A medida que continuamos buscando y celebrando la creación de imágenes contemporáneas de la región MENA a través de nuestra Convocatoria Abierta MENA Panorama, destacamos una nueva exposición en Perth que reúne a nueve artistas de Oriente Medio, el Norte de África y sus diásporas.

La exposición

El 3 de octubre, la Galería de Arte de Australia Occidental (AGWA) inaugurará No night is long enough for us to dream twice, una exposición colectiva que presenta más de 100 obras de nueve artistas que debutan en Perth: Basel Abbas y Ruanne Abou-Rahme, Hicham Benohoud, Myriam Boulos, Mohamed Bourouissa, Sabiha Çimen, Hannah Darabi, Abdulhamid Kircher y Mohamad Abdouni, quien también forma parte del jurado de la Convocatoria Abierta MENA Panorama 2026 de PhotoVogue.

Curada por Dalia Al-Dujaili, curadora independiente, y Rachel Cieśla, Directora Creativa de la Simon Lee Foundation, la exposición toma su título de un poema del poeta palestino Mahmoud Darwish. Reúne obras que miran más allá de las narrativas familiares de conflicto y crisis. Debido a que consideramos que este tipo de representación matizada y multifacética es especialmente importante para el discurso MENA actual, hicimos algunas preguntas a los curadores sobre la exposición, su enfoque y los artistas que presenta.

Los artistas provienen de contextos muy diferentes, pero ustedes identifican una "relación con la presión" compartida entre sus prácticas. ¿A qué se refiere esta presión y por qué se convirtió en un punto de conexión importante para la exposición?

Rachel Cieśla: Presión es una palabra útil porque nombra algo que nos sucede pero también dentro de nosotros. Me interesaba cómo estos artistas crean imágenes desde ese punto de tensión: cuando las fuerzas sociales, políticas, emocionales o históricas se vuelven casi demasiado, y algo tiene que ceder. Estos artistas trabajan en lugares muy diferentes y desde posiciones muy diferentes, pero sus imágenes parecen entender todas que un "momento decisivo" puede ocurrir bajo presión. Algo se acumula, se intensifica, y luego hay una liberación extática. La liberación puede ser placer, humor, violencia, absurdo, belleza, deseo. Puede durar quince segundos. Puede ser una fotografía. Y luego se va.

Eso me pareció particularmente importante debido a la condición de la fotografía ahora. Tendemos a pensar en la fotografía como un medio que captura algo que ya ha sucedido — el "esto-ha-sido" de Barthes. Pero nos fuimos interesando cada vez más en la posibilidad de una fotografía que no trata realmente sobre el pasado en absoluto. ¿Qué pasa si la imagen está orientada completamente hacia adelante? ¿Qué pasa si es menos un registro de lo que fue que un gesto simbólico temporal hacia algo que aún no tiene una forma social?

Eso es lo que vemos suceder a través de estas prácticas. Los artistas no están necesariamente tratando de revelarnos la realidad. Están haciendo que la realidad sea lo suficientemente inestable como para que otra posibilidad pueda aparecer brevemente. Las fotografías de Mohamad Abdouni son un buen ejemplo: sus sujetos hacen pequeñas reclamaciones sobre el mundo a través de una mirada, un toque, una pose. Hay romance y melancolía, juguetonería y desesperación, todo sucediendo a la vez. La imagen no resuelve nada de eso. Simplemente les da un momento en el que existir, y creo que eso es político. No porque los artistas estén necesariamente haciendo declaraciones políticas, sino porque crean espacios en los que puede aparecer algo que las condiciones circundantes no permiten fácilmente.

Un cuerpo ocupa espacio. Alguien desea a otra persona. Alguien juguetonamente se niega a comportarse correctamente. Así que presión y liberación se convirtieron en una forma de pensar sobre las obras sin reducirlas a una geografía o identidad compartida. Estos artistas provienen de lugares marcados por... Enfrentaron presiones extraordinarias, tanto históricas como actuales, pero no queríamos que eso fuera la explicación de su trabajo. En cambio, nos atrajeron las energías particulares que surgen de esas condiciones — cómo una imagen puede convertirse en un pequeño espacio de libertad sin pretender que las condiciones mismas hayan desaparecido.

Quizás por eso el título No night is long enough for us to dream twice se volvió tan importante para nosotros. Habla de la imposibilidad de volver al mismo sueño, o de aferrarse al mismo momento de libertad. Tienes esta breve erupción, y luego vuelve a caer en el mundo. Pero el hecho de que no pueda durar no lo hace insignificante. Todo lo contrario — su misma fugacidad es lo que le da urgencia.

