O intervalo mais longo na carreira de Laurie Metcalf em seus 50 anos no palco foi a pausa de três anos entre o fechamento pandêmico de seu espetáculo da Broadway **Who’s Afraid of Virginia Woolf?** e seu retorno em 2023 com **Grey House**. Membro fundadora da prestigiada Steppenwolf Theater Company de Chicago, ela construiu uma carreira impressionante com dois Tonys, uma indicação ao Oscar e quatro Emmys. Agora, Metcalf assume uma das maiores peças americanas, **Death of a Salesman**, que estreou no mesmo dia em que **Big Mistakes**, uma comédia de Dan Levy estrelada por Metcalf, estreou na Netflix.
A obra-prima de 1949 de Arthur Miller é um drama íntimo, mas Metcalf e o co-estrela Nathan Lane comandam o vasto teatro Winter Garden, com 1.600 lugares, com puro talento e presença. Ainda assim, é uma peça exigente, e Metcalf conta à Vogue que é uma das primeiras vezes que usa microfone no palco. "Sou tão tradicional que só agora comecei a usar microfone. É a primeira vez que dependo de um para fazer o trabalho pesado. Sem ele, já teríamos perdido a voz."
Esta produção luxuosa é um marco na carreira que Lane e o diretor Joe Mantello imaginam desde os anos 90, trazendo Metcalf a bordo cerca de uma década atrás. Desde então, tem sido um jogo de espera, navegando por agendas e—seguindo a regra estrita de Metcalf—evitando qualquer outra apresentação da peça.
Na véspera de suas duas grandes estreias, apenas meses após estrelar **Little Bear Ridge Road**, de Samuel D. Hunter, nesta temporada da Broadway, Metcalf falou abertamente à Vogue sobre interpretar papéis escritos para ela por fãs de outras gerações, as alegrias de ser escalada de forma inadequada e o que a ajuda a se sentir à vontade diante de uma câmera.
**Vogue:** Como você mantém a ideia de interpretar um papel por 10 anos?
**Laurie Metcalf:** A primeira coisa que fiz foi escrever na minha agenda: "Não veja uma produção de **Salesman**". Eu não queria nada preso na minha cabeça. Queria abordá-la de forma nova, mesmo sendo uma peça de 75 anos. Nunca a vi—nunca. Sabia que era um papel da lista de desejos para o qual eu amadureceria—e passaria [risos]—então sempre a evitei. Além disso, não a revisava para ler todo mês. Esperei até nosso workshop de quatro dias, quando o elenco foi definido, para realmente mergulhar. Felizmente, tive cerca de um mês de folga para aprender as falas. Nathan traz tanto para isso oito vezes por semana, mas mesmo para mim, memorizar levou uma eternidade.
**Existe um processo para entrar na mesma sintonia ao interpretar um casal?**
Levamos um tempo nos ensaios. Brincamos sobre isso—Nathan é muito sentimental como pessoa, e eu sou o oposto. Nos perguntamos sobre nossa dinâmica física. Eu ficava pensando, por que eu estaria tocando em você? Estamos casados há tanto tempo—fique longe de mim. Ele sentia diferente, então encontramos um meio-termo.
**Você disse que o teatro é onde se sente mais confortável. O que há no palco versus estar em uma sala com uma câmera?**
Câmeras são horríveis. Nunca quero estar em uma sala com uma câmera. Começando no teatro, é onde me sinto em casa. O teatro é libertador porque não é gravado. Sinto-me mais corajosa, mais espontânea. Posso fazer qualquer coisa diante de uma plateia e me sentir no controle. Sei onde quero as risadas, as pausas, a emoção—tudo é mapeado nos ensaios. No cinema e na TV, muitas vezes estou olhando o roteiro na cadeira de cabelo e maquiagem no dia, me sentindo despreparada. Tenho sorte se trouxer alguma profundidade.
Quando tudo parece rápido e novo, foi mais fácil em um programa como **Roseanne**, que era filmado com uma plateia ao vivo? Ao longo de todos os meus anos em **Roseanne** e **The Conners**—que somam cerca de 16 anos—nunca me acostumei com as câmeras estando lá. Sempre tive que superar a intimidação. Claro, há uma plateia, mas também há quatro câmeras móveis bem na frente deles. Nunca me adaptei a isso, e nunca vou.
