När vi fortsätter att söka efter och fira samtida bildskapande från MENA-regionen genom vår MENA Panorama Open Call, lyfter vi fram en ny utställning i Perth som samlar nio konstnärer från Mellanöstern, Nordafrika och deras diasporor.

Utställningen

Den 3 oktober öppnar Art Gallery of Western Australia (AGWA) No night is long enough for us to dream twice, en grupputställning med över 100 verk av nio konstnärer som gör sin Perth-debut: Basel Abbas och Ruanne Abou-Rahme, Hicham Benohoud, Myriam Boulos, Mohamed Bourouissa, Sabiha Çimen, Hannah Darabi, Abdulhamid Kircher och Mohamad Abdouni, som också sitter i juryn för PhotoVogues 2026 MENA Panorama Open Call.

Kurerad av Dalia Al-Dujaili, en oberoende curator, och Rachel Cieśla, Lead Creative på Simon Lee Foundation, hämtar utställningen sin titel från en dikt av den palestinske poeten Mahmoud Darwish. Den samlar verk som blickar bortom välbekanta narrativ om konflikt och kris. Eftersom vi ser den här typen av nyanserad, mångfacetterad representation som särskilt viktig för MENA-diskursen idag, ställde vi några frågor till curatorerna om utställningen, dess angreppssätt och de konstnärer den presenterar.

Konstnärerna kommer från mycket olika sammanhang, men ni identifierar en gemensam "relation till press" mellan deras praktiker. Vad syftar denna press på, och varför blev den en viktig kopplingspunkt för utställningen?

Rachel Cieśla: Press är ett användbart ord eftersom det benämner något som händer oss men också inuti oss. Jag var intresserad av hur dessa konstnärer skapar bilder från den punkten av spänning: när sociala, politiska, emotionella eller historiska krafter blir nästan för mycket, och något måste ge vika. Dessa konstnärer arbetar på mycket olika platser och från mycket olika positioner, men deras bilder tycks alla förstå att ett "avgörande ögonblick" kan inträffa under press. Något byggs upp, intensifieras, och sedan kommer en extatisk frigörelse. Frigörelsen kan vara njutning, humor, våld, absurditet, skönhet, begär. Den kan vara i femton sekunder. Den kan vara ett fotografi. Och sedan är den borta.

Det kändes särskilt viktigt för mig på grund av fotografins tillstånd nu. Vi tenderar att tänka på fotografi som ett medium som fångar något som redan har hänt — Barthes "det-har-varit". Men vi blev alltmer intresserade av möjligheten av ett fotografi som egentligen inte handlar om det förflutna alls. Tänk om bilden är helt riktad framåt? Tänk om den är mindre en registrering av vad som var än en tillfällig symbolisk gest mot något som ännu inte har en social form?

Det är vad vi ser hända genom dessa praktiker. Konstnärerna försöker inte nödvändigtvis avslöja verkligheten för oss. De gör verkligheten tillräckligt instabil för att en annan möjlighet tillfälligt ska kunna framträda. Mohamad Abdounis fotografier är ett bra exempel: hans motiv gör små anspråk på världen genom en blick, en beröring, en pose. Det finns romantik och melankoli, lekfullhet och förtvivlan, allt på samma gång. Bilden löser inte något av detta. Den ger dem helt enkelt ett ögonblick att existera i, och jag tror att det är politiskt. Inte för att konstnärerna nödvändigtvis gör politiska uttalanden, utan för att de skapar utrymmen där något kan framträda som de omgivande förhållandena inte lätt tillåter.

En kropp upptar rum. Någon begär någon annan. Någon vägrar lekfullt att bete sig korrekt. Så press och frigörelse blev ett sätt att tänka kring verken utan att reducera dem till en gemensam geografi eller identitet. Dessa konstnärer kommer från platser präglade avDe mötte extraordinära påfrestningar, både historiska och nutida, men vi ville inte att det skulle vara förklaringen till deras arbete. Istället drogs vi till de särskilda energier som uppstår ur dessa förhållanden — hur en bild kan bli ett litet utrymme av frihet utan att låtsas att förhållandena i sig har försvunnit.

Kanske är det därför titeln No night is long enough for us to dream twice blev så viktig för oss. Den talar om omöjligheten att återvända till samma dröm, eller att hålla fast vid samma ögonblick av frihet. Du har detta korta utbrott, och sedan faller det tillbaka in i världen. Men det faktum att det inte kan vara gör det inte betydelselöst. Tvärtom — dess flyktighet är just det som ger det brådska.

Mohamed Bourouissa, Le cercle imaginaire 2007–2008. Med tillstånd av konstnären, PALAS, Sydney, och MENNOUR, Paris. © Mohamed Bourouissa

Vad innebär det att föra dessa praktiker i samtal med publiken i Perth, och vilken typ av möte hoppades ni att utställningen skulle skapa?

Rachel Cieśla: Jag tror att Western Australia faktiskt är en mycket viktig plats att hålla denna utställning på, just för att det inte är en självklar plats för den. WA betraktas ofta som geografiskt avlägset, men den känslan av avstånd är också en sorts närhet. Perth är en stad vid Indiska oceanen, som blickar västerut och norrut lika mycket som österut, och vi är kopplade till SWANA-regionen genom historier långt äldre och mer komplicerade än idén om Perth som en isolerad australisk stad antyder. Vi var inte intresserade av att föra dessa konstnärer till Perth bara för att publiken här inte har sett dem tidigare. Vi var intresserade av vad som händer när dessa praktiker kommer in i en plats med sina egna former av tillhörighet och uteslutning, och sin egen relation till regionen.

Sex av konstnärerna visar verk i Australien för första gången, men utställningen handlar inte om att fylla en geografisk lucka eller ge publiken en översikt över SWANA-regionen. Faktum är att vi var mycket noga med att undvika idén att dessa konstnärer på något sätt skulle kunna representera Sydvästasien och Nordafrika. De är inte representanter. De är konstnärer med mycket specifika praktiker och sätt att se.

Vi hoppas att utställningen kan skapa ett oväntat möte med SWANA-regionen, och låta publiken upptäcka oväntade kopplingar mellan verken. Du kan gå från ett fotografi av en ung kvinna som skrattar i en koranskola till en bild av kroppar samlade i en parisisk förort, eller från ett familjefotografi till en surrealistisk video om rasprofilering, och plötsligt börjar något resonera som inte nödvändigtvis är geografiskt.

Kopplingarna är emotionella innan de är förklarande. Det känns särskilt viktigt i Perth, eftersom det alltid finns en fara, när man tittar på verk från annorstädes, att be det förklara någon annanstans för oss. Vi vill hellre att utställningen komplicerar den positionen. Kanske är frågan inte "Vad kan dessa konstnärer berätta för oss om dessa platser?" utan "Vad låter dessa bilder oss se annorlunda härifrån?"

What's Ours. Libanon. 2013–2023.

Myriam Boulos, Lebanon. What's Ours, 2013–2023. Med tillstånd av konstnären © Myriam Boulos

Myriam Boulos, What's Ours. Libanon. 2013–2023. Med tillstånd av konstnären © Myriam Boulos

Många av konstnärerna i utställningen hämtar från djupt personliga erfarenheter, ändå kan dessa berättelser resonera långt bortom individen. När blir det personliga universellt? Hur kan en konstnärs intima erfarenhet tala till något större, över olika kulturer, geografier och levda verkligheter?

Dalia Al-Dujaili: Jaget formas av samhället precis som samhället formas av och speglar sina individer. Vi är oupplösligt förbundna med varandra, och vi blir alla så småningom det "universella". Men för att vara mer specifik, personlig konst blir universell när den talar i mänskliga termer. Vilket påminner mig om det vackra Kazuo Ishiguro-citatet om litteratur: "I slutändan handlar berättelser om en person som säger till en annan: Det här är hur det känns för mig. KanDu förstå vad jag säger? Känns det så här för dig?" Det är exakt vad varje konstnär gör i No Night, och det är vad jag finner så kraftfullt med verken i denna utställning. Abdulhamid Kircher erbjuder en djupt sårbar inblick i den ömtåliga, högriskfyllda maskulina relationen mellan far och son, medan Myriam Boulos fångar mötespunkten mellan våld och det erotiska—eller romantiska—där queera par omfamnar varandra och kvinnor springer mellan bränder under protester. Sedan har vi Hicham Benohouds Classroom-serie, som visar barn som leker i fåniga, surrealistiska och absurda miljöer. Oavsett deras geografiska plats—vare sig Beirut, Turkiet eller Teheran—är det som kopplar dessa bilder till betraktare de universella mänskliga känslorna inom dem: längtan, lust, humor, våld och sorg. Och dessa universella känslor är exakt vad som ger specifika geopolitiska och sociopolitiska händelser mening för mångfaldiga, stora publiker. Det är vad som resonerar hos oss alla.

