Während wir weiterhin durch unseren MENA Panorama Open Call zeitgenössische Bildproduktion aus der MENA-Region suchen und feiern, heben wir eine neue Ausstellung in Perth hervor, die neun Künstlerinnen und Künstler aus dem Nahen Osten, Nordafrika und ihren Diasporas zusammenbringt.

Die Ausstellung

Am 3. Oktober eröffnet die Art Gallery of Western Australia (AGWA) No night is long enough for us to dream twice, eine Gruppenausstellung mit mehr als 100 Werken von neun Künstlerinnen und Künstlern, die ihr Perth-Debüt geben: Basel Abbas und Ruanne Abou-Rahme, Hicham Benohoud, Myriam Boulos, Mohamed Bourouissa, Sabiha Çimen, Hannah Darabi, Abdulhamid Kircher und Mohamad Abdouni, der auch in der Jury für den MENA Panorama Open Call 2026 von PhotoVogue sitzt.

Kuratiert von Dalia Al-Dujaili, einer unabhängigen Kuratorin, und Rachel Cieśla, Lead Creative bei der Simon Lee Foundation, entlehnt die Ausstellung ihren Titel einem Gedicht des palästinensischen Dichters Mahmoud Darwish. Sie versammelt Werke, die über vertraute Narrative von Konflikt und Krise hinausblicken. Weil wir diese Art nuancierter, vielschichtiger Repräsentation für den MENA-Diskurs heute als besonders wichtig erachten, haben wir den Kuratorinnen einige Fragen zur Ausstellung, ihrem Ansatz und den gezeigten Künstlerinnen und Künstlern gestellt.

Die Künstlerinnen und Künstler kommen aus sehr unterschiedlichen Kontexten, doch Sie identifizieren eine gemeinsame „Beziehung zum Druck“ zwischen ihren Praktiken. Worauf bezieht sich dieser Druck, und warum wurde er zu einem wichtigen Verbindungspunkt für die Ausstellung?

Rachel Cieśla: Druck ist ein nützliches Wort, weil es etwas benennt, das uns widerfährt, aber auch in uns geschieht. Ich war daran interessiert, wie diese Künstlerinnen und Künstler Bilder von diesem Spannungspunkt aus machen: wenn soziale, politische, emotionale oder historische Kräfte fast zu viel werden und etwas nachgeben muss. Diese Künstlerinnen und Künstler arbeiten an sehr unterschiedlichen Orten und aus sehr unterschiedlichen Positionen, aber ihre Bilder scheinen alle zu verstehen, dass ein „entscheidender Moment“ unter Druck entstehen kann. Etwas baut sich auf, intensiviert sich, und dann gibt es eine ekstatische Entladung. Die Entladung kann Lust, Humor, Gewalt, Absurdität, Schönheit, Begehren sein. Sie kann fünfzehn Sekunden dauern. Sie kann eine Fotografie sein. Und dann ist sie verschwunden.

Das erschien mir besonders wichtig wegen des Zustands der Fotografie heute. Wir neigen dazu, Fotografie als ein Medium zu betrachten, das etwas festhält, das bereits geschehen ist – Barthes’ „das-ist-gewesen“. Aber wir begannen, uns zunehmend für die Möglichkeit einer Fotografie zu interessieren, die eigentlich gar nicht von der Vergangenheit handelt. Was, wenn das Bild ganz nach vorn ausgerichtet ist? Was, wenn es weniger ein Protokoll dessen ist, was war, als eine vorübergehende symbolische Geste in Richtung von etwas, das noch keine soziale Form hat?

Das ist es, was wir über diese Praktiken hinweg geschehen sehen. Die Künstlerinnen und Künstler versuchen nicht unbedingt, uns die Realität zu offenbaren. Sie machen die Realität instabil genug, dass kurz eine andere Möglichkeit erscheinen kann. Mohamad Abdounis Fotografien sind ein gutes Beispiel: Seine Subjekte erheben winzige Ansprüche auf die Welt durch einen Blick, eine Berührung, eine Pose. Da sind Romantik und Melancholie, Verspieltheit und Verzweiflung, alles gleichzeitig. Das Bild löst nichts davon auf. Es gibt ihnen einfach einen Moment, in dem sie existieren können, und ich denke, das ist politisch. Nicht weil die Künstlerinnen und Künstler unbedingt politische Aussagen machen, sondern weil sie Räume schaffen, in denen etwas erscheinen kann, was die umgebenden Bedingungen nicht ohne Weiteres zulassen.

