**Deutsche Übersetzung:**

Eagle Eye ist hier, um die Lücken zu erkunden – zwischen dem, wie wir uns kleiden, und dem, wie wir leben; zwischen den Räumen, die dich anziehen, und dem Mantel, nach dem du immer wieder greifst. Jeden Monat wird die in London ansässige Designerin und Kreativdirektorin Alex Eagle ihr Netzwerk aus Freunden und Expert:innen einladen, um das „Warum" hinter einem bestimmten Thema zu ergründen – warum wir uns zu bestimmten Dingen hingezogen fühlen und wie sich diese Instinkte über Jahre hinweg leise formen, ohne dass wir es überhaupt bemerken. Es ist eine Kolumne, die im Interior Design verwurzelt ist, mit vielen Verzweigungen (und natürlich auch einer kuratierten Auswahl an käuflichen Produkten).

Für mich war Stil nie nur eine Frage der Kleidung. Er wird von allem anderen geprägt: von den Ausstellungen, zu denen wir immer wieder zurückkehren, den Büchern, die aufgeschlagen auf einem Tisch liegen, den Gegenständen, mit denen wir zusammenleben. Eine perfekt geschnittene Jacke kann genauso durchdacht wirken wie eine Skulptur. Ein gut kuratierter Raum kann dieselbe Klarheit haben wie eine Garderobe, die tatsächlich funktioniert. Wenn man erst einmal anfängt, diese Verbindungen zu sehen, kann man nicht mehr aufhören … was, je nachdem, wen man fragt, entweder ein Geschenk oder eine leichte Besessenheit ist. Diese Kolumne ist ein Ort für mich, um diese Referenzen zu sammeln. Nicht auf akademische Weise – eher so, wie man beim Abendessen über sie sprechen würde: ein bisschen besessen, mit jemandem, der es versteht.

Ich habe mich für den Modernismus als Ausgangspunkt entschieden, weil er sich für mich immer weniger wie eine Bewegung und mehr wie ein Fundament angefühlt hat, das unsere Sicht auf die Kultur neu geformt hat. Er fühlt sich gerade jetzt besonders relevant an: Wir leben in einer Welt, die sich ständig bewegt – laut und überwältigend. Der Modernismus setzt dem etwas entgegen. Im Kern geht es ums Reduzieren und Wegnehmen, bis das, was übrig bleibt, unvermeidlich wirkt – nicht kahl, nicht kalt, sondern einfach richtig. Die Prinzipien des Modernismus – Ehrlichkeit im Material, Integrität in der Konstruktion, eine stille Konzentration auf Langlebigkeit – wirken heute fast radikal, in einer Welt des immer mehr, mehr, mehr und dann noch ein bisschen mehr obendrauf.

Es hilft, dass die ursprünglichen Modernisten wirklich, objektiv schick waren: Le Corbusier mit seiner sauberen, disziplinierten Lebensweise; Eileen Gray, die ihr eigenes Haus entwarf und es mit Stücken füllte, die sie selbst angefertigt hatte; Charlotte Perriand in ihrer Wohnung, umgeben von ihren eigenen Möbeln; Barbara Hepworth in ihrem Studio in St. Ives. Auch viele zeitgenössische Labels wie The Row, Rier und Auralee Tokyo folgen ähnlichen modernistischen Prinzipien.

Auf dem Salone del Mobile in diesem Jahr gab es eine deutliche Rückkehr zur Zurückhaltung, mit einem Fokus auf materielle Integrität: Chrom, Glas und Stahl erscheinen in Möbeln, Innenräumen und zunehmend auch in der Mode – oft unverkleidet, um die rohe Qualität hervorzuheben. Im Moment schaue ich mir Designer wie Christopher Dresser und seine abstrakten Teekannen an. In kleinerem Maßstab ist Josef Hoffmanns Besteck eine großartige Möglichkeit, den Modernismus in den Alltag zu bringen, während architektonischer Silberschmuck – wie Sophie Buhais Designs – den Modernismus des 20. Jahrhunderts durch tragbare Skulpturen wiederbelebt.

Das Schöne daran, seinen Geschmack an einer Kunstbewegung zu verankern, ist, dass es alles verändert. Du bist kein Kaufsüchtiger. Du bist ein Sammler. Du tauschst nicht ein weißes Hemd gegen ein anderes aus; du gehst eine durchdachte Verpflichtung zu Einfachheit und Qualität ein. Der Modernismus ist dafür besonders nützlich, weil Zurückhaltung buchstäblich der ganze Sinn ist. (Meine Therapeutin sieht das vielleicht anders. Andererseits ist sie eine der schicksten Personen, die ich kenne.)