What's Ours. Libanon. 2013-2023.
Myriam Boulos, Lebanon. What's Ours, 2013-2023. Med tillstånd av konstnären ©Myriam Boulos©Myriam Boulos

Det finns en sådan extraordinär rikedom av talang i regionen. Med så många konstnärer och praktiker ni kunde ha valt från, vad drog er till just dessa nio? Vad kopplade dem för er, och vad kände ni att de kunde avslöja när de fördes samman?

Dalia Al-Dujaili: Rachel sa något mycket viktigt—att vi var "medvetna om att undvika idén att dessa konstnärer på något sätt skulle kunna representera SWANA. De är inte representanter. De är konstnärer med mycket specifika praktiker och sätt att se."

Du har så rätt i att säga att SWANA-regionen har en sådan rikedom av talang att erbjuda. Rachel och jag hade en mycket kollaborativ kuratorisk process; jag känner att vi bidrog lika mycket till de konstnärliga val vi slutade med. Där Rachel var intresserad av denna relation till press—vilket är så träffande och relevant—personligen landade jag i dessa konstnärer på grund av deras användning av surrealism, absurdism, humor och drömlika scener. Jag hoppas att det känns lite som att gå in i en feberdröm att gå in i denna utställning.

Detta är viktigt för mig eftersom konstnärliga rörelser som surrealism och absurdism mindre ofta tillskrivs konstnärer från SWANA-regionen; de flesta kuratoriska och redaktionella val tenderar att fånga konstnärer från regionen i representationens politik (jag har gjort detta själv som redaktör många gånger). Med denna utställning tillåter surreality och drömmar inte bara landskap och individer i regionen att expandera till alternativa verkligheter och orealiserade möjligheter, utan befriar också dessa konstnärer från den kvävande förväntan att representera regionen på ett specifikt, förutbestämt sätt eller estetik—eller att representera en version av verkligheten i SWANA eller diasporan.

No Night is long enough for us to dream twice visas på AGWA från 3 oktober 2026 till 31 januari 2027, med fri entré.

Vanliga frågor
Här är en lista med vanliga frågor om AGWA-utställningen med nio konstnärer från MENA-regionen



Vad handlar AGWA-utställningen om

Det är en ny konstutställning på Arab Museum of Modern Art som visar verk av nio olika konstnärer. Utställningen fokuserar på samtidskonst från Mellanöstern och Nordafrika



Vad står MENA för

MENA står för Mellanöstern och Nordafrika. Det är en term som används för att beskriva en stor geografisk region som inkluderar länder som Egypten, Marocko, Libanon och Förenade Arabemiraten



Vilka är de nio konstnärerna i utställningen

Utställningen inkluderar en mångfaldig grupp av nio konstnärer från olika länder inom MENA-regionen. De arbetar i olika medier som måleri, skulptur, video och fotografi



Vilken typ av konst kommer jag att se

Du kommer att se en blandning av samtidskonst. Detta inkluderar målningar, stora installationer, videor och fotografier. Konstverken utforskar teman som identitet, historia, kultur och livet i MENA-regionen idag



Var ligger AGWA

AGWA ligger i Doha, Qatar. Det är en del av Qatar Museums nätverk



När kan jag besöka utställningen

Du bör kontrollera AGWA:s officiella webbplats eller sociala medier för exakta datum och öppettider. Museets öppettider kan ändras så det är bäst att bekräfta innan du går



Behöver jag köpa biljetter i förväg

Det är en bra idé att kontrollera museets webbplats för biljettinformation. Vissa utställningar är gratis medan andra kräver en betald biljett. Att köpa online i förväg kan spara dig tid



Är utställningen bra för personer som inte kan mycket om konst

Ja. Utställningen är ett utmärkt sätt att lära sig om en ny kultur och se olika typer av konst. Du behöver inte vara expert för att njuta av den. Många museer erbjuder guider eller ljudturer för att hjälpa till att förklara verken



Vad är samtidskonst

Samtidskonst är konst skapad i nutid. Den svarar ofta på aktuella händelser och idéer. Den kan se mycket annorlunda ut än traditionell eller klassisk konst



Varför är en utställning som denna viktig

Den ger en plattform till konstnärer från MENA-regionen. Den hjälper publik från hela världen att se regionens mångfald och kreativitet, vilket ofta inte representeras i västerländska mainstreammedier



Är konstnärerna kända

Konstnärerna är alla respekterade inom konsten