Jeśli wcześniejsze albumy Remi Wolf były kalejdoskopami maksymalistycznego, funkującego indie popu i surrealistycznych tekstów, to Mud oznacza zwrot ku czemuś dojrzalszemu i bardziej osadzonemu—dosłownie, ponieważ okładka albumu pokazuje urodzoną w Kalifornii piosenkarkę i autorkę tekstów promieniejącą przez maskę z prawdziwego błota.

Poprzedni rok był istnym wirem: Wolf wydała swój znakomity drugi album, Big Ideas, i rozszerzyła własną trasę koncertową, otwierając dla Olivii Rodrigo, ale przeszła też przez poważne rozstanie i skończyła całkowicie wypalona. Zalążki nowego albumu zostały zasiane podczas dwutygodniowego odosobnienia w Nashville pod koniec 2024 roku, gdzie Wolf postanowiła poszerzyć swój twórczy świat, pisząc z zupełnie obcymi ludźmi. Nashville dało kilka iskier—w tym euforyczny, country'owy wyróżniający się utwór „Champagne"—ale sprawiło też, że zdała sobie sprawę, iż naprawdę potrzebuje zbudować własne sanktuarium.

Tak więc Wolf zebrała to, co czule nazywa swoim „rodzinnym zespołem", wewnętrzne grono złożone z wieloletniego współpracownika Jareda Solomona, jej przyjaciela-autora tekstów Jacka DeMeo i jej szwagierki Gigi. Razem udali się do przytulnej drewnianej chaty w Big Bear w Kalifornii, a później na szerokie przestrzenie Joshua Tree, pisząc w salonach zamiast w studiach nagraniowych. Wolf przyjęła rolę „mamy domu", gotując śniadania i kolacje dla grupy, podczas gdy oni pracowali.

Cel był prosty od samego początku: każdy utwór musiał być wystarczająco solidny, by można go było śpiewać przy ognisku z gitarą akustyczną i trzygłosową harmonią, a jednocześnie szczerze odzwierciedlać emocjonalne rozpadanie się Wolf. (Musiały też mieć niemożliwie chwytliwe melodie—z Mud Wolf po raz kolejny udowadnia, że niewiele artystek ma takie wyczucie haka jak ona.)

Ale prawdziwy przełom nastąpił w legendarnym Electric Lady Studios na Manhattanie, gdzie Wolf i jej ekipa napisali „Covered in Mud" i euforyczny „Bottle", odblokowując dźwiękowy świat, który opisuje jako w równych częściach „emocjonalny szlam" i „Wniebowstąpienie SpongeBoba". Na albumie wypełnionym hitami—od surowego, potężnego śpiewu w „Jamie" po posiniaczone, gitarowe wyznania w „Guess"—Wolf kreśli swój powrót Saturna przez złamane serce, alkoholizm, załamanie i z powrotem, ostatecznie odnajdując zaraźliwą, głęboką do szpiku radość, która promieniuje z szeroko otwartego zachwytu „Moon So High" z udziałem Johna Mayera i ekstazy całkowitego poddania się w „Covered in Mud". Jak ujmuje to Wolf: „Jest wolność w byciu pokrytym błotem i całkowitym poddaniu się temu, co naprawdę czujesz".

Vogue: Opowiedz mi trochę więcej o okresie, kiedy zaczęłaś pisać album. Z tego, co czytałem, były tam całkiem wysokie wzloty i niskie upadki, a wszystko zaczęło się około czasu, gdy kończyłaś trasę Big Ideas.

Remi Wolf: Pierwsza runda pisania zaczęła się w listopadzie 2024. Byłam jeszcze na trasie Big Ideas, ale miałam krótką przerwę i czułam się naprawdę wyczerpana, zagubiona i zdezorientowana we własnym życiu. Chciałam znaleźć dla siebie nową muzyczną ścieżkę, a pisanie zawsze było dla mnie najbardziej uzdrawiającą, terapeutyczną rzeczą. Czułam, że po prostu muszę wejść do studia i oczyścić wiele ukrytych uczuć, z którymi siedziałam przez jakiś czas. Więc zdecydowałam się pojechać do Nashville, gdzie nigdy wcześniej nie pracowałam. Zawsze chcę podchodzić do nowego projektu z nowym klimatem, więc pojechałam do Nashville na dwa tygodnie i pisałam z nową osobą każdego dnia. W tym procesie poznałam moich przyjaciół Jamie i Hanka. Już pierwszego dnia, gdy tam byłam, napisaliśmy „Champagne", który jest na płycie. Ostatecznie stali się naprawdę, naprawdę dobrymi przyjaciółmi i pracowali ze mną nad dużą częścią albumu. Ta podróż była jak pierwsza sadzonka tego, czym album mógłby być.

