Laurie Metcalfs längsta karriärpaus under sina 50 år på scen var de tre år som skilde mellan att pandemin stängde hennes Broadwayföreställning Who’s Afraid of Virginia Woolf? och hennes återkomst i 2023 års Grey House. Som en av grundarna till Chicagos ansedda Steppenwolf Theater Company har hon byggt en imponerande karriär med två Tony-priser, en Oscarsnominering och fyra Emmy-priser. Nu tar Metcalf sig an ett av Amerikas största teaterstycken, Death of a Salesman, som hade premiär samma dag som Big Mistakes, en Dan Levy-komedi med Metcalf i en av rollerna, hade premiär på Netflix.

Arthur Millers mästerverk från 1949 är en intim dramatik, men Metcalf och hennes motspelare Nathan Lane behärskar den stora Winter Garden-teatern med 1 600 platser med ren talang och närvaro. Ändå är det ett krävande stycke, och Metcalf berättar för Vogue att det är en av de första gångerna hon använder mikrofon på scen. "Jag är så gammaldags att jag precis har börjat använda mikrofon. Det här är första gången jag förlitar mig på en för att göra det tunga jobbet. Utan den skulle vi ha tappat rösterna vid det här laget."

Denna påkostade produktion är en karriärmilestolpe som Lane och regissören Joe Mantello har drömt om sedan 90-talet, och de fick med Metcalf för ungefär ett decennium sedan. Sedan dess har det varit en väntan, att navigera scheman och – i enlighet med Metcalfs strikta regel – undvika att se några andra uppsättningar av pjäsen.

Kvällen före sina två stora premiärer, bara månader efter att ha spelat huvudrollen i Samuel D. Hunters Little Bear Ridge Road denna Broadway-säsong, pratade Metcalf öppet med Vogue om att spela roller skrivna för henne av fans från en annan generation, glädjen i att bli felcastad och vad som hjälper henne att känna sig avslappnad framför en kamera.

Vogue: Hur håller du fast vid idén om att spela en roll i 10 år?
Laurie Metcalf: Det första jag gjorde var att skriva i min kalender: "Se inte en uppsättning av Salesman." Jag ville inte ha något fast i huvudet. Jag ville närma mig det färskt, trots att det är en 75 år gammal pjäs. Jag har aldrig sett den – någonsin. Jag visste att det var en roll på min bucket list som jag skulle växa in i – och förbi [skrattar] – så jag undvek den alltid. Utöver det plockade jag inte fram den för att läsa varje månad. Jag väntade tills vår fyra dagar långa workshop, när rollistan var klar, för att verkligen dyka in. Som tur var hade jag ungefär en månads ledighet för att lära mig replikerna. Nathan tillför så mycket till det åtta gånger i veckan, men även för mig tog det en evighet att memorera.

Finns det en process för att komma på samma våglängd när man spelar ett gift par?
Det tog oss en stund under repetitionerna. Vi skämtade om det – Nathan är väldigt sentimental som person, och jag är motsatsen. Vi undrade över vår fysiska dynamik. Jag tänkte hela tiden, varför skulle jag röra vid dig? Vi har varit gifta så länge – håll dig borta från mig. Han kände annorlunda, så vi hittade en medelväg.

Du har sagt att teatern är där du känner dig mest bekväm. Vad är det med scenen jämfört med att vara i ett rum med en kamera?
Kameror är hemska. Jag vill aldrig vara i ett rum med en kamera. Eftersom jag började inom teatern är det där jag känner mig hemma. Teatern är befriande för att den inte spelas in. Jag känner mig modigare, mer spontan. Jag kan göra vad som helst framför en publik och känna mig i kontroll. Jag vet var jag vill ha skratten, pauserna, känslan – allt är utarbetat under repetitionerna. Inom film och TV tittar jag ofta på manuset i hår- och sminkstolen samma dag och känner mig oförberedd. Jag har tur om jag tillför någon djup.

När allt känns snabbt och nytt, var det lättare på en serie som Roseanne, som spelades in med en livepublik? Under alla mina år på Roseanne och The Conners – vilket blir ungefär 16 år totalt – vande jag mig aldrig vid att kamerorna var där. Jag var alltid tvungen att kämpa mig förbi känslan av att vara intimiderad. Visst finns det en publik, men det finns också fyra rörliga kameror precis framför dem. Jag vande mig helt enkelt aldrig vid det, och det kommer jag aldrig att göra.

