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Au cœur de la Morgan Library & Museum de Manhattan se trouve Les Heures noires, un rare manuscrit enluminé du XVe siècle. Comme de nombreux livres d’heures du Moyen Âge, il guidait les foyers chrétiens dans leurs dévotions quotidiennes. Mais ce qui distingue Les Heures noires—ses pages de vélin noircies au carbone, qui font resplendir les lettres d’argent et d’or ainsi que les illustrations religières détaillées—le rend aussi incroyablement fragile.

« C’est comme une histoire de fantômes », déclare l’artiste Lily Stockman, dont les peintures abstraites rayonnent d’une qualité lumineuse. Elle n’a jamais vu Les Heures noires en personne (peu de gens l’ont fait—sa dernière exposition remonte à 1997), mais elle a entendu parler de ce livre vieux de 500 ans, aujourd’hui soigneusement préservé dans une boîte sans acide. « Il y a quelque chose de romantique là-dedans », songe-t-elle.

Toujours polymathe, Stockman a commencé à étudier d’autres livres d’heures médiévaux depuis son atelier baigné de lumière à Glassell Park, le quartier du nord-est de Los Angeles qu’elle partage avec son mari et leurs trois jeunes enfants. Elle a remarqué un lien entre ces manuscrits anciens et son propre travail.

« J’adore la composition des pages—les bordures décoratives luxuriantes encadrant une scène peinte à l’intérieur », explique Stockman, 43 ans. « Mes peintures fonctionnent de la même manière : la bordure agit comme un contenant pour les formes vivantes et flottantes à l’intérieur. » Elle a aussi été attirée par la façon dont ces livres réservaient des moments de réflexion silencieuse tout au long de la journée.

Cette exploration a inspiré sa dernière série, Livre d’heures, qui sera dévoilée en septembre dans la nouvelle galerie de Charles Moffett à Tribeca. La douzaine de peintures à l’huile partagent des traits avec ses œuvres antérieures—des bordures vibrantes encadrant des formes simplifiées inspirées par la nature, évoquant des graines, des dahlias et des prairies. Ces formes remontent à son enfance dans une ferme à foin du New Jersey, où elle a grandi en tant qu’aînée de quatre sœurs et a hérité de l’amour de sa mère pour le jardinage. La nouvelle série poursuit ce thème, avec des clins d’œil à la rhubarbe, aux étangs ondulants et à la côte du Maine.

Mais Stockman s’est lancé un nouveau défi : laisser les traces de son processus visibles. « Je veux que le travail, les décisions, même les erreurs, se voient », dit-elle. Moins polis, plus comme la vie elle-même. Dans Ipswich, l’une de ses plus grandes nouvelles œuvres mesurant sept pieds de haut, la bordure rouge, rose et blanc pulsante révèle des coups de pinceau bruts. « Il y a quelques années, j’aurais peut-être tout fondu », admet-elle.

Bien que ses peintures penchent vers le géométrique, elles dégagent une chaleur artisanale qui se apprécie mieux en personne. « Debout devant elles, on ne peut pas manquer le léger tremblement des lignes—comme chez une Agnes Martin », explique Charlie Moffett, qui a offert à Stockman sa première exposition solo lors de l’ouverture de sa galerie en 2018. Il est un soutien fidèle depuis leur rencontre il y a plus de dix ans grâce à des amis. « Je me souviens l’avoir appelée quand j’étais encore chez Sotheby’s, en disant que je n’ouvrirais pas la galerie à moins qu’elle n’accepte d’être ma première exposition. »

Depuis, le travail de Stockman a été présenté dans des expositions solo et collectives à travers le monde, de Gagosian à Athènes à la Maison La Roche de Le Corbusier à Paris. « Elle aurait pu rester dans sa zone de confort—ses œuvres se vendaient », note Moffett. « Mais elle s’est poussée, expérimentant avec de nouvelles palettes et formes. Ce n’est pas facile pour une jeune artiste à succès. »

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2024. Ed Mumford. Avec l’aimable autorisation de Charles Moffett.

Dès son plus jeune âge, Lily Stockman a été captivée par la nature et l’art. « À l’école primaire, je griffonnais des chevaux partout sur mes tables de multiplication, et au lycée, j’ai eu des ennuis pour avoir dessiné dans l’herbe avec la tondeuse », se souvient-elle. Pendant ses études de premier cycle à Harvard, où elle a étudié l’art, elle a trouvé l’inspiration lors de visites au Fogg Museum. « Les conservateurs sortaient des retables de la Renaissance que nous n’avions vus qu’en diapositives », dit-elle. Bien que son style soit contemporain, il est riche en échos de l’art historique.

Son travail porte aussi des courants profondément personnels—même quand l’histoire complète ne lui est pas immédiatement claire. Prenez Ipswich, une peinture avec des anneaux ondulants de bleu et d’indigo à l’intérieur d’une bordure rouge. Stockman se souvient d’un professeur qui vivait dans une maison de style Cape Cod près des marais de Boston. « Nous y passions de longs dîners, regardant la marée monter et submerger les herbes des marais, puis se retirer, laissant derrière elle des mèches veloutées dans la boue », raconte-t-elle. Plus tard, elle est tombée sur de vieilles photos en noir et blanc d’herbe coupée et empilée pour le bétail—« comme la réponse de la Nouvelle-Angleterre aux meules de Monet ». Ce n’est qu’alors qu’elle a fait le lien entre la peinture et son enfance dans une ferme à foin. « Ces formes émergent souvent de quelque chose enfoui dans mon subconscient. Ce n’est que lorsqu’elles prennent forme sur la toile que je les comprends. »

Mais ce ne sont pas seulement les formes qui rendent les peintures de Stockman si frappantes—c’est aussi la couleur, vibrante et harmonieuse, à la fois exaltante et apaisante. « C’est une coloriste extraordinaire », déclare la conservatrice Helen Molesworth, qui présentera Stockman dans une prochaine exposition David Zwirner sur une nouvelle génération d’artistes californiens de la lumière et de l’espace. Avant ses études supérieures à NYU, Stockman a passé un an à Jaipur à étudier la peinture miniature moghole, une expérience qui a approfondi sa révérence pour la couleur—des matériaux bruts, comme le lapis-lazuli broyé en outremer, à la puissance de certaines combinaisons.

Lily Stockman, Love Letter, 2024. Ed Mumford. Avec l’aimable autorisation de Charles Moffett.

Parmi toutes ses passions, le jardinage est peut-être la plus formatrice—et la meilleure métaphore pour son travail. « C’est mon langage natif pour marquer le temps », dit-elle. Lors de notre conversation en début d’été, elle a noté les changements de couleurs et de parfums dans son jardin : les iris qui fanent, les roses nouvellement écloses. Sa mère l’a initiée à la théorie des couleurs à travers les fleurs, l’emmenant enfant dans l’un des rares jardins américains conçus par Gertrude Jekyll. Jekyll traitait les plantes comme de la peinture, disposant des bleus doux et des lavandes en bordure de jardin pour estomper la limite entre la terre et le ciel.

Pourtant, les jardins, comme la vie, sont fragiles. « Un pétale de rose peut être exquis, mais il peut aussi se meurtrir », observe Molesworth. « Stockman se confronte à cette dualité—dans l’art autant que dans la vie. » C’est pourquoi son acceptation de l’imperfection dans son nouveau travail semble si exaltante. Le tremblement d’une ligne, la tache sur un pétale, le bord écaillé d’une page de livre—ce sont les marques de quelque chose de vivant, de quelque chose qui brille à travers l’usage.