Laurie Metcalfs længste karrierepause i hendes 50 år på scenen var de tre års mellemrum mellem at pandemien lukkede hendes Broadway-show *Hvem er bange for Virginia Woolf?* og hendes tilbagevenden i 2023 med *Grey House*. Som grundlæggende medlem af Chicagos anerkendte Steppenwolf Theater Company har hun bygget en imponerende karriere med to Tony-priser, en Oscar-nominering og fire Emmy-priser. Nu tager Metcalf fat på et af Amerikas største skuespil, *En Handelsreisendes Død*, som havde premiere samme dag som *Big Mistakes*, en Dan Levy-komedie med Metcalf i hovedrollen, debuterede på Netflix.

Arthur Millers mesterværk fra 1949 er et intimt drama, men Metcalf og medskuespilleren Nathan Lane behersker det enorme 1.600-sæders Winter Garden-teater med ren talent og tilstedeværelse. Alligevel er det et krævende stykke, og Metcalf fortæller Vogue, at det er en af de første gange, hun har brugt mikrofon på scenen. "Jeg er så gammeldags, at jeg først lige er begyndt at bruge mikrofon. Det er første gang, jeg har måttet stole på en til at løfte opgaven. Uden den ville vi have mistet stemmerne for længst."

Denne overdådige produktion er et karrieremilepæl, som Lane og instruktøren Joe Mantello har forestillet sig siden 90'erne, og de fik Metcalf med for omkring et årti siden. Siden da har det været et ventespil med at navigere i kalendre og – i overensstemmelse med Metcalfs strenge regel – undgå at se andre opsætninger af stykket.

Lige før premieren på hendes to store projekter, kun måneder efter at hun medvirkede i Samuel D. Hunters *Little Bear Ridge Road* i denne Broadway-sæson, talte Metcalf åbent med Vogue om at spille roller skrevet til hende af fans fra en anden generation, glæden ved at blive fejlcastet, og hvad der hjælper hende med at føle sig tilpas foran et kamera.

**Vogue:** Hvordan holder du fast i idéen om at spille en rolle i 10 år?
**Laurie Metcalf:** Det første, jeg gjorde, var at skrive i min kalender: "Se ikke en opsætning af *En Handelsreisendes Død*." Jeg ville ikke have noget siddende fast i hovedet. Jeg ville nærme mig det friskt, selvom det er et 75 år gammelt stykke. Jeg har aldrig set det – aldrig. Jeg vidste, det var en drømmerolle, jeg ville vokse ind i – og forbi [griner] – så jeg undgik den altid. Ud over det trak jeg ikke manuskriptet frem for at læse det hver måned. Jeg ventede til vores fire-dages workshop, da ensemblet var på plads, før jeg virkelig dykkede ned i det. Heldigvis havde jeg cirka en måneds fri til at lære replikkerne. Nathan bidrager med så meget otte gange om ugen, men selv for mig tog det en evighed at lære det udenad.

**Er der en proces for at komme på bølgelængde, når man spiller et ægtepar?**
Det tog os et stykke tid under prøverne. Vi drillede med det – Nathan er meget sentimental som person, og jeg er det modsatte. Vi spekulerede på vores fysiske dynamik. Jeg tænkte hele tiden, hvorfor skulle jeg røre ved dig? Vi har været gift så længe – hold dig væk fra mig. Han følte anderledes, så vi fandt et kompromis.

**Du har sagt, at teater er, hvor du føler dig mest tilpas. Hvad er det ved scenen kontra at være i et rum med et kamera?**
Kameraer er forfærdelige. Jeg vil aldrig være i et rum med et kamera. Jeg startede i teater, og det er der, jeg føler mig hjemme. Teater er befriende, fordi det ikke bliver optaget. Jeg føler mig modigere, mere spontan. Jeg kan gøre hvad som helst foran et publikum og føle mig i kontrol. Jeg ved, hvor jeg vil have latteren, pauserne, følelserne – det er alt sammen kortlagt under prøverne. I film og tv kigger jeg ofte på manuskriptet i stolen hos frisøren og makeup-artisten på selve dagen og føler mig uforberedt. Jeg er heldig, hvis jeg tilfører noget dybde.

Da alt føles hurtigt og nyt, var det så lettere på et show som *Roseanne*, som blev filmet med et levende publikum?
Gennem alle mine år på *Roseanne* og *The Conners* – hvilket udgør omkring 16 år – blev jeg aldrig vant til, at kameraerne var der. Jeg var altid nødt til at kæmpe mig igennem følelsen af at være intimideret. Ja, der er et publikum, men der er også fire bevægelige kameraer lige foran dem. Jeg blev bare aldrig vant til det, og det bliver jeg heller aldrig.