Det har funnits två projekt där jag kände mindre av det där trycket med en kamera i rummet: Big Mistakes och Getting On. I de fallen var det för det mesta en handhållen kamera som hanterades av någon som var där i scenen med dig. Jag var inte alltid säker på var de skulle vara eller vad de fångade – kanske mig, kanske min motspelare – och det tog bort stressen. Det är helt mentalt, egentligen. Vissa skådespelare gillar att veta sin bästa sida eller förstå belysningen och de tekniska aspekterna, men jag har aldrig listat ut det och vill inte heller göra det. Jag föredrar när kameramannen är med i mixen; det känns mer spontant, rörligare och lösare. Du träffar inte ett märke; du överlappar.

Vad var det med Big Mistakes, eller att arbeta med Dan Levy, som hjälpte dig att känna dig avslappnad?
Jag visste inte att han skulle filma på det sättet. Det var en bonus när jag kom dit och fick veta att han använde den här lösare stilen. Utöver det var det bara han. Jag är ett så stort fan att jag ville vara i samma rum som honom, se hur han arbetar och göra scener mot honom. Jag behövde inte ens riktigt läsa manuset. Han är väldigt rolig och skriver generöst för alla skådespelare. Han vet hur man sätter tonen för serien och stämningen bakom kameran. Alla känner sig inkluderade. Jag talar för skådespelarna, men jag vet att hela crewet har hans respekt. Man känner sig väldigt skyddad av honom.

Med tanke på ditt osentimentala tillvägagångssätt och att du har spelat så många roller – särskilt i ett repertoarteater – fanns det några roller där du kände dig felcastad?
Jag har blivit felcastad många gånger. Tillbaka i de tidiga Steppenwolf-dagarna blev jag alltid felcastad eftersom det inte fanns många pjäser med fem, sex eller sju 20-åringar, så jag hamnade med att spela en 14-åring eller en mormor. Men jag tror att all felcasting gjorde oss till starkare skådespelare; vi var tvungna att hitta ett sätt in i de rollerna. Den senaste gången jag kände mig väldigt felcastad var i Virginia Woolf. Fysiskt sett var jag inte den typiska castingen för den rollen – känslomässigt kanske, men en skådespelare kan vanligtvis hitta vägen in på den känslomässiga sidan. Jag kände att jag var tvungen att hitta min egen väg in i den karaktären. En del av mig tänker... Vi hade nio förhandsvisningar, och den stängdes när Broadway stängde på grund av pandemin. Jag känner att jag gjorde det, men jag ångrar att den aldrig fick en publik för den var på väg dit. Den var redan väldigt, väldigt rolig, och mentalt hade jag precis knäckt tredje akten. Jag visste vad min nyckel in i den skulle vara, men jag fick aldrig göra det eftersom föreställningen avbröts. Ja, jag var definitivt felcastad i den.

Jag hade inte förväntat mig att du skulle säga det. Jag skulle tro att vid den här punkten i din karriär, om du kände att du inte passade för något, skulle du kunna tacka nej. Var regissören Joe Mantello tvungen att övertala dig?
Nej, jag ville göra det eftersom jag såg det som den ultimata utmaningen: att hitta ett annat tillvägagångssätt. Om karaktären inte är en kvinna som omedelbart kan förföra män med sitt utseende eller sin sexappeal, hur får hon dem att dansa efter hennes pipa? Lyckas hon ens med det? Så jag var tvungen att hitta min egen väg in, genom humor och smicker. Det var en annan sorts sire – mer som en rovdjur i den meningen.

Om möjligheten uppstod igen, skulle du återvända till den rollen?
Jag tror vi missade vårt tillfälle. Den rätta tiden skulle ha varit direkt efter pandemin, att gå rakt in i den. Jag tror det har gått lite för lång tid nu. Vi behöver inte någon så gammal för den. Martha var en sak. Men sedan finns det något som "Little Bear", som faktiskt var den första rollen någonsin skriven specifikt för mig. Den passade som en handske.

Var det konstigt att läsa de replikerna och tänka, "Den här författaren vet exakt hur jag kommer att spela detta"?

