El parón profesional más largo de Laurie Metcalf en sus 50 años sobre los escenarios fue el intervalo de tres años entre el cierre por la pandemia de su obra de Broadway *¿Quién teme a Virginia Woolf?* y su regreso en 2023 con *Grey House*. Miembro fundadora de la prestigiosa Steppenwolf Theater Company de Chicago, ha forjado una impresionante carrera con dos premios Tony, una nominación al Oscar y cuatro Emmy. Ahora, Metcalf asume uno de los grandes clásicos del teatro estadounidense, *La muerte de un viajante*, que se estrenó el mismo día que *Grandes Errores*, una comedia de Dan Levy protagonizada por Metcalf, debutaba en Netflix.

La obra maestra de 1949 de Arthur Miller es un drama íntimo, pero Metcalf y su compañero de reparto Nathan Lane dominan el vasto teatro Winter Garden de 1.600 localidades con puro talento y presencia. Aun así, es una obra exigente, y Metcalf cuenta a Vogue que es una de las primeras veces que usa micrófono en escena. "Soy tan de la vieja escuela que acabo de empezar a usar micrófono. Es la primera vez que dependo de uno para que haga el trabajo pesado. Sin él, ya habríamos perdido la voz".

Esta lujosa producción es un hito profesional que Lane y el director Joe Mantello llevan imaginando desde los años 90, incorporando a Metcalf hace aproximadamente una década. Desde entonces, ha sido un juego de espera, coordinando agendas y—siguiendo la estricta regla de Metcalf—evitando ver cualquier otra representación de la obra.

En vísperas de sus dos grandes estrenos, apenas unos meses después de protagonizar *Little Bear Ridge Road* de Samuel D. Hunter en esta temporada de Broadway, Metcalf habló con franqueza con Vogue sobre interpretar papeles escritos para ella por fans de otras generaciones, las alegrías de ser elegida para un papel que no encaja, y qué le ayuda a sentirse cómoda frente a una cámara.

**Vogue:** ¿Cómo mantienes la idea de interpretar un papel durante 10 años?
**Laurie Metcalf:** Lo primero que hice fue apuntar en mi calendario: "No ver una producción de *La muerte de un viajante*". No quería que nada se me quedara grabado. Quería abordarlo fresco, aunque sea una obra de 75 años. Nunca la he visto, jamás. Sabía que era un papel de la lista de deseos al que llegaría con la edad—y que pasaría [risas]—así que siempre la evité. Más allá de eso, no la sacaba para leerla cada mes. Esperé hasta nuestro taller de cuatro días, una vez que el reparto estuvo fijado, para sumergirme de verdad. Por suerte, tuve como un mes libre para aprender el texto. Nathan aporta mucho a la obra ocho veces por semana, pero incluso para mí, memorizarlo me llevó una eternidad.

**¿Existe un proceso para conectar al interpretar una pareja casada?**
Nos llevó un tiempo en los ensayos. Bromeábamos sobre ello—Nathan es muy sentimental como persona, y yo soy lo contrario. Nos preguntábamos por nuestra dinámica física. Yo no paraba de pensar, ¿por qué iba a tocarte? Llevamos tanto tiempo casados—aléjate de mí. Él sentía diferente, así que encontramos un término medio.

**Has dicho que el teatro es donde te sientes más cómoda. ¿Qué tiene el escenario frente a estar en una habitación con una cámara?**
Las cámaras son horribles. Nunca quiero estar en una habitación con una cámara. Empecé en el teatro, ahí es donde me siento en casa. El teatro es liberador porque no se graba. Me siento más valiente, más espontánea. Puedo hacer cualquier cosa frente a un público y sentir que tengo el control. Sé dónde quiero las risas, las pausas, la emoción—todo está planificado en los ensayos. En cine y televisión, a menudo estoy mirando el guion en la silla de peluquería y maquillaje el mismo día, sintiéndome poco preparada. Tengo suerte si le aporto algo de profundidad.

Cuando todo se siente rápido y nuevo, ¿era más fácil en un programa como *Roseanne*, que se filmaba con público en vivo? A lo largo de todos mis años en *Roseanne* y *The Conners*—que suman unos 16 años—nunca me acostumbré a que hubiera cámaras. Siempre tuve que superar la intimidación. Claro, hay público, pero también hay cuatro cámaras móviles justo delante de ellos. Simplemente nunca me adapté, y nunca lo haré.

