Mentre continuiamo a cercare e celebrare la creazione di immagini contemporanee dalla regione MENA attraverso la nostra Open Call MENA Panorama, mettiamo in evidenza una nuova mostra a Perth che riunisce nove artisti del Medio Oriente, del Nord Africa e delle loro diaspore.

La mostra

Il 3 ottobre, la Art Gallery of Western Australia (AGWA) inaugurerà No night is long enough for us to dream twice, una mostra collettiva che presenta più di 100 opere di nove artisti al loro debutto a Perth: Basel Abbas e Ruanne Abou-Rahme, Hicham Benohoud, Myriam Boulos, Mohamed Bourouissa, Sabiha Çimen, Hannah Darabi, Abdulhamid Kircher e Mohamad Abdouni, che fa anche parte della giuria della Open Call MENA Panorama 2026 di PhotoVogue.

Curata da Dalia Al-Dujaili, curatrice indipendente, e Rachel Cieśla, Lead Creative presso la Simon Lee Foundation, la mostra prende il titolo da una poesia della poetessa palestinese Mahmoud Darwish. Riunisce opere che guardano oltre le narrazioni familiari di conflitto e crisi. Poiché consideriamo questo tipo di rappresentazione sfumata e multiforme particolarmente importante per il discorso MENA oggi, abbiamo posto ai curatori alcune domande sulla mostra, sul suo approccio e sugli artisti che presenta.

Gli artisti provengono da contesti molto diversi, ma voi individuate una "relazione alla pressione" condivisa tra le loro pratiche. A cosa si riferisce questa pressione, e perché è diventata un importante punto di connessione per la mostra?

Rachel Cieśla: Pressione è una parola utile perché nomina qualcosa che accade a noi ma anche dentro di noi. Ero interessata a come questi artisti creano immagini da quel punto di tensione: quando forze sociali, politiche, emotive o storiche diventano quasi troppo, e qualcosa deve cedere. Questi artisti lavorano in luoghi molto diversi e da posizioni molto diverse, ma le loro immagini sembrano tutte comprendere che un "momento decisivo" può accadere sotto pressione. Qualcosa si accumula, si intensifica, e poi c'è un rilascio estatico. Il rilascio può essere piacere, umorismo, violenza, assurdità, bellezza, desiderio. Può durare quindici secondi. Può essere una fotografia. E poi è sparito.

Questo mi è sembrato particolarmente importante a causa della condizione della fotografia oggi. Tendiamo a pensare alla fotografia come a un medium che cattura qualcosa che è già accaduto — il "that-has-been" di Barthes. Ma siamo diventati sempre più interessati alla possibilità di una fotografia che non riguarda affatto il passato. E se l'immagine fosse orientata interamente in avanti? E se fosse meno un documento di ciò che è stato e più un gesto simbolico temporaneo verso qualcosa che non ha ancora una forma sociale?

Questo è ciò che vediamo accadere in queste pratiche. Gli artisti non stanno necessariamente cercando di rivelarci la realtà. Stanno rendendo la realtà abbastanza instabile perché un'altra possibilità possa apparire brevemente. Le fotografie di Mohamad Abdouni sono un buon esempio: i suoi soggetti avanzano piccole rivendicazioni sul mondo attraverso uno sguardo, un tocco, una posa. Ci sono romanticismo e malinconia, giocosità e disperazione, tutto accade contemporaneamente. L'immagine non risolve nessuna di queste cose. Dà semplicemente loro un momento in cui esistere, e penso che questo sia politico. Non perché gli artisti stiano necessariamente facendo dichiarazioni politiche, ma perché creano spazi in cui può apparire qualcosa che le condizioni circostanti non permettono facilmente.

Un corpo occupa spazio. Qualcuno desidera qualcun altro. Qualcuno rifiuta giocosamente di comportarsi correttamente. Così pressione e rilascio sono diventati un modo di pensare alle opere senza ridurle a una geografia o identità condivisa. Questi artisti provengono da luoghi segnati da... Hanno affrontato pressioni straordinarie, sia storiche che attuali, ma non volevamo che questa fosse la spiegazione del loro lavoro. Invece, siamo stati attratti dalle particolari energie che sorgono da quelle condizioni — come un'immagine possa diventare un piccolo spazio di libertà senza pretendere che le condizioni stesse siano scomparse.

Forse è per questo che il titolo No night is long enough for us to dream twice è diventato così importante per noi. Parla dell'impossibilità di tornare allo stesso sogno, o di trattenere lo stesso momento di libertà. Hai questa breve eruzione, e poi ricade nel mondo. Ma il fatto che non possa durare non lo rende insignificante. Al contrario — la sua stessa fugacità è ciò che gli dà urgenza.

