Laurie Metcalfs lengste karrierepause i løpet av sine 50 år på scenen var de tre årene mellom at pandemien stengte Broadway-oppsetningen hennes Hvem er redd for Virginia Woolf? og hennes tilbakekomst i 2023 med Grey House. Som et av grunnleggerne av Chicagos anerkjente Steppenwolf Theater Company har hun bygget en imponerende karriere med to Tony-priser, en Oscar-nominasjon og fire Emmy-priser. Nå tar Metcalf på seg en av USAs største skuespill, En handelsreisendes død, som hadde premiere samme dag som Big Mistakes, en Dan Levy-komedie med Metcalf i hovedrollen, hadde premiere på Netflix.

Arthur Millers mesterverk fra 1949 er et intimt drama, men Metcalf og medskuespiller Nathan Lane fyller det store Winter Garden-teateret med 1600 seter med ren talent og tilstedeværelse. Likevel er det et krevende stykke, og Metcalf forteller Vogue at det er en av de første gangene hun har brukt mikrofon på scenen. "Jeg er så gammeldags at jeg først nå har begynt å bruke mikrofon. Dette er første gang jeg har måttet stole på en for å gjøre det tunge løftet. Uten den ville vi ha mistet stemmen vår nå."

Denne overdådige produksjonen er en karrieremilepæl som Lane og regissør Joe Mantello har sett for seg siden 90-tallet, og de fikk med Metcalf for omtrent ti år siden. Siden den gang har det vært et ventespill med å navigere i kalendere og – i henhold til Metcalfs strenge regel – unngå å se andre oppsetninger av stykket.

Kvelden før sine to store premierer, bare måneder etter at hun spilte i Samuel D. Hunters Little Bear Ridge Road denne Broadway-sesongen, snakket Metcalf åpent med Vogue om å spille roller skrevet for henne av fans fra en annen generasjon, gleden ved å bli feilbesatt, og hva som hjelper henne til å føle seg tilpass foran et kamera.

Vogue: Hvordan holder du fast ved ideen om å spille en rolle i 10 år?
Laurie Metcalf: Det første jeg gjorde var å skrive i kalenderen min: "Ikke se en oppsetning av En handelsreisendes død." Jeg ville ikke ha noe sittende fast i hodet mitt. Jeg ville nærme meg det friskt, selv om det er et 75 år gammelt stykke. Jeg har aldri sett det – aldri. Jeg visste det var en rolle på bøttelisten som jeg ville vokse inn i – og forbi [ler] – så jeg unngikk den alltid. Utover det trakk jeg ikke frem stykket for å lese det hver måned. Jeg ventet til vår firedagers workshop, da rollebesetningen var klar, før jeg virkelig dykket ned i det. Heldigvis hadde jeg omtrent en måneds fri til å lære replikkene. Nathan tilfører så mye til det åtte ganger i uken, men selv for meg tok det en evighet å memorere.

Er det en prosess for å komme på bølgelengde når man spiller et ektepar?
Det tok oss en stund under prøvene. Vi fleipet med det – Nathan er veldig sentimental som person, og jeg er det motsatte. Vi lurte på den fysiske dynamikken vår. Jeg tenkte hele tiden, hvorfor skulle jeg røre deg? Vi har vært gift så lenge – hold deg unna. Han følte annerledes, så vi fant en gylden middelvei.

Du har sagt at teater er der du føler deg mest komfortabel. Hva er det med scenen kontra å være i et rom med et kamera?
Kameraer er forferdelige. Jeg vil aldri være i et rom med et kamera. Siden jeg startet på teater, er det der jeg føler meg hjemme. Teater er befriende fordi det ikke blir tatt opp. Jeg føler meg modigere, mer spontan. Jeg kan gjøre hva som helst foran et publikum og føle at jeg har kontroll. Jeg vet hvor jeg vil ha latteren, pausene, følelsene – alt er kartlagt under prøvene. I film og TV ser jeg ofte på manuset i stolen til hår- og sminkevakt samme dag og føler meg uforberedt. Jeg er heldig hvis jeg tilfører noen dybde.

Når alt føles raskt og nytt, var det enklere på et show som Roseanne, som ble filmet med et levende publikum? Gjennom alle mine år på Roseanne og The Conners – som utgjør omtrent 16 år totalt – ble jeg aldri vant til at kameraene var der. Jeg måtte alltid tvinge meg gjennom følelsen av å være skremt. Selvfølgelig er det et publikum, men det er også fire bevegelige kameraer rett foran dem. Jeg ble bare aldri vant til det, og det blir jeg aldri.