Ha habido dos proyectos en los que sentí menos esa presión con una cámara en la habitación: *Grandes Errores* y *Getting On*. En esos casos, la mayor parte del tiempo, era una cámara al hombro operada por alguien que estaba ahí mismo en la escena contigo. No siempre estaba segura de dónde estarían o qué estaban capturando—quizás a mí, quizás a mi compañero de escena—y eso eliminaba el estrés. Es todo mental, en realidad. A algunos actores les gusta saber su mejor lado o entender la iluminación y los aspectos técnicos, pero yo nunca lo he entendido y no quiero. Prefiero cuando el operador de cámara está en la acción; se siente más espontáneo, más desordenado, más suelto. No estás marcando una posición; estás solapándote.

**¿Qué tenía *Grandes Errores*, o trabajar con Dan Levy, que te ayudó a sentirte a gusto?**
No sabía que iba a rodarlo de esa manera. Fue una ventaja cuando llegué y supe que usaba este estilo más suelto. Más allá de eso, era él mismo. Soy tan fan que quería estar en la habitación con él, ver cómo trabaja y hacer escenas frente a él. Ni siquiera necesitaba realmente leer el guion. Es muy divertido y escribe de manera generosa para todos los actores. Sabe cómo marcar el tono del programa y el ambiente detrás de cámara. Todo el mundo se siente incluido. Hablo por el reparto, pero sé que todo el equipo tiene su respeto. Te sientes muy protegida por él.

**Dada tu aproximación poco sentimental y habiendo interpretado tantos papeles—especialmente en una compañía de repertorio—¿hubo algún papel en el que te sintieras fuera de lugar?**
Me han elegido muchas veces para papeles que no encajaban. En los primeros días de Steppenwolf, siempre me elegían para papeles que no me correspondían porque no había muchas obras con cinco, seis o siete veinteañeros, así que terminaba interpretando a una adolescente de 14 años o a una abuela. Pero creo que todos esos papeles inadecuados nos hicieron actores más fuertes; teníamos que encontrar la manera de entrar en esos roles. La vez más reciente que me sentí muy fuera de lugar fue en *¿Quién teme a Virginia Woolf?*. Físicamente, no era el casting típico para ese papel—emocionalmente, quizás, pero un actor normalmente puede encontrar la manera de entrar en el lado emocional. Sentí que tenía que encontrar mi propio camino hacia ese personaje. Parte de mí piensa... Hicimos nueve funciones previas al estreno, y cerró cuando Broadway se clausuró por la pandemia. Siento que lo hice, pero lamento que nunca encontrara público porque estaba llegando. Ya era muy, muy divertida, y mentalmente, acababa de descifrar el tercer acto. Sabía cuál iba a ser mi clave para entrar, pero nunca pude hacerlo porque la temporada se interrumpió. Sí, definitivamente no era el papel adecuado para mí.

**No hubiera esperado que dijeras eso. Pensaría que en este punto de tu carrera, si sintieras que no eras adecuada para algo, podrías haberlo rechazado. ¿Tuvo el director Joe Mantello que convencerte?**
No, yo quería hacerlo porque lo veía como el desafío definitivo: encontrar un enfoque diferente. Si el personaje no es una mujer que pueda seducir inmediatamente a los hombres con su apariencia o atractivo sexual, ¿cómo los envuelve alrededor de su dedo? ¿Lo logra siquiera? Así que tuve que encontrar mi propia manera de entrar, a través del humor y la adulación. Era un tipo diferente de sirena—más como un depredador en ese sentido.

**Si surgiera la oportunidad de nuevo, ¿retomarías ese papel?**
Creo que perdimos nuestro momento. El momento adecuado habría sido justo después de la pandemia, metiéndonos de lleno. Creo que ya ha pasado demasiado tiempo. No necesitamos a alguien tan mayor para ello.

Martha era una cosa. Pero luego hay algo como *Little Bear*, que en realidad fue el primer papel escrito específicamente para mí. Encajaba como un guante.