Mohamed Bourouissa, Le cercle imaginaire 2007–2008. Per gentile concessione dell'artista, PALAS, Sydney, e MENNOUR, Parigi. © Mohamed Bourouissa

Cosa significa portare queste pratiche in conversazione con il pubblico di Perth, e che tipo di incontro speravate che la mostra creasse?

Rachel Cieśla: Penso che l'Australia Occidentale sia in realtà un luogo molto importante per ospitare questa mostra, proprio perché non è un luogo ovvio per essa. L'Australia Occidentale è spesso considerata geograficamente remota, ma quel senso di distanza è anche una sorta di prossimità. Perth è una città sull'Oceano Indiano, che guarda a ovest e a nord tanto quanto a est, e siamo connessi alla regione SWANA attraverso storie molto più antiche e complicate di quanto suggerisca l'idea di Perth come città australiana isolata. Non eravamo interessati a portare questi artisti a Perth solo perché il pubblico qui non li ha mai visti prima. Eravamo interessati a ciò che accade quando queste pratiche entrano in un luogo con le proprie forme di appartenenza ed esclusione, e il proprio rapporto con la regione.

Sei degli artisti espongono in Australia per la prima volta, ma la mostra non riguarda il colmare un vuoto geografico o il dare al pubblico una panoramica della regione SWANA. In effetti, siamo stati molto attenti a evitare l'idea che questi artisti potessero in qualche modo rappresentare l'Asia Sudoccidentale e il Nord Africa. Non sono rappresentanti. Sono artisti con pratiche molto specifiche e modi di vedere.

Speriamo che la mostra possa creare un incontro inaspettato con la regione SWANA, e permettere al pubblico di scoprire connessioni inaspettate tra le opere. Potresti passare da una fotografia di una giovane donna che ride in una scuola coranica a un'immagine di corpi riuniti in una banlieue parigina, o da una fotografia di famiglia a un video surreale sul profiling razziale, e improvvisamente qualcosa inizia a risuonare che non è necessariamente geografico.

Le connessioni sono emotive prima che esplicative. Questo sembra particolarmente importante a Perth, perché c'è sempre il pericolo, quando si guarda un lavoro che viene da altrove, di chiedergli di spiegarci un altro luogo. Preferiremmo che la mostra complicasse quella posizione. Forse la domanda non è: "Cosa possono dirci questi artisti di quei luoghi?" ma: "Cosa ci permettono di vedere diversamente da qui queste immagini?"

What's Ours. Libano. 2013–2023.

Myriam Boulos, Lebanon. What's Ours, 2013–2023. Per gentile concessione dell'artista © Myriam Boulos

Myriam Boulos, What's Ours. Libano. 2013–2023. Per gentile concessione dell'artista © Myriam Boulos

Molti degli artisti in mostra attingono a esperienze profondamente personali, eppure queste storie possono risuonare ben oltre l'individuo. Quando il personale diventa universale? Come può l'esperienza intima di un artista parlare a qualcosa di più grande, attraverso culture, geografie e realtà vissute diverse?

Dalia Al-Dujaili: Il sé è plasmato dalla società così come la società è plasmata e riflette i suoi individui. Siamo inestricabilmente connessi gli uni agli altri, e tutti alla fine diventiamo l'"universale". Ma per essere più specifici, l'arte personale diventa universale quando parla in termini umani. Il che mi ricorda quella bellissima citazione di Kazuo Ishiguro sulla letteratura: "Alla fine, le storie riguardano una persona che dice a un'altra: Questo è il modo in cui mi sento. Riesci a capire quello che sto dicendo? Anche a te sembra così?" Questo è esattamente ciò che fa ogni artista in No Night, ed è ciò che trovo così potente nel lavoro di questa mostra. Abdulhamid Kircher offre uno sguardo profondamente vulnerabile sulla fragile relazione maschile ad alto rischio tra padre e figlio, mentre Myriam Boulos cattura il punto d'incontro tra violenza ed erotico — o romantico — dove le coppie queer si abbracciano e le donne corrono tra i fuochi durante le proteste. Poi c'è la serie Classroom di Hicham Benohoud, che mostra bambini che giocano in ambienti sciocchi, surreali e assurdi. Indipendentemente dalla loro posizione geografica — che sia Beirut, la Turchia o Teheran — ciò che collega queste immagini agli spettatori sono i sentimenti umani universali al loro interno: desiderio, lussuria, umorismo, violenza e dolore. E quei sentimenti universali sono esattamente ciò che dà significato a eventi geo-politici e socio-politici specifici per pubblici diversi e vasti. Questo è ciò che risuona in tutti noi.