Houve dois projetos em que senti menos essa pressão com uma câmera na sala: **Big Mistakes** e **Getting On**. Nesses casos, na maior parte do tempo, era uma câmera de mão operada por alguém que estava ali na cena com você. Eu nem sempre sabia onde eles estariam ou o que estavam capturando—talvez eu, talvez meu parceiro de cena—e isso tirou o estresse. É tudo mental, realmente. Alguns atores gostam de saber seu melhor lado ou entender a iluminação e os aspectos técnicos, mas nunca descobri isso e não quero. Prefiro quando o operador de câmera está no meio; parece mais espontâneo, mais bagunçado e mais solto. Você não está atingindo uma marca; está se sobrepondo.
**O que havia em **Big Mistakes**, ou em trabalhar com Dan Levy, que a ajudou a se sentir à vontade?**
Eu não sabia que ele iria filmar daquela maneira. Foi um bônus quando cheguei e descobri que ele estava usando esse estilo mais solto. Além disso, era só ele. Sou tão fã que queria estar na sala com ele, ver como ele trabalha e fazer cenas com ele. Nem precisei realmente ler o roteiro. Ele é muito engraçado e escreve de forma generosa para todos os atores. Ele sabe como definir o tom do programa e a atmosfera atrás das câmeras. Todos se sentem incluídos. Estou falando pelo elenco, mas sei que toda a equipe tem seu respeito. Você se sente muito protegido por ele.
**Dada sua abordagem não sentimental e tendo interpretado tantos papéis—especialmente em uma companhia de repertório—houve algum papel em que você se sentiu escalada de forma inadequada?**
Fui escalada de forma inadequada muitas vezes. No início da Steppenwolf, eu era sempre escalada de forma inadequada porque não havia muitas peças com cinco, seis ou sete pessoas de 20 anos, então acabava interpretando uma adolescente de 14 anos ou uma avó. Mas acho que todas essas escalações inadequadas nos tornaram atores mais fortes; tivemos que encontrar uma maneira de entrar nesses papéis. A vez mais recente em que me senti muito escalada de forma inadequada foi em **Virginia Woolf**. Fisicamente, eu não era o elenco típico para aquele papel—emocionalmente, talvez, mas um ator geralmente consegue encontrar seu caminho para o lado emocional. Senti que tinha que encontrar meu próprio caminho para aquela personagem. Parte de mim pensa... Fizemos nove prévias, e ela fechou quando a Broadway foi interrompida devido à pandemia. Sinto que fiz, mas lamento que nunca tenha encontrado uma plateia porque estava chegando lá. Já estava muito, muito engraçada, e mentalmente, eu tinha acabado de decifrar o terceiro ato. Sabia qual seria minha chave para isso, mas nunca consegui fazê-lo porque a temporada foi interrompida. Sim, definitivamente fui escalada de forma inadequada naquela.
**Eu não esperaria que você dissesse isso. Acho que neste ponto da sua carreira, se sentisse que não era adequada para algo, você poderia ter recusado. O diretor Joe Mantello teve que convencê-la?**
Não, eu queria fazer porque via como o desafio máximo: encontrar uma abordagem diferente. Se a personagem não é uma mulher que pode seduzir imediatamente os homens com sua aparência ou apelo sexual, como ela os envolve? Ela consegue? Então tive que encontrar meu próprio caminho, através do humor e da bajulação. Era um tipo diferente de sedutora—mais como uma predadora nesse sentido.
**Se a oportunidade surgisse novamente, você revisitaria esse papel?**
Acho que perdemos nosso momento. O momento certo teria sido logo após a pandemia, indo direto para isso. Acho que já faz um tempo demais agora. Não precisamos de alguém tão velho para isso. Martha era uma coisa. Mas depois há algo como "Little Bear", que na verdade foi o primeiro papel escrito especificamente para mim. Serviu como uma luva.
