Laurie Metcalf hat etwas zu sagen.

Laurie Metcalfs längste Karrierepause in ihren 50 Jahren auf der Bühne war die dreijährige Lücke zwischen der pandemiebedingten Schließung ihres Broadway-Stücks **Wer hat Angst vor Virginia Woolf?** und ihrer Rückkehr 2023 in **Grey House**. Als Gründungsmitglied der renommierten Steppenwolf Theater Company in Chicago hat sie eine beeindruckende Karriere mit zwei Tonys, einer Oscar-Nominierung und vier Emmys aufgebaut. Jetzt übernimmt Metcalf eines der größten amerikanischen Theaterstücke, **Tod eines Handlungsreisenden**, das am selben Tag Premiere feierte, an dem **Big Mistakes**, eine Dan-Levy-Komödie mit Metcalf, auf Netflix startete.

Arthur Millers Meisterwerk von 1949 ist ein intimes Drama, doch Metcalf und ihr Co-Star Nathan Lane beherrschen mit schierem Talent und Präsenz das riesige Winter Garden Theater mit 1.600 Plätzen. Dennoch ist es ein anspruchsvolles Stück, und Metcalf erzählt Vogue, dass es eines der ersten Male ist, dass sie ein Mikrofon auf der Bühne benutzt. "Ich bin so altmodisch, dass ich erst kürzlich angefangen habe, ein Mikrofon zu tragen. Dies ist das erste Mal, dass ich mich darauf verlasse, dass es die schwere Arbeit übernimmt. Ohne es hätten wir jetzt schon unsere Stimmen verloren."

Diese aufwändige Produktion ist ein Karriere-Meilenstein, den Lane und Regisseur Joe Mantello seit den 90er Jahren geplant haben und Metcalf vor etwa einem Jahrzehnt ins Boot holten. Seitdem war es ein Wartespiel, Termine abzustimmen und – gemäß Metcalfs strenger Regel – andere Aufführungen des Stücks zu vermeiden.

Am Vorabend ihrer beiden großen Premieren, nur Monate nach ihrer Hauptrolle in Samuel D. Hunters **Little Bear Ridge Road** in dieser Broadway-Saison, sprach Metcalf offen mit Vogue darüber, Rollen zu spielen, die für sie von Fans einer anderen Generation geschrieben wurden, die Freude daran, falsch besetzt zu sein, und was ihr hilft, sich vor der Kamera wohlzufühlen.

**Vogue:** Wie halten Sie an der Idee fest, eine Rolle zehn Jahre lang zu spielen?
**Laurie Metcalf:** Das Erste, was ich tat, war, in meinen Kalender zu schreiben: "Keine Aufführung von **Salesman** ansehen." Ich wollte nichts im Kopf festsetzen. Ich wollte frisch herangehen, obwohl es ein 75 Jahre altes Stück ist. Ich habe es noch nie gesehen – nie. Ich wusste, es war eine Rolle für die Bucket List, in die ich hineinaltern würde – und darüber hinaus [lacht] – also habe ich es immer vermieden. Darüber hinaus habe ich es nicht jeden Monat herausgeholt, um es zu lesen. Ich wartete, bis unser viertägiger Workshop begann, als die Besetzung feststand, um wirklich einzutauchen. Glücklicherweise hatte ich etwa einen Monat Pause, um die Texte zu lernen. Nathan bringt achtmal pro Woche so viel ein, aber selbst für mich dauerte das Auswendiglernen ewig.

**Gibt es einen Prozess, um auf derselben Wellenlänge zu sein, wenn man ein Ehepaar spielt?**
Es dauerte eine Weile in den Proben. Wir scherzten darüber – Nathan ist als Person sehr sentimental, und ich bin das Gegenteil. Wir fragten uns nach unserer physischen Dynamik. Ich dachte immer, warum sollte ich dich berühren? Wir sind so lange verheiratet – geh weg von mir. Er sah das anders, also fanden wir einen Kompromiss.

