Etter hvert som vi fortsetter å søke etter og feire samtidsbildeskaping fra MENA-regionen gjennom vår åpne utlysning MENA Panorama, fremhever vi en ny utstilling i Perth som samler ni kunstnere fra Midtøsten, Nord-Afrika og deres diasporaer.

Utstillingen

Den 3. oktober åpner Art Gallery of Western Australia (AGWA) No night is long enough for us to dream twice, en gruppeutstilling med mer enn 100 verk av ni kunstnere som debuterer i Perth: Basel Abbas og Ruanne Abou-Rahme, Hicham Benohoud, Myriam Boulos, Mohamed Bourouissa, Sabiha Çimen, Hannah Darabi, Abdulhamid Kircher og Mohamad Abdouni, som også er i juryen for PhotoVogues åpne utlysning MENA Panorama 2026.

Kuratert av Dalia Al-Dujaili, en uavhengig kurator, og Rachel Cieśla, ledende kreativ i Simon Lee Foundation, henter utstillingen sin tittel fra et dikt av den palestinske poeten Mahmoud Darwish. Den samler verk som ser forbi kjente narrativer om konflikt og krise. Fordi vi ser denne typen nyanserte, mangefasetterte representasjon som spesielt viktig for MENA-diskursen i dag, stilte vi kuratorene noen spørsmål om utstillingen, dens tilnærming og kunstnerne den presenterer.

Kunstnerne kommer fra svært forskjellige kontekster, men dere identifiserer en felles «relasjon til press» mellom deres praksiser. Hva refererer dette presset til, og hvorfor ble det et viktig forbindelsespunkt for utstillingen?

Rachel Cieśla: Press er et nyttig ord fordi det navngir noe som skjer med oss, men også inne i oss. Jeg var interessert i hvordan disse kunstnerne lager bilder fra det spenningspunktet: når sosiale, politiske, følelsesmessige eller historiske krefter blir nesten for mye, og noe må gi etter. Disse kunstnerne arbeider på svært forskjellige steder og fra svært forskjellige posisjoner, men bildene deres ser alle ut til å forstå at et «avgjørende øyeblikk» kan oppstå under press. Noe bygger seg opp, intensiveres, og så kommer en ekstatisk utløsning. Utløsningen kan være nytelse, humor, vold, absurditet, skjønnhet, begjær. Den kan vare i femten sekunder. Den kan være et fotografi. Og så er den borte.

Det føltes spesielt viktig for meg på grunn av fotografiets tilstand nå. Vi har en tendens til å tenke på fotografi som et medium som fanger noe som allerede har skjedd – Barthes' «that-has-been». Men vi ble stadig mer interessert i muligheten for et fotografi som egentlig ikke handler om fortiden i det hele tatt. Hva om bildet er orientert helt fremover? Hva om det er mindre en registrering av det som var enn en midlertidig symbolsk gest mot noe som ennå ikke har en sosial form?

Det er det vi ser skje på tvers av disse praksisene. Kunstnerne prøver ikke nødvendigvis å avsløre virkeligheten for oss. De gjør virkeligheten ustabil nok til at en annen mulighet kortvarig kan dukke opp. Mohamad Abdounis fotografier er et godt eksempel: subjektene hans gjør bittesmå krav på verden gjennom et blikk, en berøring, en positur. Det er romantikk og melankoli, lekfullhet og fortvilelse, alt på en gang. Bildet løser ikke noe av dette. Det gir dem bare et øyeblikk til å eksistere, og jeg tror det er politisk. Ikke fordi kunstnerne nødvendigvis kommer med politiske utsagn, men fordi de skaper rom der noe kan dukke opp som de omkringliggende forholdene ikke lett tillater.

En kropp okkuperer rom. Noen begjærer noen andre. Noen nekter lekent å oppføre seg korrekt. Så press og utløsning ble en måte å tenke om verkene uten å redusere dem til en felles geografi eller identitet. Disse kunstnerne kommer fra steder preget avDe sto overfor ekstraordinære press, både historiske og nåtidige, men vi ønsket ikke at det skulle være forklaringen på arbeidet deres. I stedet ble vi tiltrukket av de særegne energiene som oppstår fra disse forholdene – hvordan et bilde kan bli et lite rom for frihet uten å late som om forholdene selv har forsvunnet.

Kanskje det er derfor tittelen No night is long enough for us to dream twice ble så viktig for oss. Den taler til umuligheten av å vende tilbake til den samme drømmen, eller holde fast ved det samme øyeblikket av frihet. Du har dette korte utbruddet, og så faller det tilbake i verden. Men at det ikke kan vare, gjør det ikke ubetydelig. Tvert imot – selve flyktigheten er det som gir det hastverk.