**Foi estranho ler aquelas falas e pensar: "Este escritor sabe exatamente como vou interpretar isso"?**
"Little Bear" foi perfeito para mim, principalmente porque Sam Hunter capturou meu senso de humor. É uma generalização, mas é aquele estilo muito seco do Meio-Oeste, e isso percorreu toda a peça. Gosto de interpretar contra o sentimentalismo, e essa era outra qualidade forte que "Little Bear" tinha—era completamente não sentimental, mas você ainda acaba se importando com os personagens. Eu não conhecia Sam. Não sabia se ele já me tinha visto no palco ou em que me tinha visto. Eu me perguntava, em que ele está se baseando para escrever uma personagem para mim? Essa foi a parte estranha—perceber, então é assim que você me vê. Isso é interessante. Acho que apreciei que ele pensasse que meu estilo particular, meu senso de humor, minha falta de sentimentalismo, eram dignos de uma personagem inteira. É isso que eu aprecio.
**Isso a fez querer encomendar mais papéis para si mesma?**
Alguns de meus dramaturgos favoritos são aqueles com quem trabalhei nos últimos dez anos, quando fiz uma série de peças. Eu os incomodo de vez em quando—como, Lucas Hnath, o que você tem? Bruce Norris, Sharr White, Levi Holloway, que fez "Grey House". Todos são homens, mas enfim, acho que tudo começa com a escrita. Então, quando você se identifica com um escritor, é ouro instantâneo—especialmente se eles puderem estar na sala com você, como todos esses escritores estiveram.
**Como é trabalhar com pessoas como Sam ou Dan—fãs de uma geração diferente que agora estão escrevendo para você?**
Não sei de onde eles me conhecem. Espero que não seja só da TV. Mas é incrivelmente lisonjeador que essas pessoas—qualquer que seja sua idade—das quais sou tão fã, queiram trabalhar juntas. Quer dizer, meu Deus.
**Perguntas Frequentes**
Claro Aqui está uma lista de FAQs sobre Laurie Metcalfs Laurie Metcalf Has Something to Say projetada para soar como perguntas de um público real
**Geral / Perguntas para Iniciantes**
**Q: O que exatamente é Laurie Metcalf Has Something to Say?**
A: É um show solo ao vivo onde a aclamada atriz Laurie Metcalf interpreta uma série de monólogos dramáticos. Não é uma peça tradicional com enredo, mas uma coleção curada de peças de personagens.
**Q: É uma comédia ou um drama?**
A: É principalmente dramático e instigante, embora a atuação brilhante de Laurie Metcalf muitas vezes encontre momentos de humor negro e humanidade dentro do material intenso.
**Q: Preciso ser um super fã de Laurie Metcalf para aproveitar?**
A: De forma alguma. Embora os fãs apreciem ver seu imenso talento de perto, o show é projetado para ser uma poderosa experiência teatral para qualquer pessoa interessada em atuação, narrativa e emoções humanas complexas.
**Q: Quanto tempo dura o show?**
A: Normalmente dura cerca de 90 minutos sem intervalo.
**Q: Quem escreveu?**
A: Os monólogos são escritos por diferentes dramaturgos. O show é concebido e curado por Laurie Metcalf e sua equipe criativa, incluindo o diretor Joe Mantello.
**Conteúdo / Temas**
**Q: Sobre o que são os monólogos?**
A: Eles cobrem uma ampla gama de tópicos e perspectivas. Você pode encontrar uma personagem lidando com luto, tensão política, disfunção familiar, arrependimento pessoal ou observações sociais. Cada peça apresenta uma pessoa distinta em um momento de crise ou confissão.
**Q: Existe uma história ou tema conectando os monólogos?**
A: Não há um enredo narrativo conectando-os. No entanto, as peças são frequentemente curadas para criar uma jornada temática, explorando ideias como verdade, memória, responsabilidade e a condição humana de diferentes ângulos.
**Q: O conteúdo é apropriado para todas as idades?**
A: O show lida com temas maduros e inclui linguagem forte. Geralmente é recomendado para adultos e adolescentes maduros.
**Q: Você pode dar um exemplo de um dos monólogos?**
A: Embora as peças específicas possam mudar, exemplos passados incluem uma mulher relembrando um encontro perturbador em um avião, uma personagem lutando com um segredo de família ou alguém dando um testemunho público conturbado.
**Prático / Perguntas Avançadas**