**Sie haben gesagt, das Theater ist, wo Sie sich am wohlsten fühlen. Was ist der Unterschied zwischen der Bühne und einem Raum mit einer Kamera?**
Kamera sind schrecklich. Ich möchte nie in einem Raum mit einer Kamera sein. Da ich im Theater angefangen habe, fühle ich mich dort zu Hause. Theater ist befreiend, weil es nicht aufgezeichnet wird. Ich fühle mich mutiger, spontaner. Ich kann alles vor einem Publikum tun und fühle mich unter Kontrolle. Ich weiß, wo ich die Lacher, die Pausen, die Emotionen haben will – alles ist in den Proben geplant. Bei Film und Fernsehen schaue ich oft am Drehtag im Haar- und Make-up-Stuhl auf das Skript und fühle mich unvorbereitet. Ich habe Glück, wenn ich irgendeine Tiefe einbringe.

Wenn alles schnell und neu erscheint, war es einfacher bei einer Show wie **Roseanne**, die vor Live-Publikum gedreht wurde? In all meinen Jahren bei **Roseanne** und **The Conners** – das sind etwa 16 Jahre – habe ich mich nie an die anwesenden Kameras gewöhnt. Ich musste immer das Gefühl der Einschüchterung überwinden. Sicher, es gibt Publikum, aber da sind auch vier bewegliche Kameras direkt vor ihnen. Ich habe mich einfach nie daran gewöhnt und werde es auch nie.

Es gab zwei Projekte, bei denen ich diesen Druck mit einer Kamera im Raum weniger spürte: **Big Mistakes** und **Getting On**. In diesen Fällen war es meistens eine Handkamera, die von jemandem bedient wurde, der direkt mit Ihnen in der Szene war. Ich war mir nie sicher, wo sie sein würden oder was sie einfingen – vielleicht mich, vielleicht meinen Spielpartner – und das nahm den Stress. Es ist alles mental, wirklich. Einige Schauspieler mögen es, ihre beste Seite zu kennen oder die Beleuchtung und technischen Aspekte zu verstehen, aber ich habe das nie herausgefunden und möchte es auch nicht. Ich bevorzuge es, wenn der Kameramann mittendrin ist; es fühlt sich spontaner, chaotischer und lockerer an. Man trifft keine Markierung; man überlappt.

**Was war es an **Big Mistakes** oder der Zusammenarbeit mit Dan Levy, das Ihnen half, sich wohlzufühlen?**
Ich wusste nicht, dass er es so drehen würde. Es war ein Bonus, als ich ankam und erfuhr, dass er diesen lockeren Stil verwendete. Darüber hinaus war es einfach er. Ich bin so ein Fan, dass ich mit ihm im Raum sein, sehen wollte, wie er arbeitet, und Szenen mit ihm spielen wollte. Ich musste nicht einmal wirklich das Skript lesen. Er ist sehr lustig und schreibt großzügig für alle Schauspieler. Er weiß, wie man den Ton für die Show und die Atmosphäre hinter der Kamera setzt. Jeder fühlt sich einbezogen. Ich spreche für die Besetzung, aber ich weiß, dass die gesamte Crew seinen Respekt hat. Man fühlt sich von ihm sehr beschützt.

