Auf ihrem triumphalen neuen Album begibt sich Remi Wolf in den Schlamm.

Wenn Remi Wolfs frühere Platten Kaleidoskope aus maximalistischem, funkigem Indie-Pop und surrealen Texten waren, markiert Mud eine Verschiebung hin zu etwas Reiferem und Geerdeterem – ganz wörtlich, denn das Albumcover zeigt die in Kalifornien geborene Singer-Songwriterin, wie sie durch eine Maske aus echtem Schlamm strahlt.

Das Jahr zuvor war ein Wirbelwind gewesen: Wolf veröffentlichte ihr hervorragendes zweites Album Big Ideas und erweiterte ihre eigene Tour, indem sie für Olivia Rodrigo eröffnete, aber sie machte auch eine große Trennung durch und war am Ende völlig ausgebrannt. Die Saat für die neue Platte wurde während eines zweiwöchigen Rückzugs in Nashville Ende 2024 gelegt, wo Wolf aufbrach, um ihre kreative Welt zu erweitern, indem sie mit völlig Fremden schrieb. Nashville brachte einige Funken hervor – darunter der euphorische, country-angehauchte Höhepunkt „Champagne“ –, aber es ließ sie auch erkennen, dass sie wirklich ihr eigenes Refugium brauchte.

Also stellte Wolf zusammen, was sie liebevoll ihre „Familienband“ nennt, einen inneren Kreis aus ihrem langjährigen Kollaborateur Jared Solomon, ihrem Songwriter-Freund Jack DeMeo und ihrer Schwägerin Gigi. Gemeinsam zogen sie sich in eine gemütliche Blockhütte in Big Bear, Kalifornien, und später in die weiten Räume von Joshua Tree zurück, wo sie in Wohnzimmern statt in Aufnahmestudios schrieben. Wolf übernahm die Rolle der „Hausmutter“, kochte Frühstück und Abendessen für die Gruppe, während sie arbeiteten.

Das Ziel war von Anfang an einfach: Jeder Track musste stabil genug sein, um ihn am Lagerfeuer mit einer Akustikgitarre und dreistimmigem Harmoniegesang zu singen, und gleichzeitig ehrlich Wolfs emotionale Entwirrung widerspiegeln. (Sie mussten außerdem unmöglich eingängige Melodien haben – mit Mud beweist Wolf einmal mehr, dass nur wenige Künstler ein so gutes Ohr für einen Hook haben wie sie.)

Doch der wahre Durchbruch kam in Manhattans legendären Electric Lady Studios, wo Wolf und ihr Team „Covered in Mud“ und das euphorische „Bottle“ schrieben und damit eine klangliche Welt erschlossen, die sie als zu gleichen Teilen „emotionalen Schlamm“ und „SpongeBob Ascension“ beschreibt. Auf einem Album voller Hits – vom rohen, kraftvollen Gesang von „Jamie“ bis zu den verletzten, gitarrenzupfenden Bekenntnissen von „Guess“ – zeichnet Wolf ihre Saturn-Rückkehr durch Herzschmerz, Alkoholismus, einen Zusammenbruch und wieder zurück nach, bis sie schließlich eine ansteckende, tief in den Knochen sitzende Freude findet, die aus dem staunenden Wunder von „Moon So High“ mit John Mayer und der Ekstase völliger Hingabe auf „Covered in Mud“ strahlt. Wie Wolf es ausdrückt: „Es liegt eine Freiheit darin, mit Schlamm bedeckt zu sein und sich völlig dem hinzugeben, wie man sich wirklich fühlt.“

Vogue: Erzähl mir ein wenig mehr über die Zeit, als du angefangen hast, das Album zu schreiben. Soweit ich gelesen habe, gab es einige ziemlich große Höhen und Tiefen, und alles begann ungefähr zu der Zeit, als du die Big Ideas-Tour abschlossest.

Remi Wolf: Die erste Schreibrunde begann im November 2024. Ich war noch auf der Big Ideas-Tour, aber ich hatte eine kurze Pause, und ich fühlte mich wirklich erschöpft, verloren und verwirrt in meinem eigenen Leben. Ich wollte einen neuen musikalischen Weg für mich finden, und Schreiben war schon immer das Heilsamste und Therapeutischste für mich. Ich hatte das Gefühl, dass ich einfach ins Studio gehen und viele latente Gefühle ausstoßen musste, mit denen ich mich schon eine Weile herumgetragen hatte. Also beschloss ich, nach Nashville zu gehen, wo ich noch nie gearbeitet hatte. Ich möchte immer mit einer neuen Stimmung an ein neues Projekt herangehen, also ging ich für zwei Wochen nach Nashville und schrieb jeden einzelnen Tag mit einer neuen Person. In diesem Prozess lernte ich meine Freunde Jamie und Hank kennen. Am allerersten Tag, an dem ich dort war, schrieben wir „Champagne“, das auf der Platte ist. Sie wurden schließlich wirklich, wirklich gute Freunde und arbeiteten mit mir an einem Großteil des Albums. Diese Reise war wie der erste Setzling dessen, was das Album möglicherweise sein könnte.