Ein Körper nimmt Raum ein. Jemand begehrt jemand anderen. Jemand weigert sich spielerisch, sich korrekt zu verhalten. So wurde Druck und Entladung zu einer Art, über die Werke nachzudenken, ohne sie auf eine gemeinsame Geografie oder Identität zu reduzieren. Diese Künstlerinnen und Künstler kommen von Orten, die von außergewöhnlichem Druck geprägt sind, sowohl historisch als auch gegenwärtig, aber wir wollten nicht, dass das die Erklärung für ihre Arbeit ist. Stattdessen fühlten wir uns zu den besonderen Energien hingezogen, die aus diesen Bedingungen entstehen – wie ein Bild zu einem kleinen Raum der Freiheit werden kann, ohne so zu tun, als wären die Bedingungen selbst verschwunden.

Vielleicht ist es deshalb, dass der Titel No night is long enough for us to dream twice so wichtig für uns wurde. Er spricht von der Unmöglichkeit, zum selben Traum zurückzukehren oder denselben Moment der Freiheit festzuhalten. Man hat diesen kurzen Ausbruch, und dann fällt er in die Welt zurück. Aber die Tatsache, dass er nicht dauern kann, macht ihn nicht unbedeutend. Ganz im Gegenteil – gerade seine Flüchtigkeit verleiht ihm Dringlichkeit.

Mohamed Bourouissa, Le cercle imaginaire 2007–2008. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers, PALAS, Sydney, und MENNOUR, Paris. © Mohamed Bourouissa

Was bedeutet es, diese Praktiken mit dem Publikum in Perth ins Gespräch zu bringen, und welche Art von Begegnung haben Sie sich von der Ausstellung erhofft?

Rachel Cieśla: Ich denke, Western Australia ist tatsächlich ein sehr wichtiger Ort für diese Ausstellung, gerade weil es kein offensichtlicher Ort dafür ist. WA wird oft als geografisch abgelegen betrachtet, aber dieses Gefühl der Distanz ist auch eine Art Nähe. Perth ist eine Stadt am Indischen Ozean, die ebenso nach Westen und Norden blickt wie nach Osten, und wir sind mit der SWANA-Region durch Geschichten verbunden, die weit älter und komplizierter sind als die Vorstellung von Perth als isolierter australischer Stadt nahelegt. Wir waren nicht daran interessiert, diese Künstlerinnen und Künstler nur nach Perth zu bringen, weil das Publikum hier sie noch nicht gesehen hat. Wir waren daran interessiert, was geschieht, wenn diese Praktiken in einen Ort eintreten, der seine eigenen Formen von Zugehörigkeit und Ausschluss und seine eigene Beziehung zur Region hat.

Sechs der Künstlerinnen und Künstler zeigen ihre Arbeiten zum ersten Mal in Australien, aber die Ausstellung geht es nicht darum, eine geografische Lücke zu füllen oder dem Publikum einen Überblick über die SWANA-Region zu geben. Tatsächlich waren wir sehr darauf bedacht, die Vorstellung zu vermeiden, dass diese Künstlerinnen und Künstler irgendwie für Südwestasien und Nordafrika stehen könnten. Sie sind keine Repräsentanten. Sie sind Künstlerinnen und Künstler mit sehr spezifischen Praktiken und Sichtweisen.

Wir hoffen, dass die Ausstellung eine unerwartete Begegnung mit der SWANA-Region ermöglichen und das Publikum unerwartete Verbindungen zwischen den Werken entdecken kann. Man bewegt sich vielleicht von einer Fotografie einer jungen Frau, die in einer Koranschule lacht, zu einem Bild von Körpern, die sich in einer Pariser Banlieue versammeln, oder von einer Familienfotografie zu einem surrealen Video über Racial Profiling, und plötzlich beginnt etwas zu resonieren, das nicht unbedingt geografisch ist.

Die Verbindungen sind emotional, bevor sie erklärend sind. Das erscheint besonders in Perth wichtig, weil immer die Gefahr besteht, bei der Betrachtung von Arbeiten von anderswo zu verlangen, dass sie uns einen anderen Ort erklären. Uns wäre lieber, die Ausstellung würde diese Position verkomplizieren. Vielleicht ist die Frage nicht: „Was können uns diese Künstlerinnen und Künstler über jene Orte sagen?“, sondern: „Was lassen uns diese Bilder von hier aus anders sehen?“

What's Ours. Libanon. 2013–2023.