**Angesichts Ihrer unsentimentalen Herangehensweise und der vielen Rollen, die Sie gespielt haben – besonders in einem Repertoire-Ensemble – gab es Teile, bei denen Sie sich falsch besetzt fühlten?**
Ich wurde oft falsch besetzt. In den frühen Steppenwolf-Tagen wurde ich immer falsch besetzt, weil es nicht viele Stücke mit fünf, sechs oder sieben 20-Jährigen gab, also spielte ich am Ende eine 14-Jährige oder eine Großmutter. Aber ich denke, all diese Fehlbesetzungen machten uns zu stärkeren Schauspielern; wir mussten einen Weg in diese Rollen finden. Das letzte Mal, als ich mich sehr falsch besetzt fühlte, war in **Virginia Woolf**. Physisch war ich nicht die typische Besetzung für diese Rolle – emotional vielleicht, aber ein Schauspieler kann normalerweise einen Weg in die emotionale Seite finden. Ich fühlte, ich musste meinen eigenen Weg zu dieser Figur finden. Ein Teil von mir denkt… Wir hatten neun Vorpremieren, und es wurde geschlossen, als Broadway wegen der Pandemie dichtmachte. Ich habe das Gefühl, ich habe es gemacht, aber ich bedauere, dass es nie ein Publikum fand, weil es dabei war, sich zu entwickeln. Es war schon sehr, sehr lustig, und mental hatte ich gerade den dritten Akt geknackt. Ich wusste, was mein Schlüssel dazu sein würde, aber ich kam nie dazu, es zu tun, weil die Laufzeit abgebrochen wurde. Ja, ich war definitiv falsch besetzt darin.

**Ich hätte nicht erwartet, dass Sie das sagen. Ich hätte gedacht, an diesem Punkt Ihrer Karriere könnten Sie ablehnen, wenn Sie sich für etwas nicht geeignet fühlen. Musste Regisseur Joe Mantello Sie überzeugen?**
Nein, ich wollte es machen, weil ich es als ultimative Herausforderung sah: einen anderen Ansatz zu finden. Wenn die Figur keine Frau ist, die Männer sofort mit ihrem Aussehen oder ihrer sexuellen Ausstrahlung verführen kann, wie wickelt sie sie dann um den Finger? Schafft sie es überhaupt? Also musste ich meinen eigenen Weg finden, durch Humor und Schmeichelei. Es war eine andere Art von Sirene – mehr wie ein Raubtier in diesem Sinne.

**Wenn sich die Gelegenheit wieder böte, würden Sie diese Rolle noch einmal aufgreifen?**
Ich denke, wir haben unseren Moment verpasst. Der richtige Zeitpunkt wäre direkt nach der Pandemie gewesen, gleich hineinzugehen. Ich denke, es ist jetzt ein bisschen zu lange her. Wir brauchen niemanden, der so alt dafür ist.

Martha war eine Sache. Aber dann gibt es so etwas wie "Little Bear", was tatsächlich die erste Rolle war, die je speziell für mich geschrieben wurde. Sie passte wie angegossen.

**War es seltsam, diese Zeilen zu lesen und zu denken: "Dieser Autor weiß genau, wie ich das spielen werde"?**
"Little Bear" war perfekt für mich, hauptsächlich weil Sam Hunter meinen Sinn für Humor einfing. Es ist eine Verallgemeinerung, aber es ist dieser sehr trockene, mittelwestliche Stil, der sich durch das ganze Stück zog. Ich spiele gerne gegen Sentimentalität an, und das war eine weitere starke Qualität von "Little Bear" – es war völlig unsentimental, und doch sorgt man sich am Ende um die Charaktere. Ich kannte Sam nicht. Ich wusste nicht, ob er mich je auf der Bühne gesehen hatte oder in was er mich gesehen hatte. Ich fragte mich, worauf basiert er das, dass er einen Charakter für mich schreiben könnte? Das war der seltsame Teil – zu realisieren, also so siehst du mich. Das ist interessant. Ich schätze, ich wusste es zu schätzen, dass er dachte, mein spezieller Stil, mein Sinn für Humor, meine Unsentimentalität, sei eine ganze Figur wert. Das schätze ich.

**Hat Sie das dazu gebracht, mehr Rollen für sich selbst in Auftrag zu geben?**
Einige meiner Lieblingsdramatiker sind die, mit denen ich in den letzten zehn Jahren gearbeitet habe, als ich eine Reihe von Stücken machte. Ich nerve sie ab und zu – wie, Lucas Hnath, was hast du? Bruce Norris, Sharr White, Levi Holloway, der "Grey House" gemacht hat. Sie sind zufällig alle Männer, aber egal, ich denke, alles beginnt mit dem Schreiben. Wenn man also mit einem Autor harmoniert, ist das sofort Gold – besonders wenn sie mit Ihnen im Raum sein können, wie all diese Autoren es waren.