Ale kiedy zaczęłam pisać, byłam po prostu bardzo krucha, wyczerpana i wrażliwa, więc zdecydowałam, że nie mam energii, by być otoczona kimkolwiek poza ludźmi, którzy byli moimi szczerymi, prawdziwymi najlepszymi przyjaciółmi. W tym procesie stworzyliśmy ten rodzinny zespół. Bycie otoczonym przez moich najlepszych przyjaciół... Bycie z nimi pozwoliło mi być tak kruchą, jak byłam, bez poczucia niepewności czy dziwności z tego powodu. Brzmi to nielogicznie, ale była to najzabawniejsza rzecz, jaką kiedykolwiek robiłam, pisząc album. Mimo że piosenki są głębokie i smutne, a ja mierzę się z prawdziwymi problemami, pisanie z nimi było niezwykle zabawne. To było jak niesamowity, uzdrawiający, oczyszczający proces.

Ten duch rodzinnego zespołu pozostał z tobą przez twoje podróże—wszyscy pojechaliście do Big Bear, spędziliście czas w Nowym Jorku, a potem odbyliście ostatnią podróż do Joshua Tree. Jak te trzy różne miejsca—jezioro, miasto i pustynia—ukształtowały finalny album?

Prawie zawsze, gdy piszę album, celowo chcę uciec od swojego codziennego otoczenia, ponieważ daje to perspektywę i inspirację. W przypadku Big Bear i Joshua Tree chciałam opuścić LA, ale nie odjeżdżać zbyt daleko, i naprawdę chciałam być w domu. Chciałam, żeby to było przytulne doświadczenie, gdzie mogłabym gotować dla wszystkich, spędzać czas w salonie i nie musieć codziennie jeździć do studia. Wszyscy chodziliśmy spać o tej samej porze i budziliśmy się o tej samej porze. Robiłam śniadanie, robiłam kolację—poszłam na pełną mamę domu. To stworzyło naprawdę komfortowe środowisko, podczas gdy pisaliśmy te intensywnie emocjonalne piosenki.

Wybrałam Big Bear, ponieważ w tym czasie naprawdę ciągnęło mnie do drzew; po prostu chciałam poczuć się osadzona. Skończyło się na tym, że pisaliśmy w prawdziwej drewnianej chacie. Napisaliśmy „I Won't Cry" w tej przestrzeni pod tymi naprawdę wysokimi sufitami, i nagraliśmy to za jednym podejściem—mój wokal też był za jednym podejściem. Myślę, że powód, dla którego brzmi to tak wrażliwie, jest taki, że dosłownie graliśmy to razem w pokoju. A potem Joshua Tree—nigdy wcześniej nie byłam na pustyni, więc bycie pod tym rozległym niebem z wszystkimi gwiazdami było niesamowite. Napisaliśmy tam „Moon So High", dosłownie patrząc na księżyc. Był tak wysoko! [Śmiech.] Potem Electric Lady w Nowym Jorku to mój dom z dala od domu. To studio, ale naprawdę jest dla mnie drugim domem. Idąc ulicą w Nowym Jorku, widzisz najbardziej przypadkowe rzeczy, jakie kiedykolwiek napotkasz w życiu, więc zawsze uwielbiam tam pracować. Ale naprawdę, podróżowanie z moimi najlepszymi przyjaciółmi było tak niesamowicie wiążącym, osadzającym doświadczeniem. Po tak długim czasie w trasie pragnęłam poczucia domu i chciałam po prostu znów czuć się jak normalna osoba.

Wspomniałaś, że Electric Lady było miejscem, gdzie odblokowałaś dźwiękowy krajobraz albumu, zwłaszcza tę ideę, że brzmi „błotniście". Co to dokładnie znaczyło?