Aber als ich anfing zu schreiben, war ich einfach sehr fragil, erschöpft und verletzlich, also beschloss ich, dass ich nicht die Energie hatte, von irgendjemandem umgeben zu sein außer von Menschen, die meine ehrlichen, gottverdammten besten Freunde waren. In diesem Prozess schufen wir diese Familienband. Von meinen besten Freunden umgeben zu sein, erlaubte mir, so fragil zu sein, wie ich war, ohne mich unsicher oder seltsam dabei zu fühlen. Es klingt kontraintuitiv, aber es war das Spaßigste, was ich je beim Schreiben eines Albums hatte. Obwohl die Songs tiefgründig und traurig sind und ich mich mit echten Problemen auseinandersetze, war es unglaublich spaßig, mit ihnen zu schreiben. Es fühlte sich wie ein erstaunlicher, heilender, reinigender Prozess an.

Dieser Geist der Familienband blieb während deiner Reisen bei dir – ihr alle seid nach Big Bear gegangen, habt Zeit in New York verbracht und dann eine letzte Reise nach Joshua Tree unternommen. Wie haben diese drei verschiedenen Orte – der See, die Stadt und die Wüste – die endgültige Platte geformt?

Fast immer, wenn ich ein Album schreibe, möchte ich bewusst von meiner täglichen Umgebung wegkommen, weil das Perspektive und Inspiration gibt. Bei Big Bear und Joshua Tree wollte ich LA verlassen, aber nicht zu weit gehen, und ich wollte wirklich in einem Haus sein. Ich wollte, dass es sich wie eine heimelige Erfahrung anfühlt, bei der ich für alle kochen, im Wohnzimmer herumhängen und nicht jeden Tag ins Studio fahren musste. Wir gingen alle zur gleichen Zeit schlafen und wachten zur gleichen Zeit auf. Ich machte Frühstück, ich machte Abendessen – ich wurde zur vollen Hausmutter. Es schuf eine wirklich komfortable Umgebung, während wir diese intensiv emotionalen Songs schrieben.

Ich wählte Big Bear, weil ich mich damals wirklich zu den Bäumen hingezogen fühlte; ich wollte mich einfach geerdet fühlen. Am Ende schrieben wir in einer echten Blockhütte. Wir schrieben „I Won’t Cry“ in diesem Raum unter diesen wirklich hohen Decken, und wir nahmen es in einem Take auf – mein Gesang war ebenfalls ein Take. Ich denke, der Grund, warum es so verletzlich klingt, ist, dass wir es buchstäblich einfach zusammen in einem Raum spielten. Und dann Joshua Tree – ich war noch nie in der Wüste gewesen, also war es erstaunlich, unter diesem weiten Himmel mit all den Sternen zu sein. Wir schrieben „Moon So High“ dort draußen, buchstäblich einfach den Mond anschauend. Er war so hoch! [Lacht.] Dann Electric Lady in New York ist mein Zuhause fern von Zuhause. Es ist ein Studio, aber es ist wirklich ein zweites Zuhause für mich. Wenn man die Straße in New York entlanggeht, sieht man die zufälligsten Dinge, die man in seinem Leben je erleben wird, also liebe ich es immer, dort zu arbeiten. Aber wirklich, mit meinen besten Freunden herumzureisen war eine so unglaublich verbindende, erdende Erfahrung. Nachdem ich so lange auf Tour gewesen war, sehnte ich mich nach einem Gefühl von Zuhause und wollte mich einfach wieder wie ein normaler Mensch fühlen.

Du hast erwähnt, dass Electric Lady der Ort war, an dem du die klangliche Landschaft des Albums erschlossen hast, besonders diese Idee, dass es „schlammig“ klingt. Was genau bedeutete das?

Bei Electric Lady schrieben wir „Covered in Mud“, den Titeltrack. Es fühlte sich so frei, aber so echt an, und es hatte dieses erzählerische Element, das ich schon eine Weile zu erschließen versucht hatte. Direkt danach war ich wie: Okay, ich weiß, das Album wird Mud heißen. Es fühlte sich in diesem Moment einfach so richtig an. Zwei Tage später schrieben wir „Bottle“, und diese beiden direkt hintereinander zu schreiben, erschloss dieses Gefühl, dass jeder Song diese Art von emotionalem, schlammigem Ton haben sollte, als würde man durch diese Gefühle waten. Für mich ist Schlamm ein Gefühl, das man von der Musik bekommt. Und mit „Bottle“ erschlossen wir, was wir gerne SpongeBob Ascension nennen – ich weiß nicht, ob du dieses Meme kennst, in dem SpongeBob mit Kopfhörern durch den Himmel aufsteigt? Als wir „Bottle“ schrieben, dachten wir: „Oh, das fühlt sich an wie SpongeBob, der aufsteigt.“ Also beschlossen wir, dass sich jeder Song wie eine SpongeBob-Himmelfahrt durch Zeit und Raum anfühlen sollte! [Lacht.] Sie mussten zu diesen beiden Parametern passen. Das zur Hälfte zu erschließen, machte den Rest des Schreibprozesses so viel gerichteter und einfacher.

