로리 멧칼프가 무대 위 50년 동안 경력 중 가장 긴 공백기는 팬데믹으로 브로드웨이 공연 〈누가 버지니아 울프를 두려워하랴〉가 중단된 후 2023년 〈그레이 하우스〉로 돌아오기까지의 3년이었다. 시카고의 명망 있는 스테펀울프 극단의 창립 멤버인 그녀는 두 개의 토니상, 오스카 후보 지명, 네 개의 에미상으로 인상적인 경력을 쌓았다. 이제 멧칼프는 미국 최고의 연극 중 하나인 〈세일즈맨의 죽음〉에 도전하고 있는데, 이 작품은 멧칼프가 출연한 댄 레비의 코미디 〈빅 미스테이크스〉가 넷플릭스에서 첫 공개된 바로 그날 개막했다.
아서 밀러의 1949년 걸작은 친밀한 드라마지만, 멧칼프와 공동 주연 네이선 레인은 순수한 재능과 존재감으로 1,600석의 거대한 윈터 가든 극장을 압도한다. 그럼에도 이 연극은 힘든 작품이며, 멧칼프는 보그에 무대에서 마이크를 사용한 것이 이번이 거의 처음이라고 말한다. "난 너무 올드스쿨이라 이제야 마이크를 착용하기 시작했어요. 이렇게 무거운 연기를 마이크에 의존하는 건 처음이에요. 이게 없었으면 지금쯤 목소리를 잃었을 거예요."
이 화려한 프로덕션은 레인과 조 맨텔로 감독이 1990년대부터 구상해 온 경력의 이정표로, 약 10년 전 멧칼프를 합류시켰다. 그 이후로는 일정을 조율하며 기다리는 시간이었고, 멧칼프의 엄격한 규칙에 따라 이 연극의 다른 공연은 일체 보지 않았다.
두 주요 작품의 첫 공개를 앞둔 시점, 이번 브로드웨이 시즌 새뮤얼 D. 헌터의 〈리틀 베어 리지 로드〉에 출연한 지 불과 몇 달 만에 멧칼프는 보그와의 인터뷰에서 세대를 초월한 팬들이 그녀를 위해 쓴 역할을 연기하는 것, 캐스팅이 잘못된 것의 즐거움, 그리고 카메라 앞에서 편안함을 느끼게 해주는 것에 대해 솔직하게 이야기했다.
보그: 10년 동안 한 역할을 연기한다는 생각을 어떻게 유지하나요?
로리 멧칼프: 제가 가장 먼저 한 일은 달력에 "〈세일즈맨〉 공연 보지 말기"라고 적는 거였어요. 머릿속에 어떤 것도 박히는 걸 원하지 않았죠. 75년 된 연극이지만 새롭게 접근하고 싶었어요. 한 번도 본 적이 없거든요—전혀요. 이건 제가 나이를 먹어가며 맞는 역할이고, 이미 지나버린 역할이기도 하다는 걸 알았기 때문에 항상 피해왔어요. 그 외에는 매달 꺼내 읽지도 않았고, 캐스팅이 확정된 후 4일간의 워크숍 때까지 기다렸다가 본격적으로 파고들었죠. 운 좋게도 대사를 외울 한 달 정도의 휴가가 있었어요. 네이선은 일주일에 여덟 번씩 엄청난 에너지를 쏟지만, 저조차도 대사 외우는 데 영원히 걸렸어요.
부부 역할을 연기할 때 서로 같은 생각을 공유하는 과정이 있나요?
리허설에서 꽤 오랜 시간이 걸렸어요. 우리는 이걸로 농담도 했죠—네이선은 사람이 매우 감상적인 반면, 저는 정반대라서요. 신체적 역학에 대해서도 궁금했어요. 저는 계속 생각했죠, 내가 왜 당신을 만져야 하지? 우리 이렇게 오래 결혼했는데—저리 가세요. 그는 다르게 느꼈고, 그래서 우리는 행복한 중간 지점을 찾았어요.
연극이 가장 편안한 곳이라고 말씀하셨는데, 무대와 카메라가 있는 방의 차이는 무엇인가요?
카메라는 끔찍해요. 카메라가 있는 방에 있고 싶지 않아요. 연극으로 시작했기 때문에 그곳이 제 집처럼 느껴져요. 연극은 녹음되지 않기 때문에 자유로워요. 더 용감하고 즉흥적으로 느껴지죠. 관객 앞에서는 무엇이든 할 수 있고 통제감을 느낍니다. 어디서 웃음이 나고, 멈춤이 있고, 감정이 있어야 할지 알고 있어요—리허설에서 모두 계획되죠. 영화나 TV에서는 촬영 당일 헤어·메이크업 의자에서 대본을 보며 준비되지 않은 느낌을 받을 때가 많아요. 깊이를 더할 수 있다면 운이 좋은 거죠. 모든 것이 빠르고 새롭게 느껴질 때, 〈로잔느〉처럼 라이브 관객 앞에서 촬영된 쇼에서는 더 쉬웠나요? 〈로잔느〉와 〈코너스 가족〉을 합쳐 약 16년 동안 촬영했지만, 카메라가 있다는 것에 익숙해지지 못했어요. 항상 위축감을 뚫고 나가야 했죠. 물론 관객은 있지만, 그들 바로 앞에 움직이는 카메라가 네 대나 더 있잖아요. 전 절대 적응하지 못했고, 앞으로도 그럴 거예요.