W Electric Lady napisaliśmy „Covered in Mud", który jest utworem tytułowym. Wydawał się tak wolny, ale tak prawdziwy, i miał ten element opowiadania historii, który próbowałam odblokować od jakiegoś czasu. Zaraz potem pomyślałam, okay, wiem, że album będzie się nazywał Mud. To po prostu wydawało się tak właściwe w tamtym momencie. Potem dwa dni później napisaliśmy „Bottle", a pisanie ich jedno po drugim odblokowało to uczucie, że każda piosenka powinna mieć ten rodzaj emocjonalnego, błotnistego tonu, jakbyś brnęła przez te uczucia. Dla mnie błoto to uczucie, które czerpiesz z muzyki. A przy „Bottle" odblokowaliśmy to, co lubimy nazywać Wniebowstąpieniem SpongeBoba—nie wiem, czy znasz ten mem ze SpongeBobem wznoszącym się przez niebo ze słuchawkami na uszach? Kiedy napisaliśmy „Bottle", pomyśleliśmy: „Och, to feels jak SpongeBob wznoszący się". Więc zdecydowaliśmy, że każda piosenka powinna feels jak wniebowstąpienie SpongeBoba przez czas i przestrzeń! [Śmiech.] Musiały pasować do tych dwóch parametrów. Odblokowanie tego w połowie sprawiło, że reszta procesu pisania była o wiele bardziej ukierunkowana i łatwa.

Jak doszło do współpracy z Johnem Mayerem? Czy to naprawdę zostało zorganizowane przez wiadomości prywatne na Instagramie?

To znaczy, jestem fanką Johna od tak cholernie długiego czasu—był właściwie pierwszym koncertem, na jakim byłam, współheadlinerem z Sheryl Crow, którzy oboje są po prostu moimi GOAT-ami. Komunikowaliśmy się online przez pięć lat, a gdy tylko napisaliśmy „Moon So High", wiedziałam, że chcę, aby to był duet, i wiedziałam, że chcę, aby to był John. Dojrzewałam z tym przez dwa miesiące, manifestowałam to w głowie, a potem pewnego dnia po prostu zebrałam jaja, by napisać do niego DM. Na szczęście odpowiedział w dwie godziny, a tydzień później byliśmy w studiu. Praca z nim była cholernie niesamowita. Patrząc na napisy, byłaś odpowiedzialna za sztukę, współreżyserowałaś kreatywnie, pracowałaś nad projektem opakowania i współreżyserowałaś teledysk do „Twiggy". Co skłoniło cię do przejęcia tak całkowitej kontroli nad światem wizualnym tym razem? Tak, tym razem naprawdę wzięłam wszystko na siebie. Zawsze byłam bardzo zaangażowana w swoją twórczość i zawsze byłam maniaczką kontroli, ale ponieważ ten album wydawał się tak głęboko osobisty i wrażliwy, czułam, że jestem jedyną osobą, która może opowiedzieć tę wizualną historię. Odkąd napisaliśmy „Covered in Mud", miałam naprawdę silny obraz tego, jak chcę, żeby to wyglądało. Zawsze chciałam w pełni reżyserować teledyski, ale może nie miałam wcześniej energii ani czasu, a tym razem po prostu powiedziałam: „Idę za tym". Zaangażowałam jednego z moich przyjaciół, Milo [Nicols], by był moim partnerem do rozmów i pomógł mi zrealizować język wizualny, i był niesamowity. Jesteśmy trochę jak yin i yang: on myśli o świecie wizualnym bardzo symbolicznie z naprawdę artystycznym okiem, a ja jestem trochę jak dziewczyna od szybkiego działania, gdzie po prostu chcę, żeby klimaty były naprawdę wyczuwalne i silne. Chciałam zaufać sobie i jestem tak szczęśliwa, że to zrobiłam. Chciałam być pokryta błotem i cholera, udało nam się to zrealizować. Uwielbiam fakt, że promieniejesz na okładce albumu. To płyta o rozstaniu i przedstawia wiele emocjonalnych turbulencji, ale to także płyta o twoim powrocie Saturna i wydaje się ostatecznie pełna nadziei. Jesteś pokryta błotem, ale wciąż się uśmiechasz. Dokładnie. Płyta była po prostu rokiem mojego uzdrawiania się poprzez tworzenie muzyki. Weszłam w to czując się bardzo zagubiona, a wyszłam czując się tak pewna siebie i osadzona. To jest piękna rzecz w błocie jako symbolu: jest brudne, grząskie i obrzydliwe, ale jednocześnie jest prawdziwa wolność w byciu pokrytym błotem i całkowitym poddaniu się temu, co naprawdę czujesz, i zawładnięciu swoimi emocjami. Poza tym tak wiele pięknych rzeczy wyrasta z błota—kwiaty, drzewa, wszystko rodzi się z brudu. Znalazłam online obraz małego dziecka, które było od stóp do głów pokryte błotem, ale po prostu promieniało, tak szczęśliwe, że jest całkowicie obrzydliwe. Tak mniej więcej się czułam i chciałam tego uczucia na okładce. Po tym albumie naprawdę czułam się jak nowonarodzone dziecko—świeża i szczęśliwa. Myślisz, że dziwnie będzie wejść na scenę i ponownie kanałować te trudne emocje, gdy ruszysz w trasę z tym albumem? Myślę, że to będzie zabawne! Jestem tak podekscytowana trasą z tym albumem. Czego naprawdę chcę dla mojego show na żywo, to zabrać ludzi do emocjonalnego kościoła. Chcę stworzyć przestrzeń, gdzie ludzie mogą naprawdę wszystko puścić i czuć się wolni, by krzyczeć, śmiać się, płakać z radości, płakać ze smutku. Koncerty to jedna z niewielu przestrzeni, jakie nam zostały, gdzie wszyscy możemy doświadczać jednej rzeczy razem w tym samym czasie i po prostu być obecni. Chcę naprawdę wycisnąć z tego wszystko i stworzyć przestrzeń, gdzie ludzie czują się związani ze sobą nawzajem i związani z sobą samym w świecie, gdzie jest tak wiele rozproszeń. To moja ulubiona rzecz w występowaniu. I nie sądzę, że trudno będzie kanałować te uczucia—są w moich kościach i jestem gotowa je śpiewać. Niektóre z tych aranżacji wokalnych, jak w „Jamie", brzmią jak poważny trening. Będziesz musiała robić ciężką pielęgnację wokalu w trasie? Tak, zawsze utrudniam sobie życie! Wszystkie moje piosenki są zawsze tak cholernie technicznie trudne, a moja nauczycielka wokalu jest ciągle na mnie zła, mówiąc: „Dlaczego sobie to robisz?" A ja na to: „Nie wiem, chyba dlatego, że mogę!" [Śmiech.] Ale dopóki codziennie się rozgrzewam, myślę, że będzie dobrze. Na koniec, jak planujesz świętować, gdy album się ukaże? Zbierasz rodzinny zespół? Gramy mały koncert w Fonda w LA i Webster Hall w Nowym Jorku, a zespół na żywo składa się prawie wyłącznie z ludzi, z którymi zrobiłam album. Będziemy świętować, gramy płytę od początku do końca. Na szczęście prawie wszyscy, którzy pracowali ze mną nad tym albumem, są całkowicie trzeźwi, więc wszyscy będziemy po prostu szczęśliwi, wznosząc toast bezalkoholowymi drinkami. Potem prawdopodobnie znajdziemy gdzieś w Nowym Jorku jacuzzi i będziemy się razem moczyć. Ten wywiad został skrócony i zredagowany dla jasności.