Det har vært to prosjekter der jeg følte mindre av det presset med et kamera i rommet: Big Mistakes og Getting On. I disse tilfellene var det for det meste et håndholdt kamera som ble operert av noen som var der i scenen med deg. Jeg var ikke alltid sikker på hvor de ville være eller hva de filmet – kanskje meg, kanskje motspilleren min – og det tok bort stresset. Det er egentlig bare mentalt. Noen skuespillere liker å vite sin beste side eller forstå belysningen og de tekniske aspektene, men det har jeg aldri funnet ut av og vil ikke. Jeg foretrekker når kameramannen er med i blandingen; det føles mer spontant, rotete og løsere. Du treffer ikke et merke; du overlapper.

Hva var det med Big Mistakes, eller å jobbe med Dan Levy, som hjalp deg til å føle deg tilpass?
Jeg visste ikke at han skulle filme det på den måten. Det var en bonus da jeg ankom og fikk vite at han brukte denne løsere stilen. Utover det var det bare ham. Jeg er så stor fan at jeg ville være i rommet med ham, se hvordan han jobber, og gjøre scener mot ham. Jeg trengte ikke engang egentlig å lese manuset. Han er veldig morsom og skriver sjenerøst for alle skuespillerne. Han vet hvordan han skal sette tonen for showet og atmosfæren bak kamera. Alle føler seg inkludert. Jeg snakker for rollebesetningen, men jeg vet at hele crewet har hans respekt. Du føler deg veldig beskyttet av ham.

Gitt din usentimentale tilnærming og at du har spilt så mange roller – spesielt i et repertoarteater – var det noen roller der du følte deg feilbesatt?
Jeg har blitt feilbesatt mange ganger. Tilbake i de tidlige Steppenwolf-dagene ble jeg alltid feilbesatt fordi det ikke fantes mange skuespill med fem, seks eller syv 20-åringer, så jeg endte opp med å spille en 14-åring eller en bestemor. Men jeg tror all den feilbesetningen gjorde oss til sterkere skuespillere; vi måtte finne en vei inn i de rollene. Den siste gangen jeg følte meg veldig feilbesatt var i Virginia Woolf. Fysisk var jeg ikke den typiske besetningen for den rollen – følelsesmessig kanskje, men en skuespiller kan vanligvis finne veien inn på den følelsesmessige siden. Jeg følte jeg måtte finne min egen vei inn i den karakteren. En del av meg tenker... Vi hadde ni forhåndsvisninger, og den stengte da Broadway ble lagt ned på grunn av pandemien. Jeg føler jeg gjorde det, men jeg angrer på at den aldri fant et publikum fordi den var på vei dit. Den var allerede veldig, veldig morsom, og mentalt hadde jeg akkurat knekt tredje akt. Jeg visste hva min nøkkel inn i den skulle være, men jeg fikk aldri gjøre det fordi oppsetningen ble avbrutt. Ja, jeg ble definitivt feilbesatt i den.

Jeg ville ikke ha forventet at du skulle si det. Jeg ville trodd at på dette stadiet i karrieren din, hvis du følte du ikke passet for noe, kunne du ha sagt nei. Måtte regissør Joe Mantello overbevise deg?
Nei, jeg ville gjøre det fordi jeg så på det som den ultimate utfordringen: å finne en annen tilnærming. Hvis karakteren ikke er en kvinne som umiddelbart kan forføre menn med utseendet eller sex-appellen sin, hvordan får hun dem rundt lillefingeren? Klarer hun det i det hele tatt? Så jeg måtte finne min egen vei inn, gjennom humor og smiger. Det var en annen type sirene – mer som et rovdyr i den forstand.

Hvis muligheten dukket opp igjen, ville du tatt opp den rollen på nytt?
Jeg tror vi misset øyeblikket. Den rette tiden ville vært rett etter pandemien, å gå rett inn i den. Jeg tror det har gått litt for lang tid nå. Vi trenger ikke noen så gammel for den.

Martha var én ting. Men så er det noe som Little Bear, som faktisk var den første rollen noensinne skrevet spesifikt for meg. Den passet som hånd i hanske.

Var det rart å lese de replikkene og tenke: "Denne forfatteren vet nøyaktig hvordan jeg skal spille dette"?