카메라가 있는 방에서 그런 압박감이 덜했던 프로젝트가 두 개 있었어요: 〈빅 미스테이크스〉와 〈게팅 온〉이었죠. 그때는 대부분 손에 들고 촬영하는 카메라로, 촬영 기사가 장면 안에서 함께 있었어요. 그들이 어디에 있을지, 무엇을 찍고 있는지—저를 찍을지, 상대 배우를 찍을지—항상 확신할 수 없었고, 그게 스트레스를 덜어줬어요. 사실 전부 심리적인 거죠. 어떤 배우들은 자신의 가장 좋은 각도를 알고 싶어하거나 조명과 기술적 측면을 이해하려 하지만, 저는 그런 걸 결코 파악하지 못했고 원하지도 않아요. 카메라 기사가 함께 있는 게 더 좋아요; 더 즉흥적이고, 더 지저분하며, 더 느슨하게 느껴지죠. 마크를 맞추는 게 아니라 서로 겹치면서 연기하는 느낌이에요.
〈빅 미스테이크스〉나 댄 레비와의 작업에서 편안함을 느끼게 해준 점은 무엇이었나요?
그가 그런 방식으로 촬영할 줄은 몰랐어요. 현장에 도착해 이 느슨한 스타일을 사용한다는 걸 알게 됐을 때는 보너스였죠. 그 외에는 그 자체였어요. 저는 그의 열렬한 팬이라 그와 함께 있고 싶었고, 그의 작업 방식을 보고, 그와 대결하는 장면을 하고 싶었어요. 대본을 읽지 않아도 될 정도였죠. 그는 매우 재미있고 모든 배우들을 위해 너그럽게 대본을 써요. 쇼의 분위기와 카메라 뒤의 분위기를 어떻게 설정해야 할지 알고 있죠. 모두가 소속감을 느껴요. 제가 출연진을 대신해 말하는 거지만, 전체 스태프도 그의 존중을 받는다는 걸 알아요. 그에게 보호받는 느낌이 들어요.
감상적이지 않은 접근 방식과 많은 역할을 연기해왔다는 점을 고려할 때—특히 레퍼토리 극단에서—캐스팅이 잘못되었다고 느낀 적이 있나요?
캐스팅이 잘못된 적이 많아요. 스테펀울프 초기에는 20대 배우 다섯, 여섯, 일곱 명이 나오는 연극이 많지 않아서, 제가 14세 소녀나 할머니 역할을 하곤 했죠. 하지만 그런 잘못된 캐스팅이 우리를 더 강한 배우로 만들었다고 생각해요; 그 역할들에 들어갈 방법을 찾아야 했으니까요. 가장 최근에 제가 캐스팅이 매우 잘못되었다고 느낀 것은 〈누가 버지니아 울프를 두려워하랴〉였어요. 신체적으로는 그 역할의 전형적인 캐스팅이 아니었죠—감정적으로는 어쩌면 맞을 수 있지만, 배우는 보통 감정적 측면으로 들어갈 방법을 찾을 수 있어요. 저는 그 캐릭터에 접근할 나만의 길을 찾아야 한다고 느꼈어요. 어느 정도는… 우리는 시사회를 아홉 번 했고, 팬데믹으로 브로드웨이가 폐쇄되면서 공연이 중단됐어요. 해냈다고 생각하지만, 관객을 만나지 못한 게 아쉬워요. 분위기가 무르익고 있었거든요. 이미 매우, 매우 재미있었고, 정신적으로 저는 막 3막을 깨우친 참이었어요. 제가 들어갈 열쇠가 무엇일지 알게 됐지만, 공연이 중단되어 해보지 못했죠. 네, 저는 확실히 그 작품에서 캐스팅이 잘못됐어요.
그런 말을 하실 줄은 몰랐어요. 이 정도 경력이면 자신에게 맞지 않는다고 느끼면 거절할 수 있을 거라고 생각했는데요. 조 맨텔로 감독이 설득해야 했나요?
아니요, 전 하고 싶었어요. 왜냐하면 그것이 궁극적인 도전이라고 봤거든요: 다른 접근법을 찾는 것. 그 캐릭터가 외모나 성적 매력으로 즉시 남자를 유혹할 수 있는 여성이 아니라면, 어떻게 그들을 손아귀에 넣을까? 과연 성공할까? 그래서 저는 유머와 아첨을 통해 나만의 길을 찾아야 했죠. 다른 종류의 유혹이었어요—그런 의미에서는 포식자에 가까웠죠.
