Efterhånden som vi fortsætter med at opsøge og fejre samtidig billedskabelse fra MENA-regionen gennem vores MENA Panorama Open Call, fremhæver vi en ny udstilling i Perth, der samler ni kunstnere fra Mellemøsten, Nordafrika og deres diasporaer.
Udstillingen
Den 3. oktober åbner Art Gallery of Western Australia (AGWA) No night is long enough for us to dream twice, en gruppeudstilling med mere end 100 værker af ni kunstnere, der debuterer i Perth: Basel Abbas og Ruanne Abou-Rahme, Hicham Benohoud, Myriam Boulos, Mohamed Bourouissa, Sabiha Çimen, Hannah Darabi, Abdulhamid Kircher og Mohamad Abdouni, som også er med i juryen for PhotoVogues MENA Panorama Open Call 2026.
Kurateret af Dalia Al-Dujaili, en uafhængig kurator, og Rachel Cieśla, Lead Creative ved Simon Lee Foundation, tager udstillingen sin titel fra et digt af den palæstinensiske digter Mahmoud Darwish. Den samler værker, der ser ud over velkendte fortællinger om konflikt og krise. Fordi vi ser denne form for nuanceret, mangefacetteret repræsentation som særligt vigtig for MENA-diskursen i dag, stillede vi kuratorerne nogle spørgsmål om udstillingen, dens tilgang og de kunstnere, den præsenterer.
Kunstnerne kommer fra meget forskellige kontekster, men I identificerer en fælles "relation til pres" mellem deres praksisser. Hvad refererer dette pres til, og hvorfor blev det et vigtigt forbindelsespunkt for udstillingen?
Rachel Cieśla: Pres er et brugbart ord, fordi det navngiver noget, der sker med os, men også inde i os. Jeg var interesseret i, hvordan disse kunstnere skaber billeder fra det punkt af spænding: når sociale, politiske, følelsesmæssige eller historiske kræfter bliver næsten for meget, og noget må give efter. Disse kunstnere arbejder på meget forskellige steder og fra meget forskellige positioner, men deres billeder ser alle ud til at forstå, at et "afgørende øjeblik" kan opstå under pres. Noget bygger sig op, intensiveres, og så er der en ekstatisk frigivelse. Frigivelsen kan være nydelse, humor, vold, absurditet, skønhed, begær. Den kan vare femten sekunder. Den kan være et fotografi. Og så er den væk.
Det føltes særligt vigtigt for mig på grund af fotografiets tilstand nu. Vi har en tendens til at tænke på fotografi som et medie, der fanger noget, der allerede er sket — Barthes' "that-has-been." Men vi blev mere og mere interesserede i muligheden for et fotografi, der egentlig ikke handler om fortiden overhovedet. Hvad hvis billedet er orienteret helt fremad? Hvad hvis det mindre er en registrering af, hvad der var, end en midlertidig symbolsk gestus mod noget, der endnu ikke har en social form?
Det er, hvad vi ser ske på tværs af disse praksisser. Kunstnerne forsøger ikke nødvendigvis at afsløre virkeligheden for os. De gør virkeligheden ustabil nok til, at en anden mulighed kortvarigt kan opstå. Mohamad Abdounis fotografier er et godt eksempel: hans motiver gør små krav på verden gennem et blik, en berøring, en positur. Der er romantik og melankoli, legesyge og fortvivlelse, alt sammen på én gang. Billedet opløser ikke nogen af disse ting. Det giver dem blot et øjeblik, hvori de kan eksistere, og det synes jeg er politisk. Ikke fordi kunstnerne nødvendigvis fremsætter politiske udsagn, men fordi de skaber rum, hvor noget kan fremtræde, som de omkringliggende betingelser ikke let tillader.
En krop optager plads. Nogen begærer en anden. Nogen nægter legende at opføre sig korrekt. Så pres og frigivelse blev en måde at tænke på værkerne uden at reducere dem til en fælles geografi eller identitet. Disse kunstnere kommer fra steder præget afDe stod over for ekstraordinære pres, både historiske og nutidige, men vi ønskede ikke, at det skulle være forklaringen på deres arbejde. I stedet blev vi tiltrukket af de særlige energier, der opstår fra disse betingelser — hvordan et billede kan blive et lille rum af frihed uden at foregive, at betingelserne selv er forsvundet.
Måske er det derfor, titlen No night is long enough for us to dream twice blev så vigtig for os. Den taler til umuligheden af at vende tilbage til den samme drøm eller holde fast i det samme øjeblik af frihed. Du har dette korte udbrud, og så falder det tilbage i verden. Men det faktum, at det ikke kan vare ved, gør det ikke ubetydeligt. Tværtimod — dets flygtighed er netop det, der giver det hastværk.