Mohamed Bourouissa, Le cercle imaginaire 2007–2008. Med tillatelse fra kunstneren, PALAS, Sydney, og MENNOUR, Paris. © Mohamed Bourouissa

Hva betyr det å bringe disse praksisene i samtale med publikum i Perth, og hva slags møte håpet dere utstillingen ville skape?

Rachel Cieśla: Jeg tror faktisk Vest-Australia er et svært viktig sted å holde denne utstillingen, nettopp fordi det ikke er et åpenbart sted for den. WA blir ofte tenkt på som geografisk fjerntliggende, men den følelsen av avstand er også en slags nærhet. Perth er en by ved Indiahavet, som ser vest og nord like mye som øst, og vi er forbundet med SWANA-regionen gjennom historier som er langt eldre og mer kompliserte enn ideen om Perth som en isolert australsk by antyder. Vi var ikke interessert i å bringe disse kunstnerne til Perth bare fordi publikum her ikke har sett dem før. Vi var interessert i hva som skjer når disse praksisene kommer inn i et sted med sine egne former for tilhørighet og utestengelse, og sitt eget forhold til regionen.

Seks av kunstnerne viser verk i Australia for første gang, men utstillingen handler ikke om å fylle et geografisk tomrom eller gi publikum en oversikt over SWANA-regionen. Faktisk var vi svært nøye med å unngå ideen om at disse kunstnerne på noen måte kunne stå som representanter for Sørvest-Asia og Nord-Afrika. De er ikke representanter. De er kunstnere med svært spesifikke praksiser og måter å se på.

Vi håper utstillingen kan skape et uventet møte med SWANA-regionen, og la publikum oppdage uventede forbindelser mellom verkene. Du kan bevege deg fra et fotografi av en ung kvinne som ler i en koranskole til et bilde av kropper samlet i en parisisk forstad, eller fra et familieportrett til en surrealistisk video om raseprofilering, og plutselig begynner noe å resonere som ikke nødvendigvis er geografisk.

Forbindelsene er følelsesmessige før de er forklarende. Det føles spesielt viktig i Perth, fordi det alltid er en fare, når man ser på verk fra andre steder, for å be det forklare et annet sted for oss. Vi vil heller at utstillingen skal komplisere den posisjonen. Kanskje spørsmålet ikke er: «Hva kan disse kunstnerne fortelle oss om disse stedene?» men: «Hva lar disse bildene oss se annerledes herfra?»

What's Ours. Libanon. 2013–2023.

Myriam Boulos, Lebanon. What's Ours, 2013–2023. Med tillatelse fra kunstneren © Myriam Boulos

Myriam Boulos, What's Ours. Libanon. 2013–2023. Med tillatelse fra kunstneren © Myriam Boulos

Mange av kunstnerne i utstillingen bygger på dypt personlige erfaringer, men disse historiene kan resonere langt utover det individuelle. Når blir det personlige universelt? Hvordan kan en kunstners intime erfaring tale til noe større, på tvers av forskjellige kulturer, geografier og levde virkeligheter?

Dalia Al-Dujaili: Selvet formes av samfunnet, akkurat som samfunnet formes av og gjenspeiler sine individer. Vi er uløselig forbundet med hverandre, og vi blir alle til slutt det «universelle». Men for å være mer spesifikk, personlig kunst blir universell når den taler i menneskelige termer. Noe som minner meg om det vakre Kazuo Ishiguro-sitatet om litteratur: «Til syvende og sist handler historier om én person som sier til en annen: Dette er hvordan det føles for meg. Kan du forstå hva jeg sier? Føles det slik for deg?» Det er nøyaktig hva hver kunstner gjør i No Night, og det er det jeg finner så kraftfullt ved verkene i denne utstillingen. Abdulhamid Kircher gir et dypt sårbart innblikk i det skjøre, høyinnsats-maskuline forholdet mellom far og sønn, mens Myriam Boulos fanger møtepunktet mellom vold og det erotiske – eller romantiske – der skeive par omfavner hverandre og kvinner løper mellom branner under protester. Så er det Hicham Benohouds Classroom-serie, som viser barn i lek i tullete, surrealistiske og absurde omgivelser. Uavhengig av deres geografiske plassering – enten Beirut, Tyrkia eller Teheran – er det som forbinder disse bildene med betraktere de universelle menneskelige følelsene i dem: lengsel, begjær, humor, vold og sorg. Og nettopp disse universelle følelsene er det som gir spesifikke geopolitiske og sosiopolitiske hendelser mening for mangfoldige, store publikumer. Det er det som resonerer med oss alle.

What's Ours. Libanon. 2013-2023.
Myriam Boulos, Lebanon. What's Ours, 2013-2023. Med tillatelse fra kunstneren ©Myriam Boulos©Myriam Boulos

Det er en så ekstraordinær rikdom av talent i hele regionen. Med så mange kunstnere og praksiser dere kunne ha valgt fra, hva trakk dere til nettopp disse ni? Hva bandt dem sammen for dere, og hva følte dere de kunne avsløre når de ble brakt sammen?

Dalia Al-Dujaili: Rachel sa noe svært viktig – at vi var «bevisste på å unngå ideen om at disse kunstnerne på noen måte kunne stå som representanter for SWANA. De er ikke representanter. De er kunstnere med svært spesifikke praksiser og måter å se på.»

Du har så rett i å si at SWANA-regionen har en slik rikdom av talent å tilby. Rachel og jeg hadde en svært samarbeidsorientert kuratorisk prosess; jeg føler vi bidro likt til de kunstneriske valgene vi endte opp med. Der Rachel var interessert i dette forholdet til press – som er så presist og relevant – personlig var grunnen til at jeg landet på disse kunstnerne deres bruk av surrealisme, absurdisme, humor og drømmelignende scener. Jeg håper at det å gå inn i denne utstillingen føles litt som å gå inn i en feberdrøm.

Dette er viktig for meg fordi kunstneriske bevegelser som surrealisme og absurdisme sjeldnere blir tilskrevet kunstnere fra SWANA-regionen; de fleste kuratoriske og redaksjonelle valg har en tendens til å fange kunstnere fra regionen i representasjonspolitikk (jeg har gjort dette selv som redaktør mange ganger). Med denne utstillingen lar surreality og drømmer ikke bare landskap og individer i regionen utvide seg til alternative virkeligheter og urealiserte muligheter, men frigjør også disse kunstnerne fra den kvelende forventningen om å representere regionen på en spesifikk, forutbestemt måte eller estetikk – eller å representere én versjon av virkeligheten i SWANA eller diasporaen.

No Night is long enough for us to dream twice vises på AGWA fra 3. oktober 2026 til 31. januar 2027, med gratis inngang.

Ofte stilte spørsmål
Her er en liste over ofte stilte spørsmål om AGWA-utstillingen med ni kunstnere fra MENA-regionen



Hva handler AGWA-utstillingen om

Det er en ny kunstutstilling på Arab Museum of Modern Art som viser verk av ni forskjellige kunstnere. Utstillingen fokuserer på samtidskunst fra Midtøsten og Nord-Afrika



Hva står MENA for

MENA står for Midtøsten og Nord-Afrika. Det er et begrep som brukes for å beskrive en stor geografisk region som inkluderer land som Egypt, Marokko, Libanon og De forente arabiske emirater



Hvem er de ni kunstnerne i utstillingen

Utstillingen inkluderer en mangfoldig gruppe på ni kunstnere fra forskjellige land i MENA-regionen. De arbeider i ulike medier som maleri, skulptur, video og fotografi



Hva slags kunst vil jeg se

Du vil se en blanding av samtidskunst. Dette inkluderer malerier, store installasjoner, videoer og fotografier. Kunstverkene utforsker temaer som identitet, historie, kultur og livet i MENA-regionen i dag



Hvor ligger AGWA

AGWA ligger i Doha, Qatar. Det er en del av Qatar Museums-nettverket



Når kan jeg besøke utstillingen

Du bør sjekke AGWAs offisielle nettsted eller sosiale medier-sider for de nøyaktige datoene og åpningstidene. Museets åpningstider kan endres, så det er best å bekrefte før du drar



Må jeg kjøpe billetter på forhånd

Det er en god idé å sjekke museets nettsted for billettinformasjon. Noen utstillinger er gratis, mens andre krever en betalt billett. Å kjøpe online på forhånd kan spare deg tid



Er utstillingen bra for folk som ikke kan mye om kunst

Ja. Utstillingen er en flott måte å lære om en ny kultur og se forskjellige typer kunst. Du trenger ikke være ekspert for å nyte den. Mange museer tilbyr guider eller lydturer som hjelper med å forklare verkene



Hva er samtidskunst

Samtidskunst er kunst skapt i nåtiden. Den responderer ofte på aktuelle hendelser og ideer. Den kan se svært forskjellig fra tradisjonell eller klassisk kunst



Hvorfor er en utstilling som denne viktig

Den gir en plattform til kunstnere fra MENA-regionen. Den hjelper publikum fra hele verden å se mangfoldet og kreativiteten i regionen, som ofte ikke er representert i mainstream vestlige medier



Er kunstnerne kjente

Kunstnerne er alle respekterte i kunst