Myriam Boulos, Lebanon. What's Ours, 2013–2023. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin © Myriam Boulos

Myriam Boulos, What's Ours. Libanon. 2013–2023. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin © Myriam Boulos

Viele der Künstlerinnen und Künstler in der Ausstellung schöpfen aus zutiefst persönlichen Erfahrungen, doch diese Geschichten können weit über das Individuum hinaus resonieren. Wann wird das Persönliche universell? Wie kann die intime Erfahrung einer Künstlerin oder eines Künstlers zu etwas Größerem sprechen, über verschiedene Kulturen, Geografien und gelebte Realitäten hinweg?

Dalia Al-Dujaili: Das Selbst wird von der Gesellschaft geformt, so wie die Gesellschaft von ihren Individuen geformt wird und diese widerspiegelt. Wir sind unauflöslich miteinander verbunden, und wir alle werden schließlich zum „Universellen“. Aber um konkreter zu sein: Persönliche Kunst wird universell, wenn sie in menschlichen Begriffen spricht. Das erinnert mich an dieses wunderbare Kazuo-Ishiguro-Zitat über Literatur: „Am Ende geht es in Geschichten darum, dass ein Mensch zu einem anderen sagt: So fühlt es sich für mich an. Kannst du verstehen, was ich sage? Fühlt es sich für dich auch so an?“ Genau das tut jede Künstlerin und jeder Künstler in No Night, und das ist es, was ich an den Arbeiten in dieser Ausstellung so kraftvoll finde. Abdulhamid Kircher bietet einen zutiefst verletzlichen Blick auf die fragile, hochriskante männliche Beziehung zwischen Vater und Sohn, während Myriam Boulos den Treffpunkt von Gewalt und Erotik – oder Romantik – einfängt, wo queere Paare sich umarmen und Frauen während Protesten zwischen Feuern rennen. Dann ist da noch Hicham Benohouds Classroom-Serie, die Kinder beim Spielen in albernen, surrealen und absurden Settings zeigt. Unabhängig von ihrem geografischen Ort – ob Beirut, Türkei oder Teheran –, was diese Bilder mit den Betrachtenden verbindet, sind die universellen menschlichen Gefühle in ihnen: Sehnsucht, Lust, Humor, Gewalt und Trauer. Und genau diese universellen Gefühle sind es, die spezifischen geopolitschen und soziopolitischen Ereignissen Bedeutung für vielfältige, große Publika verleihen. Das ist es, was bei uns allen resoniert.

What's Ours. Libanon. 2013-2023.
Myriam Boulos, Lebanon. What's Ours, 2013-2023. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin ©Myriam Boulos©Myriam Boulos

Es gibt einen so außergewöhnlichen Reichtum an Talent in der Region. Bei so vielen Künstlerinnen und Künstlern und Praktiken, aus denen Sie hätten wählen können, was hat Sie zu diesen neun geführt? Was verband sie für Sie, und was, dachten Sie, könnten sie offenbaren, wenn man sie zusammenbringt?

Dalia Al-Dujaili: Rachel hat etwas sehr Wichtiges gesagt – dass wir „darauf bedacht waren, die Vorstellung zu vermeiden, dass diese Künstlerinnen und Künstler irgendwie für SWANA stehen könnten. Sie sind keine Repräsentanten. Sie sind Künstlerinnen und Künstler mit sehr spezifischen Praktiken und Sichtweisen.“

Sie haben völlig recht, wenn Sie sagen, dass die SWANA-Region so einen Reichtum an Talent zu bieten hat. Rachel und ich hatten einen sehr kollaborativen kuratorischen Prozess; ich finde, wir haben gleichermaßen zu den künstlerischen Entscheidungen beigetragen, bei denen wir gelandet sind. Während Rachel an dieser Beziehung zum Druck interessiert war – was so zutreffend und relevant ist –, lag der persönliche Grund, warum ich bei diesen Künstlerinnen und Künstlern gelandet bin, in ihrem Gebrauch von Surrealismus, Absurdismus, Humor und traumartigen Szenen. Ich hoffe, dass das Betreten dieser Ausstellung sich ein wenig wie das Hineingehen in einen Fiebertraum anfühlt.

