Die Künstlerin Lily Stockman findet Inspiration in Geistergeschichten, mittelalterlichen Handschriften und Blumengärten. (Anmerkung: Ich habe die ursprüngliche Bedeutung beibehalten, während ich den Satz natürlicher und flüssiger gestaltet habe. Die überarbeitete Version entfernt

Hier ist eine überarbeitete Version Ihres Textes in fließendem, natürlichem Deutsch, wobei die ursprüngliche Bedeutung erhalten bleibt:

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Tief im Herzen des Morgan Library & Museum in Manhattan liegt The Black Hours, ein seltenes illuminiertes Manuskript aus dem 15. Jahrhundert. Wie viele Gebetbücher aus dem Mittelalter leitete es christliche Haushalte durch ihre täglichen Andachten. Doch was The Black Hours einzigartig macht – seine mit Ruß geschwärzten Pergamentseiten, die die silbernen und goldenen Lettern sowie die kunstvollen religiösen Illustrationen zum Leuchten bringen – macht es auch unglaublich fragil.

„Es ist wie eine Geistergeschichte“, sagt die Künstlerin Lily Stockman, deren eigene abstrakte Gemälde eine strahlende Qualität ausstrahlen. Sie hat The Black Hours nie persönlich gesehen (nur wenige haben das – es wurde zuletzt 1997 ausgestellt), aber vor Jahren hörte sie von diesem 500 Jahre alten Buch, das heute sorgfältig in einer säurefreien Box aufbewahrt wird. „Das hat etwas Romantisches“, sinniert sie.

Stockman, die stets die Vielseitige ist, begann, andere mittelalterliche Stundenbücher in ihrem sonnenbeschienenen Studio in Glassell Park zu studieren, einem Viertel im Nordosten von Los Angeles, das sie mit ihrem Ehemann und ihren drei kleinen Kindern teilt. Dabei bemerkte sie eine Verbindung zwischen diesen alten Manuskripten und ihrer eigenen Arbeit.

„Ich liebe die Komposition der Seiten – die üppigen dekorativen Ränder, die eine gemalte Szene im Inneren einrahmen“, sagt die 43-jährige Stockman. „Meine Gemälde funktionieren genauso: Der Rand dient als Behälter für die lebendigen, schwebenden Formen darin.“ Sie fühlte sich auch davon angezogen, wie diese Bücher Momente der stillen Reflexion über den Tag verteilt schufen.

Diese Erkundung inspirierte ihre neueste Serie, Book of Hours, die im September in Charles Moffetts neuer Galerie in Tribeca debütieren wird. Die zwölf Ölgemälde teilen Merkmale mit ihren früheren Werken – lebendige Ränder, die vereinfachte, von der Natur inspirierte Formen umrahmen, die an Samen, Dahlien und Wiesen erinnern. Diese Formen gehen zurück auf ihre Kindheit auf einer Heufarm in New Jersey, wo sie als Älteste von vier Schwestern aufwuchs und die Liebe zum Gärtnern von ihrer Mutter erbte. Die neue Serie setzt dieses Thema fort, mit Anklängen an Rhabarber, sich kräuselnde Teiche und die Küste von Maine.

Doch Stockman hat sich eine neue Herausforderung gestellt: die Spuren ihres Prozesses sichtbar zu lassen. „Ich möchte, dass die Arbeit, die Entscheidungen, sogar die Fehler zu sehen sind“, sagt sie. Weniger poliert, mehr wie das Leben selbst. In Ipswich, einem ihrer größten neuen Werke mit einer Höhe von sieben Fuß, zeigt der pulsierende rote, rosa und weiße Rand grobe Pinselstriche. „Vor ein paar Jahren hätte ich das vielleicht alles weggearbeitet“, gibt sie zu.

Obwohl ihre Gemälde geometrisch angelegt sind, strahlen sie eine handgemachte Wärme aus, die man am besten persönlich erleben kann. „Wenn man vor ihnen steht, kann man das leichte Wackeln der Linien nicht übersehen – wie bei einer Agnes Martin“, sagt Charlie Moffett, der Stockman ihre erste Einzelausgabe gab, als er seine Galerie 2018 eröffnete. Seit sie sich vor über einem Jahrzehnt durch gemeinsame Freunde kennenlernten, ist er ein hingebungsvoller Unterstützer. „Ich erinnere mich, dass ich sie anrief, als ich noch bei Sotheby’s war, und sagte, ich würde die Galerie nicht eröffnen, wenn sie nicht zustimmte, meine erste Ausstellung zu sein.“

Seitdem wurden Stockmans Werke in Einzel- und Gruppenausstellungen weltweit gezeigt, von Gagosian in Athen bis zu Le Corbusiers Maison La Roche in Paris. „Sie hätte es sich bequem machen können – ihre Arbeiten verkauften sich“, bemerkt Moffett. „Aber sie hat sich selbst herausgefordert, mit neuen Farbpaletten und Formen experimentiert. Das ist nicht einfach für eine erfolgreiche junge Künstlerin.“

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2024. Ed Mumford. Mit freundlicher Genehmigung von Charles Moffett.