Mohamed Bourouissa, Le cercle imaginaire 2007–2008. Med tilladelse fra kunstneren, PALAS, Sydney, og MENNOUR, Paris. © Mohamed Bourouissa
Hvad betyder det at bringe disse praksisser i samtale med publikum i Perth, og hvilken form for møde håbede I, at udstillingen ville skabe?
Rachel Cieśla: Jeg tror faktisk, at Western Australia er et meget vigtigt sted at holde denne udstilling, netop fordi det ikke er et oplagt sted for den. WA betragtes ofte som geografisk fjerntliggende, men den følelse af afstand er også en form for nærhed. Perth er en by ved Det Indiske Ocean, der kigger mod vest og nord lige så meget som mod øst, og vi er forbundet med SWANA-regionen gennem historier, der er langt ældre og mere komplicerede, end ideen om Perth som en isoleret australsk by antyder. Vi var ikke interesserede i at bringe disse kunstnere til Perth bare fordi publikum her ikke har set dem før. Vi var interesserede i, hvad der sker, når disse praksisser træder ind i et sted med sine egne former for tilhørsforhold og udelukkelse og sit eget forhold til regionen.
Seks af kunstnerne viser værker i Australien for første gang, men udstillingen handler ikke om at udfylde et geografisk hul eller give publikum en oversigt over SWANA-regionen. Faktisk var vi meget omhyggelige med at undgå ideen om, at disse kunstnere på nogen måde kunne stå i stedet for Sydvestasien og Nordafrika. De er ikke repræsentanter. De er kunstnere med meget specifikke praksisser og måder at se på.
Vi håber, at udstillingen kan skabe et uventet møde med SWANA-regionen og lade publikum opdage uventede forbindelser mellem værkerne. Du kan bevæge dig fra et fotografi af en ung kvinde, der ler i en koranskole, til et billede af kroppe samlet i en parisisk banlieue, eller fra et familiefotografi til en surrealistisk video om racemæssig profilering, og pludselig begynder noget at resonere, som ikke nødvendigvis er geografisk.
Forbindelserne er følelsesmæssige, før de er forklarende. Det føles særligt vigtigt i Perth, fordi der altid er en fare, når man ser på værker fra andre steder, for at bede dem om at forklare et andet sted for os. Vi vil hellere, at udstillingen komplicerer den position. Måske er spørgsmålet ikke: "Hvad kan disse kunstnere fortælle os om de steder?" men: "Hvad lader disse billeder os se anderledes herfra?"
What's Ours. Libanon. 2013–2023.
Myriam Boulos, Lebanon. What's Ours, 2013–2023. Med tilladelse fra kunstneren © Myriam Boulos
Myriam Boulos, What's Ours. Libanon. 2013–2023. Med tilladelse fra kunstneren © Myriam Boulos
Mange af kunstnerne i udstillingen trækker på dybt personlige erfaringer, men disse historier kan resonere langt ud over den enkelte. Hvornår bliver det personlige universelt? Hvordan kan en kunstners intime erfaring tale til noget større på tværs af forskellige kulturer, geografier og levede virkeligheder?
Dalia Al-Dujaili: Selvet formes af samfundet, ligesom samfundet formes af og afspejler sine individer. Vi er uløseligt forbundet med hinanden, og vi bliver alle til sidst det "universelle." Men for at være mere specifik: personlig kunst bliver universel, når den taler i menneskelige termer. Hvilket minder mig om det smukke Kazuo Ishiguro-citat om litteratur: "I sidste ende handler historier om én person, der siger til en anden: Sådan føles det for mig. KanDu forstå, hvad jeg siger? Føles det sådan for dig?" Det er præcis, hvad hver kunstner gør i No Night, og det er, hvad jeg finder så stærkt ved værkerne i denne udstilling. Abdulhamid Kircher giver et dybt sårbart indblik i det skrøbelige, højrisikable maskuline forhold mellem far og søn, mens Myriam Boulos fanger mødestedet mellem vold og det erotiske — eller romantiske — hvor queerkærestepar omfavner hinanden, og kvinder løber mellem brande under protester. Så er der Hicham Benohouds Classroom-serie, som viser børn, der leger i fjollede, surrealistiske og absurde omgivelser. Uanset deres geografiske placering — hvad enten det er Beirut, Tyrkiet eller Teheran — er det, der forbinder disse billeder med betragterne, de universelle menneskelige følelser i dem: længsel, begær, humor, vold og sorg. Og disse universelle følelser er netop det, der giver specifikke geopolitiske og sociopolitiske begivenheder betydning for forskelligartede, brede publikummer. Det er det, der resonerer hos os alle.
What's Ours. Libanon. 2013-2023.