Wie kam die Zusammenarbeit mit John Mayer zustande? Wurde das wirklich über Instagram-DMs orchestriert?

Ich meine, ich bin schon so verdammt lange ein Fan von John – er war tatsächlich das erste Konzert, auf dem ich je war, als Co-Headliner mit Sheryl Crow, die beide einfach meine GOATs sind. Wir hatten fünf Jahre lang online kommuniziert, und sobald wir „Moon So High“ schrieben, wusste ich, dass ich wollte, dass es ein Duett wird, und ich wusste, dass ich wollte, dass es John ist. Ich brütete zwei Monate lang darüber, ich manifestierte es in meinem Kopf, und dann eines Tages nahm ich einfach den Mut zusammen, ihm eine DM zu schicken. Zum Glück genug antwortete er in zwei Stunden, und eine Woche später waren wir im Studio. Mit ihm zu arbeiten war verdammt großartig. Wenn man sich die Credits ansieht, warst du für die Kunst verantwortlich, hast sie co-kreativ geleitet, am Package-Design gearbeitet und das „Twiggy“-Video co-regissiert. Was hat dich dazu veranlasst, diesmal so vollständig die Zügel in der visuellen Welt zu übernehmen? Ja, ich habe diesmal wirklich alles übernommen. Ich war immer sehr in meine Kreativität involviert, und ich war immer ein Kontrollfreak, aber weil sich dieses Album so zutiefst persönlich und verletzlich anfühlte, hatte ich das Gefühl, ich sei die Einzige, die die visuelle Geschichte erzählen konnte. Schon als wir „Covered in Mud“ schrieben, hatte ich ein wirklich starkes Bild davon, wie ich es aussehen lassen wollte. Ich hatte immer davon geträumt, Videos vollständig zu regissieren, aber hatte vielleicht vorher nicht die Energie oder Zeit, und diesmal war ich einfach wie: „Ich werde es durchziehen.“ Ich holte eine meiner Freundinnen, Milo [Nicols], als mein Resonanzboden und um mir zu helfen, die visuelle Sprache zu verwirklichen, und er war unglaublich. Wir sind irgendwie Yin und Yang: Er denkt sehr symbolisch über die visuelle Welt nach, mit einem wirklich kunstvollen Auge, und ich bin irgendwie ein Run-and-Gun-Girlie, bei dem ich einfach will, dass die Vibes wirklich spürbar und stark sind. Ich wollte das Vertrauen in mich selbst setzen, und ich bin so froh, dass ich es getan habe. Ich wollte mit Schlamm bedeckt sein, und wir haben es verdammt noch mal möglich gemacht. Ich liebe die Tatsache, dass du auf dem Albumcover strahlst. Es ist eine Trennungsplatte und zeichnet viel emotionale Turbulenz nach, aber es ist auch eine Platte über deine Saturn-Rückkehr, und das wirkt letztlich hoffnungsvoll. Du bist mit Schlamm bedeckt, aber du lächelst immer noch. Genau. Die Platte war einfach ein Jahr, in dem ich mich durch das Musikmachen selbst heilte. Ich ging sehr verloren hinein, und ich kam so selbstsicher und geerdet heraus. Das ist das Schöne an Schlamm als Symbol: Er ist schmutzig, dreckig und eklig, aber gleichzeitig liegt eine echte Freiheit darin, mit Schlamm bedeckt zu sein und sich völlig dem hinzugeben, wie man sich wirklich fühlt, und seine Emotionen zu besitzen. Außerdem wachsen so viele schöne Dinge aus Schlamm – Blumen, Bäume, alles wird aus dem Dreck geboren. Ich fand online dieses Bild von einem kleinen Kind, das von Kopf bis Fuß mit Schlamm bedeckt war, aber es strahlte einfach, so glücklich darüber, völlig eklig zu sein. So ungefähr fühlte ich mich, und ich wollte dieses Gefühl für das Cover. Nach dieser Platte fühlte ich mich wirklich wie ein neugeborenes Kind – frisch und glücklich. Glaubst du, es wird seltsam sein, auf die Bühne zu gehen und diese schwierigen Emotionen wieder zu kanalisieren, wenn du mit diesem Album tourst? Ich denke, es wird Spaß machen! Ich bin so begeistert, mit diesem Album zu touren. Was ich mir für meine Live-Show wirklich wünsche, ist, Menschen in die emotionale Kirche zu bringen. Ich möchte einen Raum schaffen, in dem Menschen wirklich alles loslassen können und sich frei fühlen zu schreien, zu lachen, vor Freude zu weinen, vor Traurigkeit zu weinen. Konzerte sind einer der wenigen Räume, die uns geblieben sind, in denen wir alle gleichzeitig eine Sache gemeinsam erleben und einfach präsent sein können. Ich möchte das wirklich bis zum Äußersten auskosten und einen Raum schaffen, in dem Menschen sich miteinander verbunden und mit sich selbst verbunden fühlen in einer Welt, in der es so viele Ablenkungen gibt. Das ist mein Lieblingsaspekt am Auftreten. Und ich glaube nicht, dass es schwer sein wird, die Gefühle zu kanalisieren – sie stecken mir in den Knochen, und ich bin bereit, sie zu singen. Einige dieser Gesangsarrangements, wie bei „Jamie“, klingen nach einem ernsthaften Workout. Wirst du auf Tour schweren Gesangspflege betreiben müssen? Ja, ich mache es mir immer schwer! Alle meine Songs sind immer so verdammt technisch schwierig, und mein Gesangscoach ist ständig sauer auf mich, so nach dem Motto: „Warum tust du dir das an?“ Und ich so: „Ich weiß nicht, ich schätze, weil ich es kann!“ [Lacht.] Aber solange ich mich jeden Tag aufwärme, denke ich, werde ich okay sein. Zum Schluss: Wie planst du zu feiern, wenn das Album herauskommt? Bringst du die Familienband zusammen? Wir spielen eine kleine Show im Fonda in LA und in der Webster Hall in New York, und die Live-Band besteht so ziemlich ausschließlich aus den Menschen, mit denen ich das Album gemacht habe. Um zu feiern, werden wir die Platte von Anfang bis Ende spielen. Zum Glück ist fast jeder, der mit mir an diesem Album gearbeitet hat, auch völlig nüchtern, also werden wir alle einfach glücklich sein, einander mit alkoholfreien Getränken zuzuprosten. Danach finden wir wahrscheinlich irgendwo in New York einen Whirlpool und weichen gemeinsam ein. Dieses Interview wurde gekürzt und für Klarheit bearbeitet.