Little Bear var perfekt for meg, hovedsakelig fordi Sam Hunter fanget min sans for humor. Det er litt generaliserende, men det er den veldig tørre, midtvestlige stilen, og det gikk gjennom hele stykket. Jeg liker å spille mot sentimentalitet, og det var en annen sterk kvalitet Little Bear hadde – det var helt usentimentalt, men du bryr deg fortsatt om karakterene. Jeg kjente ikke Sam. Jeg visste ikke om han noen gang hadde sett meg på scenen eller hva han hadde sett meg i. Jeg lurte på, hva baserer han dette på, at han kunne skrive en karakter for meg? Det var den merkelige delen – å innse, så dette er hvordan du ser meg. Det er interessant. Jeg antar jeg satte pris på at han mente min spesielle stil, min sans for humor, min usentimentalitet, var verdig en hel karakter. Det er det jeg setter pris på.

Fikk det deg til å ville bestille flere roller til deg selv?

Noen av mine favorittdramatikere er de jeg har jobbet med de siste ti årene, da jeg gjorde en rekke skuespill. Jeg plager dem av og til – som, Lucas Hnath, hva har du? Bruce Norris, Sharr White, Levi Holloway, som gjorde Grey House. De er tilfeldigvis alle menn, men uansett, jeg tror alt starter med skrivingen. Så når du klikker med en forfatter, er det umiddelbar gull – spesielt hvis de kan være i rommet med deg, som alle disse forfatterne var.

Hvordan er det å jobbe med folk som Sam eller Dan – fans fra en annen generasjon som nå skriver for deg?

Jeg vet ikke hvor de kjenner meg fra. Jeg håper det ikke bare er fra TV. Men det er utrolig smigrende at disse menneskene – uansett alder – som jeg er så stor fan av, vil jobbe sammen. Jeg mener, herregud.



Ofte stilte spørsmål
Selvfølgelig. Her er en liste over vanlige spørsmål om Laurie Metcalfs "Laurie Metcalf Har Noe Å Si", designet til å høres ut som spørsmål fra et ekte publikum.



Generelle begynner-spørsmål



Spørsmål: Hva er egentlig "Laurie Metcalf Har Noe Å Si"?

Svar: Det er en live solo-sceneopptreden der den anerkjente skuespilleren Laurie Metcalf fremfører en serie dramatiske monologer. Det er ikke et tradisjonelt skuespill med en handling, men en kuratert samling av karakterstykker.



Spørsmål: Er det en komedie eller et drama?

Svar: Det er primært dramatisk og tankevekkende, selv om Laurie Metcalfs briljante skuespill ofte finner øyeblikk av mørk humor og menneskelighet i det intense materialet.



Spørsmål: Må jeg være en superfan av Laurie Metcalf for å like det?

Svar: Ikke i det hele tatt. Selv om fans vil sette pris på å se hennes enorme talent på nært hold, er showet designet for å være en kraftfull teateropplevelse for alle som er interessert i skuespill, historiefortelling og komplekse menneskelige følelser.



Spørsmål: Hvor lenge varer showet?

Svar: Det varer vanligvis omtrent 90 minutter uten pause.



Spørsmål: Hvem skrev det?

Svar: Monologene er skrevet av forskjellige dramatikere. Showet er konseptualisert og kuratert av Laurie Metcalf og hennes kreative team, inkludert regissør Joe Mantello.



Innhold og temaer



Spørsmål: Hva handler monologene om?

Svar: De dekker et bredt spekter av temaer og perspektiver. Du kan møte en karakter som kjemper med sorg, politisk spenning, familiedysfunksjon, personlig anger eller samfunnsobservasjoner. Hvert stykke presenterer en distinkt person i et øyeblikk av krise eller tilståelse.



Spørsmål: Er det en forbindende historie eller et tema mellom monologene?

Svar: Det er ikke en narrativ handling som forbinder dem. Imidlertid er stykkene ofte kuratert for å skape en tematisk reise som utforsker ideer som sannhet, minne, ansvar og den menneskelige tilstand fra forskjellige vinkler.



Spørsmål: Er innholdet passende for alle aldre?

Svar: Showet tar for seg modne temaer og inkluderer sterkt språk. Det er generelt anbefalt for voksne og modne tenåringer.



Spørsmål: Kan du gi et eksempel på en av monologene?

Svar: Mens de spesifikke stykkene kan endre seg, inkluderer tidligere eksempler en kvinne som forteller om et foruroligende møte på et fly, en karakter som kjemper med en familiehemmelighet, eller noen som leverer et anspent offentlig vitnesbyrd.



Praktiske og avanserte spørsmål