Der har været to projekter, hvor jeg følte mindre af det pres med et kamera i rummet: *Big Mistakes* og *Getting On*. I disse tilfælde var det for det meste et håndholdt kamera betjent af en person, der var lige der i scenen med dig. Jeg var ikke altid sikker på, hvor de ville være, eller hvad de filmede – måske mig, måske min medspiller – og det fjernede stresset. Det er egentlig alt sammen mentalt. Nogle skuespillere kan lide at kende deres bedste side eller forstå belysningen og de tekniske aspekter, men det har jeg aldrig fundet ud af, og det vil jeg heller ikke. Jeg foretrækker, når kameramanden er en del af det hele; det føles mere spontant, rodet og løsere. Du rammer ikke et mærke; du overlapper.

Hvad var det ved *Big Mistakes*, eller ved at arbejde med Dan Levy, der hjalp dig med at føle dig tilpas?
Jeg vidste ikke, at han ville filme på den måde. Det var en bonus, da jeg ankom og fandt ud af, at han brugte denne løsere stil. Ud over det var det bare ham. Jeg er så stor fan, at jeg ville være i rummet med ham, se hvordan han arbejder, og lave scener overfor ham. Jeg behøvede ikke engang rigtig at læse manuskriptet. Han er meget sjov og skriver generøst for alle skuespillerne. Han ved, hvordan man sætter tonen for showet og stemningen bag kameraet. Alle føler sig inkluderet. Jeg taler på vegne af ensemblet, men jeg ved, at hele crewet har hans respekt. Man føler sig meget beskyttet af ham.

I lyset af din usentimentale tilgang og at du har spillet så mange roller – især i et repertoirehold – var der så nogle roller, hvor du følte dig fejlcastet?
Jeg er blevet fejlcastet meget. Tilbage i de tidlige Steppenwolf-dage blev jeg altid fejlcastet, fordi der ikke var mange stykker med fem, seks eller syv 20-årige, så jeg endte med at spille en 14-årig eller en bedstemor. Men jeg tror, at al den fejlcasting gjorde os stærkere skuespillere; vi var nødt til at finde en vej ind i rollerne. Den seneste gang, jeg følte mig meget fejlcastet, var i *Virginia Woolf*. Fysisk var jeg ikke den typiske casting for den rolle – følelsesmæssigt måske, men en skuespiller kan normalt finde vej til den følelsesmæssige side. Jeg følte, jeg var nødt til at finde min egen vej ind i den karakter. En del af mig tænker... Vi havde ni prøveforestillinger, og det lukkede, da Broadway lukkede ned på grund af pandemien. Jeg føler, at jeg gjorde det, men jeg beklager, at det aldrig fandt et publikum, for det var på vej. Det var allerede meget, meget sjovt, og mentalt havde jeg lige knækket tredje akt. Jeg vidste, hvad min nøgle til det ville være, men jeg fik aldrig lov at gøre det, fordi forestillingsrækken blev afbrudt. Ja, jeg var helt sikkert fejlcastet i den.

Jeg ville ikke have forventet, at du sagde det. Jeg ville tro, at på dette tidspunkt i din karriere, hvis du følte, du ikke var den rette til noget, kunne du have sagt nej. Måtte instruktøren Joe Mantello overbevise dig?
Nej, jeg ville gerne gøre det, fordi jeg så det som den ultimative udfordring: at finde en anden tilgang. Hvis karakteren ikke er en kvinde, der umiddelbart kan forføre mænd med sit udseende eller sexappeal, hvordan vikler hun dem så om sin lillefinger? Formår hun det overhovedet? Så jeg var nødt til at finde min egen vej ind, gennem humor og smiger. Det var en anden slags forfører – mere et rovdyr i den forstand.

Hvis muligheden opstod igen, ville du så genbesøge den rolle?
Jeg tror, vi missede vores øjeblik. Det rigtige tidspunkt ville have været lige efter pandemien, ved at gå direkte ind i det. Jeg tror, det er blevet lidt for længe nu. Vi har ikke brug for en på min alder til den.

Martha var én ting. Men så er der noget som *Little Bear*, som faktisk var den første rolle nogensinde skrevet specifikt til mig. Den passede som en handske.

Var det mærkeligt at læse de replikker og tænke: "Denne forfatter ved præcis, hvordan jeg vil spille dette"?