기회가 다시 온다면 그 역할을 다시 해보겠나요?
우리는 타이밍을 놓친 것 같아요. 적절한 시기는 팬데믹 직후, 바로 들어갈 때였을 거예요. 지금은 조금 시간이 지난 것 같아요. 이렇게 나이 많은 사람이 필요하지 않아요. 마사는 그렇다 치고, 〈리틀 베어〉 같은 경우는 실제로 저를 위해 특별히 쓰여진 첫 번째 역할이었어요. 딱 맞았죠.
그 대사를 읽으며 "이 작가는 내가 어떻게 연기할지 정확히 알고 있구나"라고 생각하는 게 이상했나요?
〈리틀 베어〉는 저에게 완벽했어요, 주로 샘 헌터가 제 유머 감각을 잘 잡아냈기 때문이죠. 일반화할 수 있지만, 매우 건조한 중서부 스타일이고, 그게 연극 전체에 흐르고 있었어요. 저는 감상적인 것에 반대하며 연기하는 걸 좋아하는데, 〈리틀 베어〉가 가진 또 다른 강점은 완전히 감상적이지 않으면서도 여전히 캐릭터들에게 공감하게 만든다는 거였어요. 저는 샘을 몰랐어요. 그가 무대에서 저를 본 적이 있는지, 어떤 작품에서 봤는지 몰랐죠. 궁금했어요, 저를 바탕으로 캐릭터를 쓸 수 있다는 건 무엇에 기반한 걸까? 그게 이상한 부분이었어요—아, 이렇게 나를 보는구나. 흥미롭네. 제 특유의 스타일, 유머 감각, 감상적이지 않은 점이 캐릭터 전체를 만들 만한 가치가 있다고 생각해줘서 고마웠어요. 그게 제가 감사하게 생각하는 점이에요.
그래서 자신을 위한 역할을 더 의뢰하고 싶어지나요?
제가 가장 좋아하는 극작가들은 지난 10년 동안 함께 작업한 사람들이에요, 제가 연극을 많이 하던 시절이죠. 가끔 그들을 귀찮게 하곤 해요—루카스 네이스, 브루스 노리스, 샤르 화이트, 〈그레이 하우스〉를 한 레비 홀로웨이 같은 사람들이요. 모두 남자지만, 어쨌든 모든 것은 글에서 시작한다고 생각해요. 그래서 작가와 잘 맞으면 즉시 황금이죠—특히 그 모든 작가들이 그랬듯이 그들이 현장에 함께 있을 수 있다면 더욱 그렇습니다.
샘이나 댄처럼 다른 세대의 팬이면서 지금은 당신을 위해 글을 쓰는 사람들과 작업하는 느낌이 어떤가요?
그들이 저를 어디서 아는지 모르겠어요. TV에서만 알았으면 좋겠지 않지만요. 하지만 제가 그렇게 열렬한 팬인 이 사람들—나이가 어떻든—이 함께 일하고 싶어한다는 건 엄청난 영광이에요. 정말이지요.
자주 묻는 질문
물론입니다. 로리 멧칼프의 '로리 멧칼프가 할 말이 있다'에 대한 실제 관객의 질문처럼 들리도록 디자인된 FAQ 목록입니다.
일반 초보자 질문
Q '로리 멧칼프가 할 말이 있다'는 정확히 무엇인가요?
A 이는 저명한 배우 로리 멧칼프가 일련의 극적 독백을 선보이는 라이브 솔로 스테이지 쇼입니다. 줄거리가 있는 전통적인 연극이 아니라, 큐레이팅된 캐릭터 모음입니다.
Q 코미디인가요, 드라마인가요?
A 주로 극적이고 생각을 자극하지만, 로리 멧칼프의 뛰어난 연기는 강렬한 소재 속에서도 어두운 유머와 인간성을 찾아내는 순간들이 있습니다.
Q 로리 멧칼프의 열렬한 팬이어야 즐길 수 있나요?
A 전혀 아닙니다. 팬들은 그녀의 엄청난 재능을 가까이서 볼 수 있겠지만, 이 쇼는 연기, 스토리텔링, 복잡한 인간 감정에 관심 있는 누구에게나 강력한 연극 경험을 제공하도록 설계되었습니다.
Q 공연 시간은 얼마나 되나요?
A 대개 인터미션 없이 약 90분 동안 진행됩니다.
Q 누가 썼나요?
A 독백들은 다양한 극작가들이 썼습니다. 이 쇼는 로리 멧칼프와 조 맨텔로 감독을 포함한 그녀의 크리에이티브 팀이 기획하고 큐레이팅했습니다.
내용 테마
Q 독백들은 무엇에 관한 건가요?
A 다양한 주제와 관점을 다룹니다. 슬픔, 정치적 긴장, 가족 불화, 개인적 후회, 사회적 관찰에 직면한