La pausa più lunga nella carriera di Laurie Metcalf nei suoi 50 anni sul palco è stato l'intervallo di tre anni tra la chiusura, a causa della pandemia, del suo spettacolo a Broadway *Chi ha paura di Virginia Woolf?* e il suo ritorno nel 2023 con *Grey House*. Membro fondatore della rinomata Steppenwolf Theater Company di Chicago, ha costruito una carriera impressionante con due Tony, una nomination all'Oscar e quattro Emmy. Ora, Metcalf affronta uno dei più grandi drammi americani, *Morte di un commesso viaggiatore*, che ha debuttato lo stesso giorno in cui *Big Mistakes*, una commedia di Dan Levy con Metcalf, è stata presentata in anteprima su Netflix.

Il capolavoro del 1949 di Arthur Miller è un dramma intimo, eppure Metcalf e il co-protagonista Nathan Lane dominano il vasto teatro Winter Garden da 1.600 posti con puro talento e presenza. Tuttavia, è un'opera impegnativa, e Metcalf racconta a Vogue che è una delle prime volte che usa un microfono sul palco. "Sono così tradizionalista che ho appena iniziato a indossare un microfono. Questa è la prima volta che mi affido a uno per fare il lavoro pesante. Senza, avremmo già perso la voce".

Questa sontuosa produzione è una pietra miliare di carriera che Lane e il regista Joe Mantello immaginavano dagli anni '90, coinvolgendo Metcalf circa un decennio fa. Da allora, è stata una questione di attesa, gestire gli impegni e, seguendo la regola ferrea di Metcalf, evitare qualsiasi altra rappresentazione dell'opera.

Alla vigilia delle sue due grandi anteprime, a pochi mesi dall'interpretazione in *Little Bear Ridge Road* di Samuel D. Hunter in questa stagione di Broadway, Metcalf ha parlato con franchezza a Vogue dell'interpretare ruoli scritti per lei da fan di altre generazioni, delle gioie di essere scelta per ruoli non adatti e di cosa la aiuta a sentirsi a suo agio davanti a una telecamera.

**Vogue:** Come fai a mantenere l'idea di interpretare un ruolo per 10 anni?
**Laurie Metcalf:** La prima cosa che ho fatto è stata scrivere nel mio calendario: "Non vedere una produzione di *Salesman*". Non volevo avere nulla di fisso in testa. Volevo affrontarlo in modo fresco, anche se è un'opera di 75 anni. Non l'ho mai vista, mai. Sapevo che era un ruolo da lista dei desideri in cui sarei invecchiata – e oltre [ride] – quindi l'ho sempre evitato. Oltre a ciò, non lo tiravo fuori per leggerlo ogni mese. Ho aspettato il nostro workshop di quattro giorni, una volta stabilito il cast, per immergermi davvero. Fortunatamente, ho avuto circa un mese di pausa per imparare le battute. Nathan porta così tanto otto volte a settimana, ma anche per me, memorizzare ha richiesto una vita.

**C'è un processo per essere sulla stessa lunghezza d'onda quando si interpreta una coppia sposata?**
Ci abbiamo messo un po' durante le prove. Ne scherzavamo – Nathan è molto sentimentale come persona, e io sono l'opposto. Ci chiedevamo della nostra dinamica fisica. Continuavo a pensare, perché dovrei toccarti? Siamo sposati da così tanto – stammi lontano. Lui la pensava diversamente, quindi abbiamo trovato un giusto mezzo.

**Hai detto che il teatro è dove ti senti più a tuo agio. Cosa c'è nel palcoscenico rispetto all'essere in una stanza con una telecamera?**
Le telecamere sono terribili. Non voglio mai essere in una stanza con una telecamera. Iniziando a teatro, è lì che mi sento a casa. Il teatro è liberatorio perché non viene registrato. Mi sento più coraggiosa, più spontanea. Posso fare qualsiasi cosa davanti a un pubblico e sentirmi in controllo. So dove voglio le risate, le pause, l'emozione – è tutto pianificato in prova. Nel cinema e in TV, spesso guardo il copione sulla sedia di hair e makeup il giorno stesso, sentendomi impreparata. Sono fortunata se riesco a dare profondità.

Quando tutto sembra veloce e nuovo, era più facile in uno show come *Roseanne*, che veniva filmato con un pubblico dal vivo? In tutti i miei anni su *Roseanne* e *The Conners* – che sommano a circa 16 anni – non mi sono mai abituata alla presenza delle telecamere. Ho sempre dovuto superare la sensazione di intimidazione. Certo, c'è un pubblico, ma ci sono anche quattro telecamere mobili proprio di fronte a loro. Non mi ci sono mai abituata, e non lo farò mai.