Mohamed Bourouissa, Le cercle imaginaire 2007–2008. Cortesía del artista, PALAS, Sídney, y MENNOUR, París. © Mohamed Bourouissa

¿Qué significa poner estas prácticas en conversación con el público de Perth, y qué tipo de encuentro esperaban que creara la exposición?

Rachel Cieśla: Creo que Australia Occidental es en realidad un lugar muy importante para realizar esta exposición, precisamente porque no es un lugar obvio para ella. A Australia Occidental a menudo se la considera geográficamente remota, pero ese sentido de distancia es también una especie de proximidad. Perth es una ciudad en el Océano Índico, que mira hacia el oeste y el norte tanto como hacia el este, y estamos conectados con la región SWANA a través de historias mucho más antiguas y complicadas de lo que sugiere la idea de Perth como una ciudad australiana aislada. No nos interesaba traer a estos artistas a Perth solo porque el público aquí no los haya visto antes. Nos interesaba lo que sucede cuando estas prácticas entran en un lugar con sus propias formas de pertenencia y exclusión, y su propia relación con la región.

Seis de los artistas exhiben obra en Australia por primera vez, pero la exposición no se trata de llenar un vacío geográfico o de dar al público un panorama de la región SWANA. De hecho, tuvimos mucho cuidado de evitar la idea de que estos artistas pudieran de alguna manera representar a Asia Suroccidental y el Norte de África. No son representantes. Son artistas con prácticas muy específicas y formas de ver.

Esperamos que la exposición pueda crear un encuentro inesperado con la región SWANA, y permitir al público descubrir conexiones inesperadas entre las obras. Puedes pasar de una fotografía de una joven riendo en una escuela coránica a una imagen de cuerpos reunidos en un banlieue parisino, o de una fotografía familiar a un video surrealista sobre el perfilado racial, y de repente algo empieza a resonar que no es necesariamente geográfico.

Las conexiones son emocionales antes que explicativas. Eso se siente especialmente importante en Perth, porque siempre existe el peligro, al mirar obra de otro lugar, de pedirle que nos explique otro lugar. Preferiríamos que la exposición complique esa posición. Quizás la pregunta no es: "¿Qué pueden decirnos estos artistas sobre esos lugares?" sino: "¿Qué nos permiten ver estas imágenes de manera diferente desde aquí?"

What's Ours. Líbano. 2013–2023.

Myriam Boulos, Lebanon. What's Ours, 2013–2023. Cortesía de la artista © Myriam Boulos

Myriam Boulos, What's Ours. Líbano. 2013–2023. Cortesía de la artista © Myriam Boulos

Muchos de los artistas de la exposición se basan en experiencias profundamente personales, pero estas historias pueden resonar mucho más allá del individuo. ¿Cuándo se vuelve universal lo personal? ¿Cómo puede la experiencia íntima de un artista hablar de algo más grande, a través de diferentes culturas, geografías y realidades vividas?

Dalia Al-Dujaili: El yo es moldeado por la sociedad así como la sociedad es moldeada por y refleja a sus individuos. Estamos inextricablemente conectados unos con otros, y todos eventualmente nos convertimos en lo "universal". Pero para ser más específica, el arte personal se vuelve universal cuando habla en términos humanos. Lo que me recuerda esa hermosa cita de Kazuo Ishiguro sobre la literatura: "Al final, las historias tratan de una persona diciéndole a otra: Así es como se siente para mí. ¿Puedes entender lo que estoy diciendo? ¿Se siente así para ti?" Eso es exactamente lo que hace cada artista en No Night, y es lo que encuentro tan poderoso en el trabajo de esta muestra. Abdulhamid Kircher ofrece una mirada profundamente vulnerable a la frágil y arriesgada relación masculina entre padre e hijo, mientras que Myriam Boulos captura el punto de encuentro entre la violencia y lo erótico — o romántico — donde parejas queer se abrazan y mujeres corren entre fuegos durante las protestas. Luego está la serie Classroom de Hicham Benohoud, que muestra a niños jugando en entornos tontos, surrealistas y absurdos. Independientemente de su ubicación geográfica — ya sea Beirut, Turquía o Teherán — lo que conecta estas imágenes con los espectadores son los sentimientos humanos universales dentro de ellas: anhelo, lujuria, humor, violencia y dolor. Y esos sentimientos universales son exactamente lo que da significado a eventos geopolíticos y sociopolíticos específicos para audiencias diversas y vastas. Eso es lo que resuena con todos nosotros.