Często zadawane pytania
Oto lista FAQ o albumie Remi Wolf Big Ideas



Pytania dla początkujących



P Jak nazywa się nowy album Remi Wolf

O Album nazywa się Big Ideas. Ukazał się w lipcu 2024



P Kim jest Remi Wolf

O Jest amerykańską piosenkarką i autorką tekstów znaną z mieszania popu, funku, soulu i indie w kolorowe, pełne energii brzmienie



P Co oznacza tutaj gets down in the mud

O To metafora. Oznacza, że eksploruje chaotyczne, surowe i trudne emocje zamiast pozostawać wygładzona lub optymistyczna przez cały czas



P Czy to jej pierwszy album

O Nie. Jej debiutancki album to Juno. Big Ideas to jej drugi pełnometrażowy album



P Jaki gatunek reprezentuje album

O Łączy pop, funk, soul, rock i muzykę elektroniczną. Trudno go włożyć w jedną szufladę



P Ile jest na nim piosenek

O Jest 13 utworów



P Jakie są wyróżniające się piosenki

O Soup, Motorcycle, Toro, Alone in Miami i Wave są ulubieńcami fanów



Pytania średniozaawansowane



P Dlaczego ludzie nazywają go jej triumfalnym albumem

O Krytycy chwalili go za odwagę, osobistość i dźwiękową śmiałość. Pokazał rozwój od jej debiutu i zdobył mocne recenzje



P Co wyróżnia produkcję

O Jest gęsta i pełna zabawy. Piosenki zmieniają style w połowie utworu, używając instrumentów na żywo, syntezatorów i efektów wokalnych, by utrzymać nieprzewidywalność



P Jakie są główne tematy

O Lęk, złamane serce, samopoznanie, imprezowanie, samotność i nauka akceptowania własnego bałaganu



P Czy album nadaje się do swobodnego słuchania

O Tak, ale nagradza też uważne słuchanie. Haki są chwytliwe, ale teksty i aranżacje mają głębię



P Czy są na nim jakieś wolne lub smutne piosenki

O Tak. Utwory takie jak Alone in Miami i Wave są bardziej introspektywne i wolniejsze niż optymistyczne single



P Jak wypada w porównaniu z Juno

O