Schon früh fühlte sich Lily Stockman von Natur und Kunst gleichermaßen angezogen. „In der Grundschule kritzelte ich Pferde auf meine Einmaleins-Tabellen, und in der High School gab es Ärger, weil ich mit dem Rasenmäher Zeichnungen ins Gras schnitt“, erinnert sie sich. Während ihres Studiums der Kunst in Harvard fand sie Inspiration bei Museumsbesuchen im Fogg Museum. „Die Kuratoren holten Renaissance-Altarbilder hervor, die wir bisher nur auf Dias gesehen hatten“, sagt sie. Obwohl ihr Stil zeitgenössisch ist, ist er reich an Anklängen an historische Kunst.

Ihre Arbeit trägt auch zutiefst persönliche Untertöne – selbst wenn die ganze Geschichte ihr nicht sofort klar ist. Nehmen Sie Ipswich, ein Gemälde mit welligen Ringen aus Blau und Indigo in einem roten Rahmen. Stockman erinnert sich an einen Professor, der in einem Cape-Cod-Haus in der Nähe der Bostoner Sümpfe lebte. „Wir hatten lange Abendessen dort, beobachteten, wie die Flut kam und das Sumpfgras überschwemmte, dann wieder zurückging und samtige Kuhlocken im Schlamm hinterließ“, sagt sie. Später stieß sie auf alte Schwarz-Weiß-Fotos von geschnittenem und gestapeltem Gras für das Vieh – „wie New Englands Antwort auf Monets Heuhaufen.“ Erst dann verband sie das Gemälde mit ihrer Kindheit auf der Heufarm. „Diese Formen entstehen oft aus etwas, das in meinem Unterbewusstsein vergraben ist. Erst wenn sie auf der Leinwand Gestalt annehmen, verstehe ich sie.“

Doch nicht nur die Formen machen Stockmans Gemälde so beeindruckend – es sind die Farben, lebendig und harmonisch in einer Weise, die sowohl begeisternd als auch beruhigend wirkt. „Sie ist eine außergewöhnliche Koloristin“, sagt die Kuratorin Helen Molesworth, die Stockman in einer kommenden Ausstellung bei David Zwirner über eine neue Generation kalifornischer Licht- und Raumkünstler zeigen wird. Vor ihrem Aufbaustudium an der NYU verbrachte Stockman ein Jahr in Jaipur, wo sie Mogul-Miniaturmalerei studierte – eine Erfahrung, die ihre Ehrfurcht vor Farbe vertiefte, von den Rohmaterialien wie zu Ultramarin gemahlenem Lapislazuli bis zur Kraft bestimmter Kombinationen.

Lily Stockman, Love Letter, 2024. Ed Mumford. Mit freundlicher Genehmigung von Charles Moffett.

Von all ihren Leidenschaften ist das Gärtnern vielleicht die prägendste – und die beste Metapher für ihre Arbeit. „Es ist meine Muttersprache, um die Zeit zu markieren“, sagt sie. Als wir im Frühsommer sprachen, bemerkte sie die wechselnden Farben und Düfte in ihrem Garten: die verblühenden Iris, die neu erblühten Rosen. Ihre Mutter führte sie durch Blumen in die Farbenlehre ein und nahm sie als Kind in einen der wenigen von Gertrude Jekyll gestalteten Gärten der USA mit. Jekyll behandelte Pflanzen wie Farbe, indem sie sanfte Blau- und Lavendeltöne am Gartenrand anordnete, um die Grenze zwischen Land und Himmel aufzulösen.

Doch Gärten sind wie das Leben fragil. „Ein Rosenblatt kann wunderschön sein, aber es kann auch beschädigt werden“, bemerkt Molesworth. „Stockman setzt sich mit dieser Dualität auseinander – in der Kunst ebenso wie im Leben.“ Deshalb wirkt ihre Hinwendung zur Unvollkommenheit in ihren neuen Arbeiten so belebend. Das Wackeln einer Linie, der Makel auf einem Blütenblatt, die abblätternde Kante einer Buchseite – das sind die Spuren von etwas Lebendigem, das durch Gebrauch strahlt.