Häufig gestellte Fragen
Hier ist eine Liste von FAQs über Remi Wolfs Album Big Ideas



Anfängerfragen



F Wie heißt Remi Wolfs neues Album

A Das Album heißt Big Ideas. Es kam im Juli 2024 heraus



F Wer ist Remi Wolf

A Sie ist eine amerikanische Sängerin und Songwriterin, bekannt dafür, Pop, Funk, Soul und Indie-Musik zu einem farbenfrohen, energiegeladenen Sound zu mischen



F Was bedeutet hier „gets down in the mud“

A Es ist eine Metapher. Es bedeutet, dass sie messy, rohe und schwierige Emotionen erkundet, statt die ganze Zeit poliert oder beschwingt zu bleiben



F Ist das ihr erstes Album

A Nein. Ihr Debütalbum war Juno. Big Ideas ist ihr zweites vollständiges Album



F Welches Genre hat das Album

A Es mischt Pop, Funk, Soul, Rock und elektronische Musik. Es ist schwer, es in eine Schublade zu stecken



F Wie viele Songs sind darauf

A Es gibt 13 Tracks



F Was sind einige herausragende Songs

A Soup, Motorcycle, Toro, Alone in Miami und Wave sind Favoriten der Fans



Fortgeschrittene Fragen



F Warum nennen es die Leute ihr triumphales Album

A Kritiker lobten es dafür, kühn, persönlich und klanglich abenteuerlustig zu sein. Es zeigte Wachstum gegenüber ihrem Debüt und erhielt starke Kritiken



F Was macht die Produktion besonders

A Sie ist dicht und verspielt. Songs wechseln mitten im Track den Stil und nutzen Live-Instrumente, Synths und Vokal-Effekte, um die Dinge unvorhersehbar zu halten



F Was sind die Hauptthemen

A Angst, Herzschmerz, Selbstfindung, Feiern, Einsamkeit und zu lernen, das eigene Chaos zu akzeptieren



F Ist das Album gut zum nebenbei Hören

A Ja, aber es belohnt auch genaues Zuhören. Die Hooks sind eingängig, aber die Texte und Arrangements haben Tiefe



F Gibt es langsame oder traurige Songs

A Ja. Tracks wie Alone in Miami und Wave sind introspectiver und langsamer als die beschwingten Singles



F Wie schneidet es im Vergleich zu Juno ab

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