Myriam Boulos, Lebanon. What's Ours, 2013-2023. Med tilladelse fra kunstneren ©Myriam Boulos©Myriam Boulos
Der er en sådan ekstraordinær rigdom af talent i hele regionen. Med så mange kunstnere og praksisser, I kunne have valgt fra, hvad trak jer til netop disse ni? Hvad forbandt dem for jer, og hvad følte I, at de kunne afsløre, når de blev bragt sammen?
Dalia Al-Dujaili: Rachel sagde noget meget vigtigt — at vi var "opmærksomme på at undgå ideen om, at disse kunstnere på nogen måde kunne stå i stedet for SWANA. De er ikke repræsentanter. De er kunstnere med meget specifikke praksisser og måder at se på."
Du har så ret i at sige, at SWANA-regionen har en sådan rigdom af talent at byde på. Rachel og jeg havde en meget samarbejdsorienteret kuratorisk proces; jeg føler, at vi bidrog lige meget til de kunstneriske valg, vi endte med. Hvor Rachel var interesseret i dette forhold til pres — hvilket er så præcist og relevant — var grunden til, at jeg personligt landede på disse kunstnere, deres brug af surrealisme, absurdisme, humor og drømmelignende scener. Jeg håber, at det føles lidt som at gå ind i en feberdrøm at træde ind i denne udstilling.
Dette er vigtigt for mig, fordi kunstneriske bevægelser som surrealisme og absurdisme sjældnere tilskrives kunstnere fra SWANA-regionen; de fleste kuratoriske og redaktionelle valg har en tendens til at fange kunstnere fra regionen i repræsentationspolitik (det har jeg selv gjort som redaktør mange gange). Med denne udstilling tillader surreality og drømme ikke kun landskaber og individer i regionen at udvide sig til alternative virkeligheder og uforløste muligheder, men frigør også disse kunstnere fra den kvælende forventning om at repræsentere regionen på en specifik, forudbestemt måde eller æstetik — eller at repræsentere én version af virkeligheden i SWANA eller diasporaen.
No Night is long enough for us to dream twice vises på AGWA fra 3. oktober 2026 til 31. januar 2027 med gratis adgang.
Ofte stillede spørgsmål
Her er en liste over ofte stillede spørgsmål om AGWA-udstillingen med ni kunstnere fra MENA-regionen
Hvad handler AGWA-udstillingen om
Det er en ny kunstudstilling på Arab Museum of Modern Art, der viser værker af ni forskellige kunstnere. Udstillingen fokuserer på samtidskunst fra Mellemøsten og Nordafrika
Hvad står MENA for
MENA står for Middle East and North Africa. Det er et udtryk, der bruges til at beskrive en stor geografisk region, der omfatter lande som Egypten, Marokko, Libanon og De Forenede Arabiske Emirater
Hvem er de ni kunstnere i udstillingen
Udstillingen omfatter en mangfoldig gruppe på ni kunstnere fra forskellige lande i MENA-regionen. De arbejder i forskellige medier som maleri, skulptur, video og fotografi
Hvilken slags kunst vil jeg se
Du vil se en blanding af samtidskunst. Det omfatter malerier, store installationer, videoer og fotografier. Kunstværkerne udforsker temaer som identitet, historie, kultur og livet i MENA-regionen i dag
Hvor ligger AGWA
AGWA ligger i Doha, Qatar. Det er en del af Qatar Museums-netværket
Hvornår kan jeg besøge udstillingen
Du bør tjekke AGWAs officielle hjemmeside eller sociale medier for de præcise datoer og åbningstider. Museets åbningstider kan ændre sig, så det er bedst at bekræfte, før du tager af sted
Skal jeg købe billetter på forhånd
Det er en god idé at tjekke museets hjemmeside for billetinformation. Nogle udstillinger er gratis, mens andre kræver en betalt billet. At købe online på forhånd kan spare dig tid
Er udstillingen god for folk, der ikke ved meget om kunst
Ja. Udstillingen er en god måde at lære om en ny kultur og se forskellige typer kunst. Du behøver ikke være ekspert for at nyde den. Mange museer tilbyder guider eller lydture, der hjælper med at forklare værkerne
Hvad er samtidskunst
Samtidskunst er kunst skabt i nutiden. Den reagerer ofte på aktuelle begivenheder og idéer. Den kan se meget anderledes ud end traditionel eller klassisk kunst
Hvorfor er en udstilling som denne vigtig
Den giver en platform til kunstnere fra MENA-regionen. Den hjælper publikummer fra hele verden med at se regionens mangfoldighed og kreativitet, som ofte ikke er repræsenteret i mainstream-vestlige medier
Er kunstnerne berømte
Kunstnerne er alle respekterede i kunst