**¿Fue extraño leer esas líneas y pensar, "Este escritor sabe exactamente cómo voy a interpretar esto"?**
*Little Bear* era perfecto para mí, principalmente porque Sam Hunter captó mi sentido del humor. Es una generalización, pero es ese estilo muy seco del Medio Oeste, y eso recorría toda la obra. Me gusta interpretar en contra del sentimentalismo, y esa era otra cualidad fuerte que tenía *Little Bear*—era completamente poco sentimental, pero aún terminas preocupándote por los personajes. No conocía a Sam. No sabía si alguna vez me había visto en el escenario o en qué me había visto. Me preguntaba, ¿en qué se basa para poder escribir un personaje para mí? Esa fue la parte extraña—darme cuenta, así es como me ves. Eso es interesante. Supongo que aprecié que pensara que mi estilo particular, mi sentido del humor, mi falta de sentimentalismo, merecían un personaje completo. Eso es lo que aprecio.

**¿Eso te hizo querer encargar más papeles para ti misma?**
Algunos de mis dramaturgos favoritos son con los que he trabajado en los últimos diez años, cuando hice una ráfaga de obras. Les molesto de vez en cuando—como, Lucas Hnath, ¿qué tienes? Bruce Norris, Sharr White, Levi Holloway, que hizo *Grey House*. Todos resultan ser hombres, pero en fin, creo que todo empieza con la escritura. Así que cuando conectas con un escritor, eso es oro instantáneo—especialmente si pueden estar en la habitación contigo, como lo estuvieron todos esos escritores.

**¿Cómo es trabajar con gente como Sam o Dan—fans de una generación diferente que ahora escriben para ti?**
No sé de dónde me conocen. Espero que no sea solo de la televisión. Pero es increíblemente halagador que esta gente—sea cual sea su edad—de la que soy tan fan, quiera trabajar juntos. Quiero decir, Dios mío.

**Preguntas Frecuentes**
Por supuesto. Aquí hay una lista de preguntas frecuentes sobre *Laurie Metcalf Tiene Algo Que Decir* diseñada para sonar como preguntas de una audiencia real.

**General / Preguntas para Principiantes**

**P: ¿Qué es exactamente *Laurie Metcalf Tiene Algo Que Decir*?**
R: Es un espectáculo en vivo en solitario donde la aclamada actriz Laurie Metcalf interpreta una serie de monólogos dramáticos. No es una obra de teatro tradicional con trama, sino una colección curada de piezas de personajes.

**P: ¿Es una comedia o un drama?**
R: Es principalmente dramático y estimulante, aunque la brillante actuación de Laurie Metcalf a menudo encuentra momentos de humor negro y humanidad dentro del material intenso.

**P: ¿Necesito ser un superfan de Laurie Metcalf para disfrutarlo?**
R: Para nada. Si bien los fans apreciarán ver su inmenso talento de cerca, el espectáculo está diseñado para ser una poderosa experiencia teatral para cualquier persona interesada en la actuación, la narración y las emociones humanas complejas.

**P: ¿Cuánto dura el espectáculo?**
R: Suele durar unos 90 minutos sin intermedio.

**P: ¿Quién lo escribió?**
R: Los monólogos están escritos por diferentes dramaturgos. El espectáculo es concebido y curado por Laurie Metcalf y su equipo creativo, incluido el director Joe Mantello.

**Contenido / Temas**

**P: ¿De qué tratan los monólogos?**
R: Cubren una amplia gama de temas y perspectivas. Podrías encontrarte con un personaje lidiando con el duelo, la tensión política, la disfunción familiar, el arrepentimiento personal u observaciones sociales. Cada pieza presenta a una persona distinta en un momento de crisis o confesión.

**P: ¿Hay una historia o tema que conecte los monólogos?**
R: No hay una trama narrativa que los conecte. Sin embargo, las piezas a menudo se curan para crear un viaje temático explorando ideas como la verdad, la memoria, la responsabilidad y la condición humana desde diferentes ángulos.

**P: ¿Es el contenido apropiado para todas las edades?**
R: El espectáculo aborda temas maduros e incluye lenguaje fuerte. Generalmente se recomienda para adultos y adolescentes maduros.

**P: ¿Puedes dar un ejemplo de uno de los monólogos?**
R: Si bien las piezas específicas pueden cambiar, ejemplos pasados incluyen a una mujer relatando un encuentro perturbador en un avión, un personaje luchando con un secreto familiar o alguien dando un testimonio público cargado de tensión.

**Práctico / Preguntas Avanzadas**