con las que hice el álbum. Para celebrar, tocaremos el disco de principio a fin. Por suerte, casi todos los que trabajaron en este álbum conmigo también son completamente sobrios, así que todos estaremos felices de brindar unos por otros con bebidas sin alcohol. Después de eso, probablemente encontraremos un jacuzzi en algún lugar de Nueva York y nos remojaremos juntos. Esta entrevista ha sido condensada y editada para mayor claridad.

Preguntas frecuentes
Aquí hay una lista de preguntas frecuentes sobre el álbum Big Ideas de Remi Wolf



Preguntas para principiantes



P ¿Cómo se llama el nuevo álbum de Remi Wolf?

R El álbum se llama Big Ideas. Salió en julio de 2024.



P ¿Quién es Remi Wolf?

R Es una cantante y compositora estadounidense conocida por mezclar pop, funk, soul e indie en un sonido colorido y lleno de energía.



P ¿Qué significa gets down in the mud aquí?

R Es una metáfora. Significa que explora emociones desordenadas, crudas y difíciles en lugar de mantenerse pulida o optimista todo el tiempo.



P ¿Es su primer álbum?

R No. Su álbum debut fue Juno. Big Ideas es su segundo álbum de larga duración.



P ¿Qué género es el álbum?

R Mezcla pop, funk, soul, rock y música electrónica. Es difícil encasillarlo en uno solo.



P ¿Cuántas canciones tiene?

R Tiene 13 pistas.



P ¿Cuáles son algunas canciones destacadas?

R Soup, Motorcycle, Toro, Alone in Miami y Wave son favoritas de los fans.



Preguntas intermedias



P ¿Por qué la gente lo llama su álbum triunfal?

R Los críticos lo elogiaron por ser audaz, personal y sonoramente aventurero. Mostró crecimiento desde su debut y obtuvo reseñas sólidas.



P ¿Qué hace que la producción destaque?

R Es densa y juguetona. Las canciones cambian de estilo a mitad de pista usando instrumentos en vivo, sintetizadores y efectos vocales para mantener las cosas impredecibles.



P ¿Cuáles son los temas principales?

R Ansiedad, desamor, autodescubrimiento, fiesta, soledad y aprender a aceptar tu propio desorden.



P ¿Es un álbum bueno para escuchar casualmente?

R Sí, pero también recompensa la escucha atenta. Los ganchos son pegajosos, pero las letras y los arreglos tienen profundidad.



P ¿Tiene alguna canción lenta o triste?

R Sí. Pistas como Alone in Miami y Wave son más introspectivas y lentas que los sencillos más animados.



P ¿Cómo se compara con Juno?

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