Für mich ist der Modernismus auch zutiefst persönlich. Ich wollte schon immer eine Denkweise aufbauen, die durchdachte Anhäufung über plötzliche Veränderung stellt. Weniger, aber bessere Dinge – Gegenstände und Kleidung, die für sich selbst stehen, die im Laufe der Zeit benutzt, getragen und mit ihnen gelebt werden können. In der Mode ist es das Teil, das keine Aussage machen will, aber trotzdem jedes Mal gewinnt. In Innenräumen sind es der Raum, das Licht und der Gegenstand, der sich seinen Platz wirklich verdient hat.

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Diese Dinge sind immer interessanter als Gespräch denn als Monolog. Also habe ich ein paar Leute gefragt, deren Geschmack ich vertraue – und von denen ich wusste, dass ihre Antworten interessanter sein würden als meine eigenen –, um ihre Gedanken zu diesem Monatsthema zu teilen. Bettina Korek leitet seit 2020 die Serpentine Galleries in London mit einer Art aufgeschlossener Strenge, die ich für wirklich selten halte. Sie denkt über Kultur so nach, wie die besten Designer über Raum denken: Was man weglässt, ist genauso wichtig wie das, was man hineinsetzt. Lily Atherton Hanbury, Mitbegründerin von Le Monde Béril (und Architekturabsolventin der University of Pennsylvania), kenne ich seit Jahren. Ihr Blick für Schönheit ist die Art, die man nicht wirklich lehren kann. Und Sophia Roe, Stylistin und Gründerin von The Garment, bringt etwas mit, das ich leise fesselnd finde: eine Sensibilität, die sowohl instinktiv als auch vollständig durchdacht ist. Ich lerne jedes Mal etwas, wenn ich mit einer von ihnen spreche.

Gibt es einen Gegenstand, einen Raum oder ein Werk – alt oder neu – von dem du denkst, dass es den modernistischen Geist perfekt einfängt?

Lily Atherton Hanbury: Le Corbusier kommt mir zuerst in den Sinn, weil er den Modernismus in ein Glaubenssystem verwandelt hat. Seine Arbeit brach völlig mit vergangenen Traditionen und Regeln, geprägt von einer sich schnell verändernden Welt und der ständigen, ritualistischen Natur des täglichen Lebens. Schlanke, vereinfachte Formen, inspiriert von Bewegung und dem Maschinenzeitalter, wurden durch eine erneuerte Verbindung zur Natur und zum menschlichen Körper transformiert. Er glaubte, dass Design die Erfahrung des Lebens verbessern könnte. Wenn ich ein Beispiel auswählen müsste, das dies widerspiegelt, wäre es Chandigarh. Es war so umfassend, schuf eine neue Sprache und fühlt sich heute noch unglaublich aktuell an.

Sophia Roe: Donald Judd. Seine Arbeit ist wichtig, weil sie durchdacht ist. Ich denke, das macht sie beständig – sie drängt sich dir nicht auf. Und die Einfachheit hat eigentlich nichts mit Ästhetik zu tun, wie wir sie heute verstehen. Sie existiert mit Absicht, ohne weitere Erklärung zu benötigen, und das ist ein hoher Standard.

Bettina Korek: Für mich ist es der Serpentine Pavilion. Nicht nur einer von ihnen, sondern das gesamte Programm. Baudelaire sagte, die Moderne sei das Vergängliche, das Flüchtige und das Kontingente. Ich denke, genau das ist der Pavilion. Jeder ist ein vollständiges Werk, Teil einer Serie, die niemals endet. Jedes Jahr schafft ein Architekt, der noch nie im Vereinigten Königreich gebaut hat, etwas anderes auf dem Rasen der Serpentine South. Diese Offenheit und endlose Fortsetzung ist für mich der modernistische Geist. Es ist kein Stil – es ist ein fortlaufendes Experiment.

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Wo findest du den Modernismus auf eine Weise, die dich überrascht, in deiner eigenen Arbeit oder deinem Leben wieder?

BK: Der Modernismus wird oft als die Geschichte einer einzelnen Person erzählt. Ich habe gelernt, ihn als etwas viel Lebendigeres und Vielfältigeres zu sehen. Hans Ulrich Obrist bezieht sich oft auf Édouard Glissant, der schreibt, dass Kultur durch den Kontakt zwischen Menschen, Orten und Traditionen entsteht – nicht ein Strom, sondern viele, die zusammenkommen. Darin lebt der Modernismus für mich. Ich fand es großartig, dass Reid Weissman auf die Frage nach seinem Vermächtnis sagte: „Ich hoffe, wir werden vergessen. Denn wenn genug nachkommt, hört der Anfang auf, wichtig zu sein. Der Modernismus ist keine Ankunft – er ist eine Art Staffellauf. Etwas, das man weitergibt."

SR: Für mich zeigt er sich durch ständiges Editieren – Entfernen statt Hinzufügen. Selbst darin, wie ich mich kleide oder Bilder aufbaue, beginne ich mit etwas Instinktivem und reduziere es dann, bis es sich ehrlich anfühlt. Beim Modernismus geht es um Funktion und Ehrlichkeit, was die Dänen gut können. Ich mag es, wenn Raum für Projektion bleibt. Und seltsamerweise lässt diese Zurückhaltung die Dinge oft intimer wirken, weil sie Raum für Interpretation lässt.