Das ist mir wichtig, weil künstlerische Bewegungen wie Surrealismus und Absurdismus seltener Künstlerinnen und Künstlern aus der SWANA-Region zugeschrieben werden; die meisten kuratorischen und redaktionellen Entscheidungen neigen dazu, Künstlerinnen und Künstler aus der Region in einer Politik der Repräsentation gefangen zu halten (ich habe das selbst als Redakteurin viele Male getan). Mit dieser Ausstellung ermöglichen Surrealität und Träume nicht nur, dass Landschaften und Individuen in der Region sich in alternative Realitäten und unverwirklichte Möglichkeiten hinein erweitern, sondern befreien diese Künstlerinnen und Künstler auch von der erdrückenden Erwartung, die Region in einer bestimmten, vorherbestimmten Weise oder Ästhetik zu repräsentieren – oder eine Version der Realität in SWANA oder der Diaspora zu repräsentieren.

No Night is long enough for us to dream twice läuft bei AGWA vom 3. Oktober 2026 bis zum 31. Januar 2027, mit freiem Eintritt.

Häufig gestellte Fragen
Hier ist eine Liste von FAQs zur AGWA-Ausstellung mit neun Künstlerinnen und Künstlern aus der MENA-Region



Worum geht es in der AGWA-Ausstellung

Es ist eine neue Kunstausstellung im Arab Museum of Modern Art, die Arbeiten von neun verschiedenen Künstlerinnen und Künstlern zeigt. Die Ausstellung konzentriert sich auf zeitgenössische Kunst aus der Region Naher Osten und Nordafrika



Wofür steht MENA

MENA steht für Middle East and North Africa. Es ist ein Begriff, der eine große geografische Region beschreibt, die Länder wie Ägypten, Marokko, Libanon und die Vereinigten Arabischen Emirate umfasst



Wer sind die neun Künstlerinnen und Künstler in der Ausstellung

Die Ausstellung umfasst eine vielfältige Gruppe von neun Künstlerinnen und Künstlern aus verschiedenen Ländern innerhalb der MENA-Region. Sie arbeiten in verschiedenen Medien wie Malerei, Skulptur, Video und Fotografie



Welche Art von Kunst werde ich sehen

Sie werden eine Mischung zeitgenössischer Kunst sehen. Dazu gehören Gemälde, große Installationen, Videos und Fotografien. Die Kunstwerke erkunden Themen wie Identität, Geschichte, Kultur und Leben in der MENA-Region heute



Wo befindet sich AGWA

AGWA befindet sich in Doha, Katar. Es ist Teil des Qatar Museums network



Wann kann ich die Ausstellung besuchen

Sie sollten die offizielle AGWA-Website oder Social-Media-Seiten für die genauen Daten und Öffnungszeiten prüfen. Museumszeiten können sich ändern, daher ist es am besten, sich vor Ihrem Besuch zu vergewissern



Muss ich im Voraus Tickets kaufen

Es ist eine gute Idee, die Website des Museums für Ticketinformationen zu prüfen. Einige Ausstellungen sind kostenlos, während andere ein bezahltes Ticket erfordern. Online im Voraus zu kaufen kann Ihnen Zeit sparen



Ist die Ausstellung gut für Menschen, die nicht viel über Kunst wissen

Ja. Die Ausstellung ist eine großartige Möglichkeit, eine neue Kultur kennenzulernen und verschiedene Arten von Kunst zu sehen. Sie müssen kein Experte sein, um sie zu genießen. Viele Museen bieten Führungen oder Audio-Touren an, die helfen, die Werke zu erklären



Was ist zeitgenössische Kunst

Zeitgenössische Kunst ist Kunst, die in der Gegenwart geschaffen wird. Sie reagiert oft auf aktuelle Ereignisse und Ideen. Sie kann sehr anders aussehen als traditionelle oder klassische Kunst



Warum ist eine Ausstellung wie diese wichtig

Sie gibt Künstlerinnen und Künstlern aus der MENA-Region eine Plattform. Sie hilft Publika aus aller Welt, die Vielfalt und Kreativität der Region zu sehen, die in den westlichen Mainstream-Medien oft nicht repräsentiert wird



Sind die Künstlerinnen und Künstler berühmt

Die Künstlerinnen und Künstler sind alle respektiert in der Kunst