Ci sono stati due progetti in cui ho sentito meno quella pressione con una telecamera nella stanza: *Big Mistakes* e *Getting On*. In quei casi, per la maggior parte del tempo, era una telecamera a mano gestita da qualcuno che era proprio lì nella scena con te. Non ero mai sicura di dove sarebbero stati o cosa stessero riprendendo – forse me, forse il mio partner di scena – e questo toglieva lo stress. È tutto mentale, davvero. Ad alcuni attori piace conoscere il loro lato migliore o capire l'illuminazione e gli aspetti tecnici, ma io non l'ho mai capito e non voglio farlo. Preferisco quando l'operatore di camera è nel mix; sembra più spontaneo, più disordinato, più sciolto. Non stai rispettando un segno; stai sovrapponendo.

Cosa c'era in *Big Mistakes*, o nel lavorare con Dan Levy, che ti ha aiutato a sentirti a tuo agio?
Non sapevo che l'avrebbe girato in quel modo. È stato un bonus quando sono arrivata e ho scoperto che usava questo stile più sciolto. Oltre a ciò, era solo lui. Sono una tale fan che volevo essere nella stanza con lui, vedere come lavora e fare scene con lui. Non avevo nemmeno davvero bisogno di leggere il copione. È molto divertente e scrive in modo generoso per tutti gli attori. Sa come impostare il tono dello show e l'atmosfera dietro la telecamera. Tutti si sentono inclusi. Parlo per il cast, ma so che tutta la troupe ha il suo rispetto. Ti senti molto protetta da lui.

Data il tuo approccio non sentimentale e avendo interpretato così tanti ruoli – specialmente in una compagnia di repertorio – ci sono state parti in cui ti sei sentita non adatta?
Sono stata spesso scelta per ruoli non adatti. Ai primi tempi della Steppenwolf, ero sempre scelta per ruoli non adatti perché non c'erano molte opere con cinque, sei o sette ventenni, quindi finivo per interpretare una quattordicenne o una nonna. Ma penso che tutti quei ruoli non adatti ci abbiano reso attori più forti; dovevamo trovare un modo per entrarci. L'ultima volta che mi sono sentita molto non adatta è stata in *Virginia Woolf*. Fisicamente, non ero il casting tipico per quel ruolo – emotivamente, forse, ma un attore di solito può trovare la strada per il lato emotivo. Sentivo di dover trovare la mia strada per quel personaggio. In parte penso... Abbiamo fatto nove anteprime, e ha chiuso quando Broadway è stata chiusa a causa della pandemia. Sento di averlo fatto, ma mi dispiace che non abbia mai trovato un pubblico perché ci stava arrivando. Era già molto, molto divertente, e mentalmente, avevo appena risolto il terzo atto. Sapevo quale sarebbe stata la mia chiave d'accesso, ma non ho mai potuto farlo perché la serie è stata interrotta. Sì, ero decisamente non adatta per quello.

Non mi sarei aspettata che lo dicessi. Penserei che a questo punto della tua carriera, se sentissi di non essere adatta per qualcosa, potresti rifiutare. Il regista Joe Mantello ha dovuto convincerti?
No, volevo farlo perché lo vedevo come la sfida definitiva: trovare un approccio diverso. Se il personaggio non è una donna che può sedurre immediatamente gli uomini con il suo aspetto o il suo sex appeal, come li avvolge intorno al dito? Ci riesce anche? Quindi ho dovuto trovare la mia strada, attraverso l'umorismo e l'adulazione. Era un tipo diverso di sirena – più come un predatore in quel senso.

Se si presentasse di nuovo l'opportunità, rivedresti quel ruolo?
Penso che abbiamo perso il nostro momento. Il momento giusto sarebbe stato subito dopo la pandemia, andando dritti dentro. Penso che sia passato un po' troppo tempo ora. Non abbiamo bisogno di qualcuno così vecchio per questo.

Martha era una cosa. Ma poi c'è qualcosa come *Little Bear*, che in realtà è stato il primo ruolo scritto specificamente per me. Calzava a pennello.

È stato strano leggere quelle battute e pensare: "Questo scrittore sa esattamente come interpreterò questo"?