*Little Bear* var perfekt til mig, mest fordi Sam Hunter fangede min humoristiske sans. Det er lidt en generalisering, men det er den meget tørre, midtvestlige stil, og det løb hele vejen gennem stykket. Jeg kan godt lide at spille mod sentimentalitet, og det var en anden stærk kvalitet ved *Little Bear* – det var fuldstændig usentimentalt, men man ender alligevel med at bryde sig om karakterne. Jeg kendte ikke Sam. Jeg vidste ikke, om han nogensinde havde set mig på scenen eller hvad han havde set mig i. Jeg tænkte, hvad baserer han det her på, at han kunne skrive en karakter til mig? Det var den mærkelige del – at indse, så det er sådan, du ser mig. Det er interessant. Jeg antager, jeg satte pris på, at han mente, min særlige stil, min humoristiske sans, min usentimentalitet, var værdig til en hel karakter. Det er det, jeg sætter pris på.

Fik det dig til at ville bestille flere roller til dig selv?

Nogle af mine yndlingsdramatikere er dem, jeg har arbejdet med over de sidste ti år, hvor jeg lavede en masse stykker. Jeg plager dem en gang imellem – som, Lucas Hnath, hvad har du? Bruce Norris, Sharr White, Levi Holloway, der lavede *Grey House*. De er alle tilfældigvis mænd, men anyway, jeg tror, alt starter med skriften. Så når du klikker med en forfatter, er det øjeblikkeligt guld – især hvis de kan være i rummet med dig, som alle de forfattere var.

Hvordan er det at arbejde med folk som Sam eller Dan – fans fra en anden generation, der nu skriver til dig?

Jeg ved ikke, hvor de kender mig fra. Jeg håber, det ikke bare er fra tv. Men det er utroligt smigrende, at disse mennesker – uanset deres alder – som jeg er så stor fan af, vil arbejde sammen. Jeg mener, for Guds skyld.

**Ofte stillede spørgsmål**
Selvfølgelig. Her er en liste over ofte stillede spørgsmål om Laurie Metcalfs *Laurie Metcalf Har Noget At Sige*, designet til at lyde som spørgsmål fra et rigtigt publikum.

**Generelle begynder-spørgsmål**

**Q: Hvad er *Laurie Metcalf Har Noget At Sige* præcist?**
A: Det er en live solo-sceneopvisning, hvor den anerkendte skuespillerinde Laurie Metcalf udfører en række dramatiske monologer. Det er ikke et traditionelt skuespil med en plot, men en kurateret samling af karakterstykker.

**Q: Er det en komedie eller et drama?**
A: Det er primært dramatisk og tankevækkende, selvom Laurie Metcalfs geniale skuespil ofte finder øjeblikke af mørk humor og menneskelighed i det intense materiale.

**Q: Skal man være superfan af Laurie Metcalf for at nyde det?**
A: Slet ikke. Mens fans vil sætte pris på at se hendes enorme talent på tæt hold, er showet designet til at være en kraftfuld teateroplevelse for alle, der er interesserede i skuespil, fortællekunst og komplekse menneskelige følelser.

**Q: Hvor langt er showet?**
A: Det varer typisk omkring 90 minutter uden pause.

**Q: Hvem skrev det?**
A: Monologerne er skrevet af forskellige dramatikere. Showet er konciperet og kurateret af Laurie Metcalf og hendes kreative team, inklusive instruktøren Joe Mantello.

**Indhold & temaer**

**Q: Hvad handler monologerne om?**
A: De dækker en bred vifte af emner og perspektiver. Du kan møde en karakter, der kæmper med sorg, politisk spænding, familiedysfunktion, personlig anger eller samfundsobservationer. Hvert stykke præsenterer en distinkt person i et øjeblik af krise eller tilståelse.

**Q: Er der en forbindende historie eller et tema mellem monologerne?**
A: Der er ikke en narrativ plot, der forbinder dem. Men stykkerne er ofte kurateret for at skabe en tematisk rejse, der udforsker idéer som sandhed, hukommelse, ansvar og den menneskelige tilstand fra forskellige vinkler.

**Q: Er indholdet passende for alle aldre?**
A: Showet behandler modne temaer og indeholder stærkt sprog. Det anbefales generelt til voksne og modne teenagere.

**Q: Kan du give et eksempel på en af monologerne?**
A: Mens de specifikke stykker kan ændre sig, inkluderer tidligere eksempler en kvinde, der genfortæller et foruroligende møde i et fly, en karakter, der kæmper med en familiehemmelighed, eller en person, der afgiver et anspændt offentligt vidnesbyrd.

**Praktiske & avancerede spørgsmål**