**Wie ist es, mit Leuten wie Sam oder Dan zu arbeiten – Fans einer anderen Generation, die jetzt für Sie schreiben?**
Ich weiß nicht, woher sie mich kennen. Ich hoffe, nicht nur aus dem Fernsehen. Aber es ist unglaublich schmeichelhaft, dass diese Leute – egal welchen Alters –, von denen ich so ein großer Fan bin, zusammenarbeiten wollen. Ich meine, mein Gott.

**Häufig gestellte Fragen**
Natürlich, hier ist eine Liste von FAQs über Laurie Metcalfs "Laurie Metcalf Has Something to Say", die wie Fragen eines echten Publikums klingen sollen.

**Allgemeine Anfängerfragen**

**F: Was genau ist "Laurie Metcalf Has Something to Say"?**
A: Es ist eine Live-Solo-Bühnen-Show, in der die gefeierte Schauspielerin Laurie Metcalf eine Reihe dramatischer Monologe aufführt. Es ist kein traditionelles Stück mit einer Handlung, sondern eine kuratierte Sammlung von Charakterstücken.

**F: Ist es eine Komödie oder ein Drama?**
A: Es ist in erster Linie dramatisch und nachdenklich, obwohl Laurie Metcalfs brillante Schauspielkunst oft Momente von schwarzem Humor und Menschlichkeit in dem intensiven Material findet.

**F: Muss ich ein Superfan von Laurie Metcalf sein, um es zu genießen?**
A: Keineswegs. Während Fans ihre immense Talente aus der Nähe schätzen werden, ist die Show als kraftvolles Theatererlebnis für jeden konzipiert, der an Schauspiel, Geschichtenerzählen und komplexen menschlichen Emotionen interessiert ist.

**F: Wie lange dauert die Show?**
A: Sie dauert in der Regel etwa 90 Minuten ohne Pause.

**F: Wer hat es geschrieben?**
A: Die Monologe sind von verschiedenen Dramatikern geschrieben. Die Show wurde von Laurie Metcalf und ihrem kreativen Team, einschließlich Regisseur Joe Mantello, konzipiert und kuratiert.

**Inhalt & Themen**

**F: Worum geht es in den Monologen?**
A: Sie behandeln eine breite Palette von Themen und Perspektiven. Man könnte auf eine Figur treffen, die mit Trauer, politischer Spannung, familiärer Dysfunktion, persönlichem Bedauern oder gesellschaftlichen Beobachtungen ringt. Jedes Stück präsentiert eine eigenständige Person in einem Moment der Krise oder des Geständnisses.

**F: Gibt es eine verbindende Geschichte oder ein Thema zwischen den Monologen?**
A: Es gibt keine narrative Handlung, die sie verbindet. Die Stücke werden jedoch oft kuratiert, um eine thematische Reise zu schaffen, die Ideen wie Wahrheit, Erinnerung, Verantwortung und die menschliche Natur aus verschiedenen Blickwinkeln erkundet.

**F: Ist der Inhalt für alle Altersgruppen geeignet?**
A: Die Show behandelt reife Themen und enthält starke Sprache. Sie wird generell für Erwachsene und reife Teenager empfohlen.

**F: Können Sie ein Beispiel für einen der Monologe geben?**
A: Während die spezifischen Stücke wechseln können, waren vergangene Beispiele eine Frau, die eine verstörende Begegnung in einem Flugzeug schildert, eine Figur, die mit einem Familiengeheimnis ringt, oder jemand, der ein angespanntes öffentliches Zeugnis ablegt.

**Praktische & Fortgeschrittene Fragen**