"Little Bear" var perfekt för mig, mest för att Sam Hunter fångade min humor. Det är lite av en generalisering, men det är den där väldigt torra, midvästernstilen, och det gick igenom hela pjäsen. Jag gillar att spela mot sentimentalitet, och det var en annan stark kvalitet som "Little Bear" hade – den var helt osentimental, men man bryr sig ändå om karaktärerna. Jag kände inte Sam. Jag visste inte om han någonsin hade sett mig på scen eller vad han hade sett mig i. Jag undrade, vad baserar han detta på, att han kunde skriva en karaktär för mig? Det var den konstiga delen – att inse, så här ser du alltså mig. Det är intressant. Jag antar att jag uppskattade att han tyckte att min speciella stil, min humor, min osentimentalitet, var värdig en hel karaktär. Det är vad jag uppskattar.

Fick det dig att vilja beställa fler roller för dig själv?

Några av mina favoritdramatiker är de jag har arbetat med under de senaste tio åren, när jag gjorde en massa pjäser. Jag tjatar på dem då och då – som, Lucas Hnath, vad har du? Bruce Norris, Sharr White, Levi Holloway, som gjorde "Grey House". De råkar alla vara män, men i alla fall, jag tror allt börjar med skrivandet. Så när du klickar med en författare är det omedelbart guld – särskilt om de kan vara i rummet med dig, som alla de författarna var.

Hur är det att arbeta med personer som Sam eller Dan – fans från en annan generation som nu skriver för dig?

Jag vet inte varifrån de känner igen mig. Jag hoppas det inte bara är från TV. Men det är otroligt smickrande att dessa människor – oavsett deras ålder – som jag är ett så stort fan av, vill arbeta tillsammans. Jag menar, herregud.



Vanliga frågor
Självklart. Här är en lista med vanliga frågor om Laurie Metcalfs "Laurie Metcalf Has Something to Say", utformad för att låta som frågor från en riktig publik.



Allmänt – Nybörjarfrågor



F: Vad exakt är "Laurie Metcalf Has Something to Say"?

S: Det är en livescenföreställning där den hyllade skådespelerskan Laurie Metcalf framför en serie dramatiska monologer. Det är inte en traditionell pjäs med handling, utan en kuraterad samling karaktärsstycken.



F: Är det en komedi eller en dramatik?

S: Det är främst dramatiskt och tankeväckande, även om Laurie Metcalfs briljanta skådespeleri ofta hittar stunder av mörk humor och mänsklighet i det intensiva materialet.



F: Måste man vara ett superfan av Laurie Metcalf för att tycka om det?

S: Inte alls. Medan fans kommer att uppskatta att se hennes enorma talang på nära håll är föreställningen utformad för att vara en kraftfull teaterupplevelse för alla som är intresserade av skådespeleri, berättande och komplexa mänskliga känslor.



F: Hur lång är föreställningen?

S: Den brukar vara ungefär 90 minuter lång utan paus.



F: Vem skrev den?

S: Monologerna är skrivna av olika dramatiker. Föreställningen är koncipierad och kuraterad av Laurie Metcalf och hennes kreativa team, inklusive regissören Joe Mantello.



Innehåll – Teman



F: Vad handlar monologerna om?

S: De täcker ett brett spektrum av ämnen och perspektiv. Du kan möta en karaktär som kämpar med sorg, politisk spänning, dysfunktion i familjen, personlig ånger eller samhällsobservationer. Varje stycke presenterar en distinkt person i ett ögonblick av kris eller bekännelse.



F: Finns det en sammanhängande berättelse eller ett tema mellan monologerna?

S: Det finns ingen narrativ handling som binder ihop dem. Dock är styckena ofta kuraterade för att skapa en tematisk resa som utforskar idéer som sanning, minne, ansvar och det mänskliga tillståndet från olika vinklar.



F: Är innehållet lämpligt för alla åldrar?

S: Föreställningen behandlar mogna teman och innehåller starkt språk. Den rekommenderas generellt för vuxna och mogna tonåringar.



F: Kan du ge ett exempel på en av monologerna?

S: Medan de specifika styckena kan variera har tidigare exempel inkluderat en kvinna som återberättar ett störande möte på ett flygplan, en karaktär som brottas med en familjehemlighet eller någon som levererar ett ansträngt offentligt vittnesmål.



Praktiskt – Avancerade frågor