Aqui está a versão reescrita do seu texto em português fluente e natural, preservando o significado original:

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No coração do Morgan Library & Museum, em Manhattan, está O Livro das Horas Negro, um raro manuscrito iluminado do século XV. Como muitos livros de orações da Idade Média, ele guiava famílias cristãs em suas devoções diárias. Mas o que diferencia O Livro das Horas Negro—suas páginas de pergaminho escurecidas com carbono, que fazem as letras em prata e ouro e as intricadas ilustrações religiosas brilharem—também o torna incrivelmente frágil.

"É como uma história de fantasmas", diz a artista Lily Stockman, cujas pinturas abstratas irradiam uma qualidade luminosa. Ela nunca viu O Livro das Horas Negro pessoalmente (poucos viram—ele foi exibido pela última vez em 1997), mas anos atrás, ouviu falar desse livro de 500 anos, agora cuidadosamente preservado em uma caixa livre de ácido. "Há algo romântico nisso", ela reflete.

Stockman, sempre polímata, começou a estudar outros livros de horas medievais em seu estúdio ensolarado em Glassell Park, o bairro no nordeste de Los Angeles onde vive com o marido e três filhos pequenos. Ela percebeu uma conexão entre esses manuscritos antigos e seu próprio trabalho.

"Adoro a composição das páginas—as bordas decorativas luxuriantes emoldurando uma cena pintada no interior", diz Stockman, de 43 anos. "Minhas pinturas funcionam da mesma forma: a borda age como um recipiente para as formas vivas e flutuantes dentro dela." Ela também se sentiu atraída pela forma como esses livros reservavam momentos para reflexão silenciosa ao longo do dia.

Essa exploração inspirou sua nova série, Livro das Horas, que estreará em setembro na nova galeria de Charles Moffett em Tribeca. As doze pinturas a óleo compartilham características com seu trabalho anterior—bordas vibrantes emoldurando formas simplificadas inspiradas na natureza, que remetem a sementes, dálias e prados. Essas formas remontam à sua infância em uma fazenda de feno em Nova Jersey, onde cresceu como a mais velha de quatro irmãs e herdou o amor da mãe pela jardinagem. A nova série continua esse tema, com referências ao ruibarbo, lagoas ondulantes e a costa do Maine.

Mas Stockman se impôs um novo desafio: deixar visíveis as marcas de seu processo. "Quero que o trabalho, as decisões, até os erros apareçam", ela diz. Menos polido, mais como a vida em si. Em Ipswich, uma de suas maiores obras novas, com sete pés de altura, a borda pulsante em vermelho, rosa e branco revela pinceladas brutas. "Alguns anos atrás, eu teria suavizado tudo isso", ela admite.

Embora suas pinturas tenham um viés geométrico, elas carregam um calor artesanal melhor apreciado pessoalmente. "Diante delas, você não pode ignorar a leve oscilação das linhas—como em uma obra de Agnes Martin", diz Charlie Moffett, que deu a Stockman sua primeira exposição individual quando abriu sua galeria em 2018. Ele tem sido um apoiador dedicado desde que se conheceram através de amigos há mais de uma década. "Lembro de ligar para ela quando ainda estava na Sotheby’s, dizendo que não abriria a galeria a menos que ela concordasse em ser minha primeira exposição."

Desde então, o trabalho de Stockman apareceu em exposições individuais e coletivas ao redor do mundo, da Gagosian em Atenas à Maison La Roche de Le Corbusier em Paris. "Ela poderia ter ficado na zona de conforto—seu trabalho estava vendendo", observa Moffett. "Mas ela se desafiou, experimentando novas paletas e formas. Isso não é fácil para uma jovem artista bem-sucedida."

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2024. Ed Mumford. Cortesia de Charles Moffett.

Desde cedo, Lily Stockman foi cativada pela natureza e pela arte. "No ensino fundamental, rabiscava cavalos em todas as minhas tabuadas, e no ensino médio, fiquei de castigo por desenhar no gramado com o cortador de grama", ela lembra. Durante sua graduação em Harvard, onde estudou arte, encontrou inspiração em visitas ao Fogg Museum. "Os curadores mostravam retábulos renascentistas que só tínhamos visto em slides", ela diz. Embora seu estilo seja contemporâneo, é rico em ecos da arte histórica.

Seu trabalho também carrega correntes profundamente pessoais—mesmo quando a história completa não é imediatamente clara para ela. Veja Ipswich, uma pintura com anéis ondulantes de azul e índigo dentro de uma borda vermelha. Stockman lembra de um professor que vivia em uma casa estilo Cape Cod perto dos pântanos de Boston. "Tínhamos longos jantares lá, observando a maré subir e cobrir a grama do pântano, depois recuar, deixando para trás mechas aveludadas na lama", ela diz. Mais tarde, ela encontrou fotos antigas em preto e branco de grama sendo cortada e empilhada para o gado—"como a resposta da Nova Inglaterra aos montes de feno de Monet." Só então ela conectou a pintura à sua infância na fazenda de feno. "Essas formas muitas vezes surgem de algo enterrado no meu subconsciente. Só quando tomam forma na tela que eu as entendo."

Mas não são apenas as formas que tornam as pinturas de Stockman tão impressionantes—é a cor, vibrante e harmoniosa de uma forma que é ao mesmo tempo estimulante e calmante. "Ela é uma colorista extraordinária", diz a curadora Helen Molesworth, que incluirá Stockman em uma próxima exposição da David Zwirner sobre uma nova geração de artistas californianos da luz e do espaço. Antes da pós-graduação na NYU, Stockman passou um ano em Jaipur estudando pintura em miniatura Mughal, uma experiência que aprofundou sua reverência pela cor—desde os materiais brutos, como lápis-lazúli moído em ultramarino, até o poder de certas combinações.

Lily Stockman, Carta de Amor, 2024. Ed Mumford. Cortesia de Charles Moffett.

De todas as suas paixões, a jardinagem pode ser a mais formativa—e a melhor metáfora para seu trabalho. "É minha linguagem nativa para marcar o tempo", ela diz. Quando conversamos no início do verão, ela observou as mudanças de cores e aromas em seu jardim: as íris murchando, as rosas recém-desabrochadas. Sua mãe a apresentou à teoria das cores através das flores, levando-a quando criança a um dos poucos jardins nos EUA projetados por Gertrude Jekyll. Jekyll tratava as plantas como tinta, dispondo azuis suaves e lavandas na borda do jardim para dissolver o limite entre terra e céu.

Ainda assim, jardins, como a vida, são frágeis. "Uma pétala de rosa pode ser esquisita, mas também pode machucar", observa Molesworth. "Stockman lida com essa dualidade—tanto na arte quanto na vida." É por isso que sua aceitação da imperfeição em seu novo trabalho parece tão estimulante. A oscilação de uma linha, a mancha em uma pétala, a borda descascada de uma página de livro—essas são as marcas de algo vivo, algo que brilha com o uso.

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