What's Ours. Líbano. 2013-2023.
Myriam Boulos, Lebanon. What's Ours, 2013-2023. Cortesía de la artista ©Myriam Boulos©Myriam Boulos

Hay una riqueza tan extraordinaria de talento en toda la región. Con tantos artistas y prácticas entre los que podrían haber elegido, ¿qué les atrajo de estos nueve en particular? ¿Qué los conectó para ustedes, y qué sintieron que podrían revelar al ser reunidos?

Dalia Al-Dujaili: Rachel dijo algo muy importante — que éramos "conscientes de evitar la idea de que estos artistas pudieran de alguna manera representar a SWANA. No son representantes. Son artistas con prácticas muy específicas y formas de ver."

Tienes toda la razón al decir que la región SWANA tiene una riqueza de talento tan grande que ofrecer. Rachel y yo tuvimos un proceso curatorial muy colaborativo; siento que contribuimos por igual a las elecciones artísticas con las que terminamos. Donde Rachel estaba interesada en esta relación con la presión — que es tan precisa y pertinente — personalmente, la razón por la que llegué a estos artistas es por su uso del surrealismo, el absurdismo, el humor y las escenas oníricas. Espero que entrar a esta muestra se sienta algo así como caminar hacia un sueño febril.

Esto es importante para mí porque movimientos artísticos como el surrealismo y el absurdismo se atribuyen con menos frecuencia a artistas de la región SWANA; la mayoría de las elecciones curatoriales y editoriales tienden a atrapar a los artistas de la región en políticas de representación (yo misma he hecho esto como editora muchas veces). Con esta muestra, la surrealidad y los sueños no solo permiten que los paisajes y los individuos de la región se expandan hacia realidades alternativas y posibilidades no realizadas, sino que también liberan a estos artistas de la expectativa sofocante de representar la región de una manera o estética específica y predeterminada — o de representar una versión de la realidad en SWANA o la diáspora.

No Night is long enough for us to dream twice se exhibe en AGWA del 3 de octubre de 2026 al 31 de enero de 2027, con entrada gratuita.

Preguntas Frecuentes
Aquí hay una lista de preguntas frecuentes sobre la exposición de AGWA que presenta a nueve artistas de la región MENA



¿De qué trata la exposición de AGWA?

Es una nueva muestra de arte en el Museo Árabe de Arte Moderno que presenta obra de nueve artistas diferentes. La exposición se centra en el arte contemporáneo de la región de Oriente Medio y el Norte de África.



¿Qué significa MENA?

MENA significa Oriente Medio y el Norte de África. Es un término usado para describir una gran región geográfica que incluye países como Egipto, Marruecos, Líbano y los Emiratos Árabes Unidos.



¿Quiénes son los nueve artistas de la muestra?

La exposición incluye un grupo diverso de nueve artistas de diferentes países dentro de la región MENA. Trabajan en diversos medios como pintura, escultura, video y fotografía.



¿Qué tipo de arte veré?

Verá una mezcla de arte contemporáneo. Esto incluye pinturas, grandes instalaciones, videos y fotografías. Las obras exploran temas como la identidad, la historia, la cultura y la vida en la región MENA hoy.



¿Dónde está ubicada AGWA?

AGWA está ubicada en Doha, Catar. Es parte de la red de Museos de Catar.



¿Cuándo puedo visitar la exposición?

Debe consultar el sitio web oficial de AGWA o las páginas de redes sociales para las fechas exactas y horarios de apertura. Los horarios del museo pueden cambiar, así que es mejor confirmar antes de ir.



¿Necesito comprar entradas con anticipación?

Es una buena idea consultar el sitio web del museo para información sobre entradas. Algunas exposiciones son gratuitas mientras que otras requieren una entrada pagada. Comprar en línea con anticipación puede ahorrarle tiempo.



¿Es la exposición buena para personas que no saben mucho de arte?

Sí. La exposición es una excelente manera de aprender sobre una nueva cultura y ver diferentes tipos de arte. No necesita ser un experto para disfrutarla. Muchos museos ofrecen guías o audioguías para ayudar a explicar las obras.



¿Qué es el arte contemporáneo?

El arte contemporáneo es arte creado en la actualidad. A menudo responde a eventos e ideas actuales. Puede verse muy diferente del arte tradicional o clásico.



¿Por qué es importante una exposición como esta?

Da una plataforma a artistas de la región MENA. Ayuda a audiencias de todo el mundo a ver la diversidad y creatividad de la región, que a menudo no está representada en los medios occidentales dominantes.



¿Son famosos los artistas?

Los artistas son todos respetados en el mundo del arte