*Little Bear* era perfetto per me, soprattutto perché Sam Hunter ha catturato il mio senso dell'umorismo. È un po' una generalizzazione, ma è quello stile molto asciutto, del Midwest, e questo attraversava tutta l'opera. Mi piace giocare contro il sentimentalismo, e questa era un'altra forte qualità di *Little Bear* – era completamente non sentimentale, eppure finisci comunque per voler bene ai personaggi. Non conoscevo Sam. Non sapevo se mi avesse mai visto sul palco o in cosa mi avesse visto. Mi chiedevo, su cosa si basa, per poter scrivere un personaggio per me? Quella era la parte strana – realizzare, quindi è così che mi vedi. È interessante. Immagino di aver apprezzato che pensasse che il mio stile particolare, il mio senso dell'umorismo, la mia mancanza di sentimentalismo, meritassero un intero personaggio. Questo è ciò che apprezzo.

Questo ti ha fatto desiderare di commissionare più ruoli per te stessa?

Alcuni dei miei drammaturghi preferiti sono quelli con cui ho lavorato negli ultimi dieci anni, quando ho fatto una raffica di opere. Li sollecito ogni tanto – tipo, Lucas Hnath, cosa hai? Bruce Norris, Sharr White, Levi Holloway, che ha fatto *Grey House*. Sono tutti uomini, ma comunque, penso che tutto inizi con la scrittura. Quindi quando c'è sintonia con uno scrittore, è oro immediato – specialmente se possono essere nella stanza con te, come lo erano tutti quegli scrittori.

Com'è lavorare con persone come Sam o Dan – fan di una generazione diversa che ora scrivono per te?

Non so da dove mi conoscano. Spero non solo dalla TV. Ma è incredibilmente lusinghiero che queste persone – qualunque sia la loro età – di cui sono una grande fan, vogliano lavorare insieme. Voglio dire, mio Dio.

**Domande Frequenti**
Ecco un elenco di FAQ su Laurie Metcalf tratta da "Laurie Metcalf Has Something to Say", progettato per sembrare domande di un pubblico reale.

**Generali / Domande per Principianti**

**D: Cos'è esattamente "Laurie Metcalf Has Something to Say"?**
R: È uno spettacolo dal vivo solista in cui l'acclamata attrice Laurie Metcalf esegue una serie di monologhi drammatici. Non è un'opera teatrale tradizionale con una trama, ma una collezione curata di pezzi di carattere.

**D: È una commedia o un dramma?**
R: È principalmente drammatico e stimolante, sebbene la brillante recitazione di Laurie Metcalf trovi spesso momenti di umorismo nero e umanità all'interno del materiale intenso.

**D: Devo essere un super fan di Laurie Metcalf per godermelo?**
R: Affatto. Mentre i fan apprezzeranno vedere il suo immenso talento da vicino, lo spettacolo è progettato per essere un'esperienza teatrale potente per chiunque sia interessato alla recitazione, alla narrazione e alle complesse emozioni umane.

**D: Quanto dura lo spettacolo?**
R: In genere dura circa 90 minuti senza intervallo.

**D: Chi l'ha scritto?**
R: I monologhi sono scritti da diversi drammaturghi. Lo spettacolo è concepito e curato da Laurie Metcalf e dal suo team creativo, incluso il regista Joe Mantello.

**Contenuti / Temi**

**D: Di cosa parlano i monologhi?**
R: Coprono una vasta gamma di argomenti e prospettive. Potresti incontrare un personaggio che lotta con il dolore, la tensione politica, la disfunzione familiare, il rimpianto personale o osservazioni sociali. Ogni pezzo presenta una persona distinta in un momento di crisi o confessione.

**D: C'è una storia o un tema che collega i monologhi?**
R: Non c'è una trama narrativa che li colleghi. Tuttavia, i pezzi sono spesso curati per creare un viaggio tematico esplorando idee come la verità, la memoria, la responsabilità e la condizione umana da diverse angolazioni.

**D: Il contenuto è adatto a tutte le età?**
R: Lo spettacolo affronta temi maturi e include un linguaggio forte. È generalmente raccomandato per adulti e adolescenti maturi.

**D: Puoi fare un esempio di uno dei monologhi?**
R: Mentre i pezzi specifici possono cambiare, esempi passati includono una donna che racconta un incontro inquietante su un aereo, un personaggio che lotta con un segreto di famiglia o qualcuno che pronuncia una testimonianza pubblica tesa.

**Pratiche / Domande Avanzate**