What's Ours. Libano. 2013-2023.
Myriam Boulos, Lebanon. What's Ours, 2013-2023. Per gentile concessione dell'artista ©Myriam Boulos©Myriam Boulos

C'è una tale straordinaria ricchezza di talento in tutta la regione. Con così tanti artisti e pratiche tra cui scegliere, cosa vi ha attratto di questi nove in particolare? Cosa li collegava per voi, e cosa sentivate che potessero rivelare quando riuniti insieme?

Dalia Al-Dujaili: Rachel ha detto qualcosa di molto importante — che eravamo "consapevoli di evitare l'idea che questi artisti potessero in qualche modo rappresentare la SWANA. Non sono rappresentanti. Sono artisti con pratiche molto specifiche e modi di vedere."

Hai perfettamente ragione nel dire che la regione SWANA ha una tale ricchezza di talento da offrire. Rachel e io abbiamo avuto un processo curatoriale molto collaborativo; sento che abbiamo contribuito equamente alle scelte artistiche a cui siamo arrivati. Mentre Rachel era interessata a questa relazione con la pressione — che è così accurata e pertinente — personalmente, il motivo per cui sono arrivata a questi artisti è il loro uso del surrealismo, dell'assurdismo, dell'umorismo e di scene oniriche. Spero che entrare in questa mostra sembri in qualche modo come entrare in un sogno febbrile.

Questo è importante per me perché movimenti artistici come il surrealismo e l'assurdismo sono meno spesso attribuiti ad artisti della regione SWANA; la maggior parte delle scelte curatoriali ed editoriali tende a intrappolare gli artisti della regione nelle politiche della rappresentazione (l'ho fatto io stessa come editrice molte volte). Con questa mostra, la surrealtà e i sogni non solo permettono a paesaggi e individui della regione di espandersi in realtà alternative e possibilità non realizzate, ma liberano anche questi artisti dalla soffocante aspettativa di rappresentare la regione in una specifica, predeterminata maniera o estetica — o di rappresentare una versione della realtà nella SWANA o nella diaspora.

No Night is long enough for us to dream twice è in programma all'AGWA dal 3 ottobre 2026 al 31 gennaio 2027, con ingresso gratuito.

Domande frequenti
Ecco una lista di FAQ sulla mostra dell'AGWA che presenta nove artisti della regione MENA



Di cosa tratta la mostra dell'AGWA

È una nuova mostra d'arte all'Arab Museum of Modern Art che presenta opere di nove artisti diversi. La mostra si concentra sull'arte contemporanea della regione del Medio Oriente e del Nord Africa



Cosa significa MENA

MENA sta per Medio Oriente e Nord Africa. È un termine usato per descrivere una vasta regione geografica che include paesi come Egitto, Marocco, Libano ed Emirati Arabi Uniti



Chi sono i nove artisti in mostra

La mostra include un gruppo diversificato di nove artisti provenienti da diversi paesi della regione MENA. Lavorano in vari medium come pittura, scultura, video e fotografia



Che tipo di arte vedrò

Vedrai un mix di arte contemporanea. Questo include dipinti, grandi installazioni, video e fotografie. Le opere esplorano temi come identità, storia, cultura e vita nella regione MENA oggi



Dove si trova l'AGWA

L'AGWA si trova a Doha, Qatar. Fa parte della rete Qatar Museums



Quando posso visitare la mostra

Dovresti controllare il sito web ufficiale dell'AGWA o le pagine dei social media per le date esatte e gli orari di apertura. Gli orari del museo possono cambiare, quindi è meglio confermare prima di andare



Devo comprare i biglietti in anticipo

È una buona idea controllare il sito web del museo per informazioni sui biglietti. Alcune mostre sono gratuite mentre altre richiedono un biglietto a pagamento. Comprare online in anticipo può farti risparmiare tempo



La mostra è adatta a persone che non sanno molto di arte

Sì. La mostra è un ottimo modo per conoscere una nuova cultura e vedere diversi tipi di arte. Non devi essere un esperto per godertela. Molti musei offrono guide o audioguide per aiutare a spiegare le opere



Cos'è l'arte contemporanea

L'arte contemporanea è l'arte creata nel presente. Spesso risponde a eventi e idee attuali. Può apparire molto diversa dall'arte tradizionale o classica



Perché una mostra come questa è importante

Dà una piattaforma agli artisti della regione MENA. Aiuta il pubblico di tutto il mondo a vedere la diversità e la creatività della regione, che spesso non è rappresentata nei media occidentali mainstream



Gli artisti sono famosi

Gli artisti sono tutti rispettati nell'arte