LAH: Es überrascht mich nicht, dass unser Designprozess mit modernistischen Prinzipien zusammenhängt. Aber vielleicht unterstreicht es, dass der rote Faden durch unsere Kollektionen der Glaube ist, dass Design die Art zu leben formen kann. Die Kernidee von Le Monde Beryl ist Schönheit in der Bewegung: Schuhe, die den menschlichen Körper buchstäblich unterstützen, während er sich durch die Welt bewegt. Unser erster Schuh basierte auf einem venezianischen Gondolier-Hausschuh, mit der Idee, das tägliche Leben durch Funktionalität zu bereichern.

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Wenn jemand ein bisschen Modernismus in sein Leben bringen wollte, wo würdest du vorschlagen, dass er anfängt?

SR: Der Modernismus braucht Raum zum Atmen. Ich denke, die Leute behandeln ihn oft als Ästhetik, aber eigentlich ist es eine Denkweise. Es läuft aufs Editieren hinaus – jedem Gegenstand zu erlauben, nützlich zu sein, mit Beständigkeit und Zweck. Das deckt sich stark damit, wie Minimalismus in der Mode funktioniert. Ein gut geschnittener Stoff mit dem perfekten Gewicht und Finish bringt Leichtigkeit. Der Modernismus ist ähnlich erdend und beruhigend.

LAH: Schau dir Architektur, Gebäude an und wie Räume im täglichen Leben genutzt werden. Ich habe Architektur studiert, arbeite aber nicht täglich damit – und doch prägt sie so viel von dem, wie wir über unsere Kollektionen denken. Zum Beispiel haben wir kürzlich eine geschwungene Ferse (bei unserem Mica Mule) entwickelt, inspiriert von stationären Gebäuden, die so gestaltet sind, dass sie sich in Bewegung befinden. Als ich Ideen sammelte, habe ich mir Adam Richards' Nithurst Farm genau angesehen.

BK: Du könntest etwas finden, das von einem lebenden Handwerker hergestellt wurde. Ich denke, das ist neu – es repräsentiert die Idee von jemandem, wie ein alltägliches Ding anders sein könnte.

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**Häufig gestellte Fragen**

Hier ist eine Liste von FAQs über Eagle Eye on Modernism, geschrieben in einem natürlichen, gesprächigen Ton mit klaren, einfachen Antworten.

**Fragen für Einsteiger**

1. **Was genau ist Eagle Eye on Modernism?**
Es ist eine fokussierte Art, modernistische Kunst, Architektur und Design zu betrachten. Stell dir vor, du setzt ein Fernglas auf, um die wichtigsten Ideen, Techniken und versteckten Details zu erkennen, die den Modernismus von früheren Stilen unterscheiden.

2. **Warum sollte mich Modernismus interessieren?**
Weil er alles verändert hat. Der Modernismus brach mit alten Regeln. Er hat das Aussehen unserer Städte, Möbel, Logos und sogar heutiger Websites geprägt. Ihn zu verstehen, hilft dir zu sehen, warum Dinge so aussehen, wie sie aussehen.

3. **Was ist die Hauptidee des Modernismus?**
„Form follows function" (Die Form folgt der Funktion). Das bedeutet, dass der Zweck eines Gegenstands oder Gebäudes sein Design bestimmen sollte, nicht die Verzierung. Es geht darum, ehrlich, einfach zu sein und neue Materialien wie Stahl, Glas und Beton zu verwenden.

4. **Kannst du mir ein einfaches Beispiel geben?**
Klar. Ein klassischer modernistischer Stuhl ist schlank, verwendet Metall und Leder und hat keine zusätzlichen Schnitzereien oder Verzierungen. Vergleiche das mit einem viktorianischen Stuhl mit vielen Holzverzierungen und Samt – das ist das Gegenteil.

5. **Ist Modernismus dasselbe wie moderne Kunst?**
Nicht genau. Moderne Kunst ist ein weiter Begriff für Kunst, die von den 1860er bis zu den 1970er Jahren geschaffen wurde. Der Modernismus ist eine spezifische Philosophie innerhalb dieser Periode, die Fortschritt, Innovation und die Ablehnung von Tradition schätzt.

**Mittelschwere, praktische Fragen**

6. **Wie erkenne ich modernistische Architektur mit einem Adlerauge?**
Achte auf:
* Flache Dächer
* Große Fenster
* Offene Grundrisse
* Fehlen von Ornamenten
* Weiße oder neutrale Farben

7. **Was ist der größte Fehler, den Leute machen, wenn sie modernistische Kunst betrachten?**
Sie denken, es sei nur ein Durcheinander oder das könne jeder. Der Trick ist, zu fragen: