La metteuse en scène Lear deBessonet, qui fait ses débuts en tant que nouvelle directrice artistique du Lincoln Center Theater avec la reprise ce mois-ci de la comédie musicale Ragtime sur la scène du Vivian Beaumont, n’en est pas à son premier voyage dans le temps. Sa première production new-yorkaise, montée dans le sous-sol d’une église de Gramercy Park alors qu’elle avait une vingtaine d’années, était une pièce originale sur le syndrome de Jérusalem — une forme rare de folie religieuse où les visiteurs de la Terre Sainte se prennent pour des personnages bibliques.

Pour trouver l’inspiration pour Ragtime, qui se déroule au début des années 1900 dans et autour de New York, deBessonet et moi nous sommes rencontrés par une claire matinée de fin d’été devant le Tenement Museum, sur le Lower East Side de Manhattan. Dans la comédie musicale, Tateh (interprété par Brandon Uranowitz), un artiste nouvellement arrivé d’Europe de l’Est, vit dans un immeuble locatif près de l’emplacement actuel du musée.

Alors que nous entrions, mes yeux s’habituaient encore à l’entrée faiblement éclairée, avec son plafond en étain et sa rampe en bois usée, quand deBessonet remarqua une décoration peinte en haut du mur taché de suie : un petit ovale lumineux représentant une maisonnette près d’arbres et de champs sous un ciel bleu dégagé.

« Je me demande qui a peint ça », dit-elle, tandis que nous contemplions cette image paisible — si différente des couloirs étouffants et bondés que nous imaginions d’il y a un siècle. Nous avons appris plus tard que l’artiste était inconnu — peut-être un locataire qui avait troqué ses talents de peintre contre un loyer réduit, ou cherchait du réconfort à travers l’art dans une vision pastorale du rêve américain.

Ragtime présente sa propre vision ample et complexe du rêve américain — sa promesse durable, et la douleur de ceux à qui il est refusé — durant le tourment du début du XXe siècle. Basée sur le roman de 1975 d’E. L. Doctorow, l’histoire kaléidoscopique suit trois familles : un couple blanc aisé et leur enfant, un couple noir brisé tentant de se réunir autour d’un nouveau-né, et un veuf immigrant juif et sa jeune fille. Leurs vies s’entremêlent entre elles et avec des figures historiques comme l’anarchiste Emma Goldman, la star de vaudeville Evelyn Nesbit, et le leader des droits civiques Booker T. Washington.

L’histoire commence dans la banlieue de New Rochelle, où Mère (Caissie Levy) fait ses adieux à Père (Colin Donnell), un fabricant de feux d’artifice et explorateur amateur qui rejoint l’expédition arctique de l’Amiral Peary. Alors que leur navire part, il croise un « bateau de la misère » en route pour Ellis Island transportant Tateh et sa fille (Tabitha Lawing). Pendant ce temps, la vie ordonnée de Mère est bouleversée quand elle trouve un bébé noir abandonné dans son jardin et offre un abri à l’enfant et à sa mère désespérée, Sarah (Nichelle Lewis). Bientôt, le père du bébé, Coalhouse Walker Jr. (Joshua Henry) — un pianiste afro-américain talentueux qui séduisit autrefois Sarah avec la musique ragtime mais lui fit plus tard du tort — commence à venir de Harlem chaque dimanche pour la reconquérir.

Est-il surprenant que les choses tournent terriblement mal ? Le script original de Terrence McNally et les paroles de Lynn Ahrens semblent préfigurer la rhétorique politique divisive d’aujourd’hui : l’Amiral Peary parle d’immigrants venant de pays « cloaques » ; le banquier J.P. Morgan se vante d’hommes qui « rendent un pays grand » ; Tateh, un nouvel immigrant, tient sa fille en laisse, terrifié d’être séparé d’elle. Ajoutez le racisme, l’obsession des célébrités et la brutalité policière, et vous avez les ingrédients d’une tragédie américaine moderne.

Pourtant, la partition épique de Stephen Flaherty — qui retrace les transformations des personnages à travers le ragtime syncopé, la dissonance jazzistique heurtée, les complaintes funèbres, les ballades émouvantes et les influences klezmer — porte aussi des lueurs d’espoir et de résilience. La sonorité américaine expansive et généreuse, rappelant Aaron Copland, porte en elle un sentiment d’aspiration et d’espoir.

ALERTE ROUGE
La metteuse en scène Lear deBessonet, vêtue de Gabriela Hearst.

À l’étage du Tenement Museum, deBessonet et moi avons exploré l’appartement datant d’environ 1902 de Jennie et Harris Levine, un couple juif russe qui dirigeait une usine de confection tout en élevant leurs cinq enfants dans ces trois petites pièces. La metteuse en scène a puisé l’inspiration pour ses décors dans l’armoire couleur sang de bœuf des Levine et le papier peint imprimé bleu pâle. À côté, dans un appartement encore en restauration, j’ai été émue aux larmes par quelques jouets simples découverts par les excavateurs : quatre billes de verre et une petite poupée, pas plus grande que le doigt d’un enfant, faite de métal noir. (Divulgation complète : Selon des histoires familiales, mon défunt père est né et a grandi dans un immeuble locatif juste en face, où il vivait avec ses parents et ses six frères et sœurs dans deux pièces exiguës.)

Pendant le déjeuner au Russ & Daughters Café juste en bas de la rue — j’ai pris du bortsch froid ; deBessonet a choisi du saumon fumé, des œufs et des latkes — mon enthousiaste compagne a parlé de son enfance à Baton Rouge, où elle a découvert une passion pour la mise en scène très jeune. Elle enrôlait sa sœur cadette, les enfants du quartier, et même le chien familial dans des spectacles improvisés. Aujourd’hui, elle vit à Brooklyn avec son mari et leurs deux jeunes enfants. Durant son temps libre, elle aime les repas partagés de quartier, encourager lors des matchs de baseball de son fils, et chanter dans une chorale locale.

Elle a retracé son intérêt pour le théâtre en tant qu’effort collectif — elle a fondé et dirigé Public Works, un programme célèbre du Public Theater de New York pendant près de neuf ans, qui rassemble des groupes communautaires et des acteurs professionnels dans des productions à grande échelle — jusqu’à ce qu’elle appelle la « texture théâtrale » de son enfance. Elle l’a décrite comme « la présence constante d’événements comme Mardi Gras, les matchs de football et l’église, qui sont remplis de faste, de musique et de couleur, et rassemblent des personnes de tous âges et de tous horizons ».

Durant sa première année à l’Université de Virginie, deBessonet a voyagé à New York pour voir la production originale de Ragtime à Broadway, avec une distribution légendaire incluant Brian Stokes Mitchell, Audra McDonald, Marin Mazzie, et une Lea Michele âgée de 11 ans. (La comédie musicale a remporté plusieurs Tony Awards, notamment pour McDonald dans le rôle de Sarah, le livret de Terrence McNally, les paroles de Lynn Ahrens et la partition de Stephen Flaherty.)

McDonald — qui venait de terminer une série très acclamée à Broadway dans le rôle de Momma Rose dans Gypsy lorsque nous avons parlé — s’est souvenue du début de la production de 1998. « Je savais que je faisais partie de quelque chose de spécial dès le tout premier atelier, quand nous avons entendu “Wheels of a Dream” », dit-elle. « Il y avait une énergie électrique dans la pièce. Nous approchions de la fin d’un millénaire et espérions que le spectacle aiderait à faire avancer la société d’une certaine manière. »

Pour deBessonet, le spectacle « avait cette qualité épique, capturant les mouvements des peuples et de l’histoire, tout en racontant des histoires profondément personnelles avec une intimité émotionnelle », se souvient-elle. « Voir comment la musique dans le spectacle rend la douleur et les rêves de l’histoire réels a été révolutionnaire pour moi. Je me suis dit : C’est le genre de théâtre que je veux faire. »

Elle a visité la ville à nouveau pendant les vacances de printemps de sa dernière année, quand une rencontre fortuite à l’aéroport de LaGuardia avec Anne Bogart, une figure influente du théâtre expérimental, a conduit à un emploi temporaire d’assistante de Bogart. Cette expérience lui a donné la confiance nécessaire pour déménager à New York. Mais percer dans la mise en scène s’est avéré difficile. « Il n’y a pas d’auditions pour les metteurs en scène », explique deBessonet. « Qui va vous donner des ressources, des gens avec qui travailler, ou un espace ? » Alors elle a travaillé dur, occupant des emplois de jour — y compris des quarts de nuit dans un club de poker illégal — tout en montant des pièces dans des sous-sols d’église et sur des toits. Elle s’est finalement fait un nom avec sa production de 2007 de "Saint Joan of the Stockyards" de Bertolt Brecht. Au PS122, elle a vu une production de "Saint Joan des Abattoirs", mais ce qui l’a vraiment frappée, c’était le profil démographique étroit du public. Cette expérience a alimenté son travail communautaire, plus récemment à travers One Nation/One Project — une collaboration impliquant les bureaux des maires, les centres de santé et les artistes locaux dans 18 villes américaines, tous créant des œuvres qui ont été présentées en première le même jour l’été dernier. Inspirée par le Federal Theatre Project des années 1930 et sa directrice Hallie Flanagan, qu’elle appelle « la figure la plus visionnaire de l’histoire du théâtre américain », deBessonet partage la conviction de Flanagan que tout le monde mérite l’art comme partie intégrante de la vie quotidienne.

Après cinq ans en tant que directrice artistique d’Encores !, une série redonnant vie à des comédies musicales classiques au New York City Center, deBessonet rejoint maintenant le Lincoln Center Theater. En octobre dernier, autour des élections, sa production de "Ragtime" a été jouée pendant deux semaines et a reçu des critiques élogieuses. Le public et les critiques ont trouvé une résonance émotionnelle profonde dans les idéaux et les déceptions des personnages, dépassant le cadre politique.

En tant que Mère, Caissie Levy interprète "Back to Before", une ballade féministe et émouvante sur l’amour et le changement. Levy la décrit comme « l’une de ces chansons emblématiques qui en dit long sur où nous en sommes en tant que femmes, en tant que personnes, en tant que société ». Shaina Taub reprend son rôle d’Emma Goldman, qu’elle appelle une « doula activiste » pour avoir éveillé la conscience politique du Frère Cadet de Mère, joué par Ben Levi Ross. Taub note que Goldman, qui prospérait devant des publics, partageait la vision de deBessonet sur le rôle social du théâtre : « Elle appelait ses discours son “chant extatique” et a écrit un livre sur la façon dont le théâtre tend un miroir puissant à la société. »

Avec 33 membres de la distribution et un orchestre de 28 musiciens, "Ragtime" est une entreprise majeure pour tout metteur en scène. Mais Brandon Uranowitz, qui joue Tateh et est un acteur lauréat d’un Tony, dit que sous la direction axée sur la communauté de deBessonet, l’expérience semble porteuse de sens : « C’est comme une communauté avec un message. Faire partie d’un si grand ensemble, c’est comme une grande chute de confiance — nous comptons complètement les uns sur les autres. »

La musique ragtime elle-même est centrale pour l’impact de la pièce, pas seulement un arrière-plan. Joshua Henry, qui joue Coalhouse Walker Jr., explique : « La musique avance comme une question que l’Amérique se posait alors : Comment traitons-nous ces gens, et qui devenons-nous ? » Pour Henry, la puissante ballade tardive de Coalhouse, "Make Them Hear You", parle directement à notre époque divisée : « Comment nous voyons-nous et nous entendons-nous dans des moments si compliqués ? »

Pour deBessonet, la réponse réside dans une foi profonde en le pouvoir guérisseur du théâtre. « Cela vient d’une libération de la vérité », dit-elle. « Il s’agit de comment nous créons un espace sacré quand nous nous concentrons ensemble pour écouter et recevoir une histoire. "Ragtime" est une épopée avec toute la gamme émotionnelle — une comédie musicale d’idées, de passion, de violence, de romance, de mouvements sociaux, de tragédie, et de l’espoir trouvé dans la communauté et le combat pour la justice. »

Dans cette histoire :
Coiffure par Miwako Urasugi
Maquillage par Marco Campos
Retouches par Alanna Beneroff
Produit par Modem Creative

Foire Aux Questions
Bien sûr Voici une liste de FAQ sur la nouvelle reprise de Ragtime à Broadway conçue pour être utile à la fois aux nouveaux venus et aux fans de théâtre chevronnés



Informations Générales



Q De quoi parle Ragtime

R C'est une comédie musicale qui entrelace les histoires de trois groupes différents dans l'Amérique du début des années 1900 : une famille blanche aisée de banlieue, un musicien noir de Harlem et un immigrant juif letton. Elle aborde des thèmes comme le racisme, l'immigration et le changement social.



Q Est-ce une nouvelle comédie musicale ou une reprise

R C'est une reprise. La production originale a ouvert à Broadway en 1998 et a été un grand succès, remportant plusieurs Tony Awards. Il s'agit d'une nouvelle production pour un nouveau public.



Q Quand et où est-ce joué

R Cela arrive à Broadway. Le théâtre spécifique et les dates exactes des avant-premières et de la première seront annoncés par la société de production. Surveillez les sources officielles d'actualités de Broadway pour les mises à jour.



Q Qui fait partie de la distribution et de l'équipe créative

R Le casting et l'équipe créative complète sont généralement annoncés plus près du début des avant-premières. Ces informations seront largement diffusées sur le site officiel du spectacle et les réseaux sociaux.



Pour Ceux qui Découvrent le Spectacle



Q Je n'ai jamais entendu parler de Ragtime. Pourquoi cette reprise est-elle si importante

R La comédie musicale est basée sur un roman célèbre d'E.L. Doctorow et possède une partition puissante et chérie. Elle est considérée comme un classique. Une reprise est importante car elle donne à une nouvelle génération la chance de voir un spectacle célébré qui parle directement de nombreux problèmes encore pertinents aujourd'hui.



Q Quel type de musique contient-elle

R La partition de Stephen Flaherty et Lynn Ahrens est un beau mélange de Broadway traditionnel, de ragtime, de gospel et de musique folk. Elle est très ample et émotionnelle.



Q Est-ce approprié pour les enfants

R Le spectacle aborde des thèmes matures, y compris la violence raciale et la mort. Il est généralement recommandé aux adolescents plus âgés et aux adultes. Vous devriez vérifier les conseils de contenu officiels lorsqu'ils seront publiés.



Pertinence et Thèmes



Q Pourquoi est-il décrit comme frappamment pertinent