La plus longue pause de carrière de Laurie Metcalf en 50 ans sur scène a été l'interruption de trois ans entre la fermeture de sa pièce de Broadway *Qui a peur de Virginia Woolf ?* due à la pandémie et son retour en 2023 dans *Grey House*. Membre fondatrice de la prestigieuse Steppenwolf Theater Company de Chicago, elle a bâti une carrière impressionnante avec deux Tony, une nomination aux Oscars et quatre Emmy. Aujourd'hui, Metcalf s'attaque à l'une des plus grandes pièces américaines, *Mort d'un commis voyageur*, qui a ouvert le même jour que *Big Mistakes*, une comédie de Dan Levy avec Metcalf, diffusée sur Netflix.

Le chef-d'œuvre de 1949 d'Arthur Miller est un drame intime, mais Metcalf et son partenaire Nathan Lane dominent le vaste théâtre Winter Garden de 1 600 places par leur seul talent et présence. Pourtant, c'est une pièce exigeante, et Metcalf confie à Vogue que c'est l'une des premières fois qu'elle utilise un micro sur scène. « Je suis tellement traditionnelle que je viens tout juste de commencer à porter un micro. C'est la première fois que je compte sur lui pour porter la voix. Sans lui, nous aurions déjà perdu nos voix. »

Cette production somptueuse est un jalon de carrière que Lane et le metteur en scène Joe Mantello envisagent depuis les années 90, ayant recruté Metcalf il y a environ dix ans. Depuis, ce fut une attente, une gestion des emplois du temps et—suivant la règle stricte de Metcalf—l'évitement de toute autre représentation de la pièce.

À la veille de ses deux grandes premières, quelques mois seulement après avoir joué dans *Little Bear Ridge Road* de Samuel D. Hunter cette saison à Broadway, Metcalf s'est confiée ouvertement à Vogue sur l'interprétation de rôles écrits pour elle par des fans d'une autre génération, les joies d'être mal distribuée et ce qui l'aide à se sentir à l'aise devant une caméra.

**Vogue :** Comment gardez-vous l'idée d'interpréter un rôle pendant 10 ans ?
**Laurie Metcalf :** La première chose que j'ai faite a été d'écrire dans mon calendrier : « Ne pas voir une production de *Mort d'un commis voyageur*. » Je ne voulais rien avoir en tête. Je voulais l'aborder à neuf, même si c'est une pièce vieille de 75 ans. Je ne l'ai jamais vue—jamais. Je savais que c'était un rôle à faire avant de mourir, que j'atteindrais avec l'âge—et au-delà [rires]—donc je l'ai toujours évitée. Au-delà de ça, je ne la ressortais pas pour la relire chaque mois. J'ai attendu notre atelier de quatre jours, une fois la distribution établie, pour vraiment m'y plonger. Heureusement, j'ai eu environ un mois de congé pour apprendre les répliques. Nathan apporte tellement à la pièce huit fois par semaine, mais même pour moi, mémoriser a pris une éternité.

**Y a-t-il un processus pour être sur la même longueur d'onde lorsqu'on joue un couple marié ?**
Cela nous a pris un moment pendant les répétitions. Nous en plaisantions—Nathan est très sentimental en tant que personne, et moi c'est le contraire. Nous nous interrogions sur notre dynamique physique. Je n'arrêtais pas de penser, pourquoi est-ce que je te toucherais ? Nous sommes mariés depuis si longtemps—éloigne-toi de moi. Lui ressentait différemment, donc nous avons trouvé un juste milieu.

**Vous avez dit que le théâtre est l'endroit où vous êtes le plus à l'aise. Qu'est-ce qui différencie la scène d'être dans une pièce avec une caméra ?**
Les caméras sont horribles. Je ne veux jamais être dans une pièce avec une caméra. Ayant commencé au théâtre, c'est là que je me sens chez moi. Le théâtre est libérateur parce qu'il n'est pas enregistré. Je me sens plus courageuse, plus spontanée. Je peux tout faire devant un public et me sentir en contrôle. Je sais où je veux les rires, les pauses, l'émotion—tout est planifié en répétition. Au cinéma et à la télévision, je regarde souvent le script dans le fauteuil de coiffure et maquillage le jour même, me sentant mal préparée. J'ai de la chance si j'apporte de la profondeur.

Quand tout semble rapide et nouveau, était-ce plus facile sur une émission comme *Roseanne*, qui était filmée avec un public en direct ? Pendant toutes mes années sur *Roseanne* et *The Conners*—ce qui représente environ 16 ans—je ne me suis jamais habituée à la présence des caméras. J'ai toujours dû surmonter mon intimidation. Bien sûr, il y a un public, mais il y a aussi quatre caméras mobiles juste devant eux. Je ne m'y suis jamais adaptée, et je ne m'y adapterai jamais.

Il y a eu deux projets où j'ai ressenti moins cette pression avec une caméra dans la pièce : *Big Mistakes* et *Getting On*. Dans ces cas-là, la plupart du temps, c'était une caméra portée par quelqu'un qui était là, dans la scène avec vous. Je n'étais pas toujours sûre de savoir où ils seraient ou ce qu'ils filmaient—peut-être moi, peut-être mon partenaire de scène—et cela a enlevé le stress. C'est tout mental, vraiment. Certains acteurs aiment connaître leur meilleur profil ou comprendre l'éclairage et les aspects techniques, mais je n'ai jamais compris cela et je ne veux pas. Je préfère quand le caméraman est dans l'action ; cela semble plus spontané, plus désordonné, plus détendu. Vous ne marquez pas un point ; vous vous chevauchez.

Qu'est-ce qui, dans *Big Mistakes*, ou dans le travail avec Dan Levy, vous a aidée à vous sentir à l'aise ?
Je ne savais pas qu'il allait tourner de cette façon. C'était un bonus à mon arrivée d'apprendre qu'il utilisait ce style plus libre. Au-delà de ça, c'était juste lui. Je suis une telle fan que je voulais être dans la même pièce que lui, voir comment il travaille et jouer des scènes face à lui. Je n'avais même pas vraiment besoin de lire le script. Il est très drôle et écrit généreusement pour tous les acteurs. Il sait comment donner le ton à l'émission et l'atmosphère derrière la caméra. Tout le monde se sent inclus. Je parle pour la distribution, mais je sais que toute l'équipe a son respect. On se sent très protégé par lui.

Compte tenu de votre approche peu sentimentale et du grand nombre de rôles que vous avez joués—surtout dans une compagnie de répertoire—y a-t-il eu des rôles où vous vous êtes sentie mal distribuée ?
J'ai souvent été mal distribuée. Au début de Steppenwolf, j'étais toujours mal distribuée parce qu'il n'y avait pas beaucoup de pièces avec cinq, six ou sept jeunes de 20 ans, donc je finissais par jouer une adolescente de 14 ans ou une grand-mère. Mais je pense que toutes ces mauvaises distributions nous ont rendus acteurs plus forts ; nous devions trouver un moyen d'entrer dans ces rôles. La dernière fois où je me suis sentie très mal distribuée, c'était dans *Virginia Woolf*. Physiquement, je n'étais pas le choix typique pour ce rôle—émotionnellement, peut-être, mais un acteur peut généralement trouver son chemin vers le côté émotionnel. J'ai senti que je devais trouver ma propre voie vers ce personnage. Une partie de moi pense… Nous avons fait neuf avant-premières, et cela a fermé quand Broadway a fermé à cause de la pandémie. J'ai l'impression de l'avoir fait, mais je regrette que cela n'ait jamais trouvé son public parce que cela y arrivait. C'était déjà très, très drôle, et mentalement, je venais juste de percer le troisième acte. Je savais quel serait mon accès, mais je n'ai jamais pu le faire parce que la série a été écourtée. Oui, j'étais définitivement mal distribuée là-dedans.

Je ne m'attendais pas à ce que vous disiez cela. Je pensais qu'à ce stade de votre carrière, si vous sentiez que vous n'étiez pas faite pour quelque chose, vous auriez pu refuser. Le metteur en scène Joe Mantello a-t-il dû vous convaincre ?
Non, je voulais le faire parce que je le voyais comme le défi ultime : trouver une approche différente. Si le personnage n'est pas une femme qui peut séduire immédiatement les hommes par son apparence ou son sex-appeal, comment les enroule-t-elle autour de son doigt ? Y arrive-t-elle même ? Donc j'ai dû trouver ma propre voie, par l'humour et la flatterie. C'était un genre différent de sirène—plus comme un prédateur en ce sens.

Si l'occasion se représentait, reprendriez-vous ce rôle ?
Je pense que nous avons raté notre moment. Le bon moment aurait été juste après la pandémie, en y allant directement. Je pense que c'est un peu trop long maintenant. Nous n'avons pas besoin de quelqu'un d'aussi âgé pour cela.

Martha, c'était une chose. Mais ensuite, il y a quelque chose comme *Little Bear*, qui était en fait le premier rôle jamais écrit spécifiquement pour moi. Cela m'allait comme un gant.

Était-ce étrange de lire ces répliques et de penser : « Cet écrivain sait exactement comment je vais jouer cela » ?

*Little Bear* était parfait pour moi, surtout parce que Sam Hunter a capturé mon sens de l'humour. C'est un peu une généralisation, mais c'est ce style très sec, du Midwest, et cela traversait toute la pièce. J'aime jouer contre le sentimentalisme, et c'était une autre qualité forte de *Little Bear*—c'était complètement non sentimental, mais on finit par se soucier des personnages. Je ne connaissais pas Sam. Je ne savais pas s'il m'avait déjà vue sur scène ou dans quoi il m'avait vue. Je me demandais, sur quoi se base-t-il pour écrire un personnage pour moi ? C'était la partie étrange—réaliser, donc c'est comme ça que tu me vois. C'est intéressant. Je suppose que j'ai apprécié qu'il pense que mon style particulier, mon sens de l'humour, mon absence de sentimentalisme, méritaient tout un personnage. C'est ce que j'apprécie.

Cela vous a-t-il donné envie de commander plus de rôles pour vous-même ?

Certains de mes dramaturges préférés sont ceux avec qui j'ai travaillé au cours des dix dernières années, quand j'ai enchaîné les pièces. Je les harcèle de temps en temps—comme, Lucas Hnath, qu'as-tu ? Bruce Norris, Sharr White, Levi Holloway, qui a fait *Grey House*. Ils se trouvent tous être des hommes, mais de toute façon, je pense que tout commence avec l'écriture. Donc quand vous vous connectez avec un écrivain, c'est de l'or instantané—surtout s'ils peuvent être dans la pièce avec vous, comme tous ces écrivains l'étaient.

Comment est-ce de travailler avec des gens comme Sam ou Dan—des fans d'une génération différente qui écrivent maintenant pour vous ?

Je ne sais pas d'où ils me connaissent. J'espère que ce n'est pas seulement de la télévision. Mais c'est incroyablement flatteur que ces gens—quel que soit leur âge—dont je suis une si grande fan, veuillent travailler ensemble. Je veux dire, mon Dieu.

**Foire Aux Questions**
Bien sûr, voici une liste de FAQ sur *Laurie Metcalf a quelque chose à dire* conçue pour ressembler à des questions d'un vrai public.

**Général - Questions pour débutants**

**Q : Qu'est-ce que *Laurie Metcalf a quelque chose à dire* exactement ?**
**R :** C'est un spectacle solo en direct où l'acclamée actrice Laurie Metcalf interprète une série de monologues dramatiques. Ce n'est pas une pièce traditionnelle avec une intrigue, mais une collection organisée de portraits de personnages.

**Q : Est-ce une comédie ou un drame ?**
**R :** C'est principalement dramatique et stimulant, bien que le jeu brillant de Laurie Metcalf trouve souvent des moments d'humour noir et d'humanité dans le matériel intense.

**Q : Dois-je être un super fan de Laurie Metcalf pour l'apprécier ?**
**R :** Pas du tout. Bien que les fans apprécieront de voir son immense talent de près, le spectacle est conçu pour être une expérience théâtrale puissante pour quiconque s'intéresse au jeu d'acteur, à la narration et aux émotions humaines complexes.

**Q : Combien de temps dure le spectacle ?**
**R :** Il dure généralement environ 90 minutes sans entracte.

**Q : Qui l'a écrit ?**
**R :** Les monologues sont écrits par différents dramaturges. Le spectacle est conçu et organisé par Laurie Metcalf et son équipe créative, y compris le metteur en scène Joe Mantello.

**Contenu - Thèmes**

**Q : De quoi parlent les monologues ?**
**R :** Ils couvrent un large éventail de sujets et de perspectives. Vous pourriez rencontrer un personnage aux prises avec le chagrin, la tension politique, la dysfonction familiale, le regret personnel ou des observations sociétales. Chaque pièce présente une personne distincte dans un moment de crise ou de confession.

**Q : Y a-t-il une histoire ou un thème reliant les monologues ?**
**R :** Il n'y a pas d'intrigue narrative les reliant. Cependant, les pièces sont souvent organisées pour créer un parcours thématique explorant des idées comme la vérité, la mémoire, la responsabilité et la condition humaine sous différents angles.

**Q : Le contenu est-il approprié à tous les âges ?**
**R :** Le spectacle traite de thèmes matures et comprend un langage fort. Il est généralement recommandé aux adultes et aux adolescents matures.

**Q : Pouvez-vous donner un exemple d'un des monologues ?**
**R :** Bien que les pièces spécifiques puissent changer, des exemples passés incluent une femme racontant une rencontre troublante dans un avion, un personnage luttant avec un secret de famille ou quelqu'un livrant un témoignage public tendu.

**Pratique - Questions avancées**