Eine neue 'Ragtime'-Revival, auffallend relevant, kommt zum Broadway

Regisseurin Lear deBessonet, die mit der Wiederaufnahme des Musicals Ragtime in diesem Monat auf der Vivian-Beaumont-Bühne ihr Debüt als neue künstlerische Leiterin des Lincoln Center Theater gibt, ist kein Unbekannter in Sachen Zeitreisen. Ihre erste New Yorker Produktion, die sie Anfang zwanzig im Keller einer Kirche am Gramercy Park inszenierte, war ein eigenes Stück über das Jerusalem-Syndrom – eine seltene Form religiösen Wahns, bei der Besucher des Heiligen Landes glauben, biblische Figuren zu sein.

Um Inspiration für Ragtime zu finden, das im frühen 20. Jahrhundert in und um New York spielt, trafen deBessonet und ich uns an einem hellen Spätsommermorgen vor dem Tenement Museum im Lower East Side von Manhattan. Im Musical lebt Tateh (gespielt von Brandon Uranowitz), ein neu aus Osteuropa eingetroffener Künstler, in einem Mietshaus in der Nähe des heutigen Museums.

Als wir eintraten, mussten sich meine Augen noch an den schwach beleuchteten Eingangsbereich mit seiner Zinnendecke und dem abgenutzten Holzgeländer gewöhnen, als deBessonet hoch an der rußgeschwärzten Wand eine gemalte Verzierung bemerkte: ein kleines, leuchtendes Oval, das ein Häuschen neben Bäumen und Feldern unter einem klaren blauen Himmel zeigte.

„Ich frage mich, wer das gemalt hat“, sagte sie, während wir das friedliche Bild betrachteten – so anders als die überfüllten, stickigen Flure, die wir uns aus der Zeit vor einem Jahrhundert vorstellten. Später erfuhren wir, dass der Künstler unbekannt war – vielleicht ein Mieter, der seine Malerkünste gegen eine niedrigere Miete eintauschte oder in einer pastoralen Vision des amerikanischen Traums Trost in der Kunst suchte.

Ragtime präsentiert seine eigene weitreichende, komplexe Vision des amerikanischen Traums – sein beständiges Versprechen und den Schmerz derer, denen er verwehrt bleibt – in der turbulenten Zeit des frühen 20. Jahrhunderts. Basierend auf E. L. Doctorows Roman von 1975, verfolgt die kaleidoskopische Geschichte drei Familien: ein wohlhabendes weißes Paar und ihr Kind, eine zerrüttete schwarze Familie, die sich um ein Neugeborenes wieder vereinen will, und einen jüdischen Einwanderer, einen Witwer, und seine kleine Tochter. Ihre Leben verflechten sich miteinander und mit historischen Figuren wie der Anarchistin Emma Goldman, dem Vaudeville-Star Evelyn Nesbit und dem Bürgerrechtler Booker T. Washington.

Die Geschichte beginnt im vorstädtischen New Rochelle, wo Mutter (Caissie Levy) sich von Vater (Colin Donnell) verabschiedet, einem Feuerwerkshersteller und Hobbyforscher, der sich Admiral Pearys Arktisexpedition anschließt. Während ihr Schiff ablegt, passiert es ein „Fetzen-Schiff“ auf dem Weg nach Ellis Island, mit Tateh und seiner Tochter (Tabitha Lawing) an Bord. Unterdessen wird Mothers geordnetes Leben auf den Kopf gestellt, als sie in ihrem Garten ein ausgesetztes schwarzes Baby findet und sowohl dem Kind als auch seiner verzweifelten Mutter Sarah (Nichelle Lewis) Unterschlupf gewährt. Bald beginnt der Vater des Babys, Coalhouse Walker Jr. (Joshua Henry) – ein begnadeter afroamerikanischer Pianist, der Sarah einst mit Ragtime-Musik den Hof machte, sie aber später betrog –, jeden Sonntag aus Harlem anzureisen, um sie zurückzugewinnen.

Ist es da eine Überraschung, dass alles furchtbar schiefgeht? Terrence McNallys ursprüngliches Drehbuch und Lynn Ahrens’ Songtexte scheinen die heutige gespaltene politische Rhetorik vorwegzunehmen: Admiral Peary spricht von Einwanderern aus „Senkgruben“-Ländern; Bankier J.P. Morgan prahlt mit Männern, die „ein Land groß machen“; Tateh, ein Neuankömmling, hält seine Tochter an der Leine, aus Angst, von ihr getrennt zu werden. Dazu kommen Rassismus, Prominentenkult und Polizeigewalt – und man hat die Zutaten für eine moderne amerikanische Tragödie.

Doch Stephen Flaherties epische Partitur – die die Verwandlungen der Charaktere durch synkopierten Ragtime, schroffen Jazz-Dissonanzen, traurige Trauermärsche, mitreißende Balladen und Klezmer-Einflüsse nachzeichnet – birgt auch Schimmer von Hoffnung und Widerstandskraft. Der weitläufige und großzügige amerikanische Sound, der an Aaron Copland erinnert, trägt in sich ein Gefühl von Sehnsucht und Hoffnung.

ROTER ALARM
Regisseurin Lear deBessonet trägt Gabriela Hearst.

Oben im Tenement Museum erkundeten deBessonet und ich die Wohnung von Jennie und Harris Levine aus dem Jahr 1902, einem russisch-jüdischen Paar, das eine Bekleidungsfabrik betrieb, während es seine fünf Kinder in diesen drei kleinen Zimmern großzog. Die Regisseurin ließ sich für ihre Bühnenbilder von Levines oxblutrotem Kleiderschrank und hellblau gemustertem Tapeten inspirieren. Nebenan, in einer Wohnung, die noch restauriert wird, rührten mich ein paar einfache Spielsachen, die von Ausgräbern freigelegt wurden, zu Tränen: vier Glasmurmeln und eine winzige Puppe, nicht größer als ein Kinderfinger, aus schwarzem Metall. (Vollständige Offenlegung: Familienberichten zufolge wurde mein verstorbener Vater in einem Mietshaus direkt gegenüber geboren und wuchs dort auf, wo er mit seinen Eltern und sechs Geschwistern in zwei engen Zimmern lebte.)

Beim Mittagessen im Russ & Daughters Cafe gleich die Straße runter – ich hatte kalten Borschtsch; deBessonet wählte Räucherlachs, Eier und Latkes – sprach meine begeisterte Begleiterin über ihre Kindheit in Baton Rouge, wo sie früh eine Leidenschaft fürs Regieführen entdeckte. Sie verpflichtete ihre jüngere Schwester, Nachbarskinder und sogar den Familienhund für spontane Aufführungen. Heute lebt sie in Brooklyn mit ihrem Mann und ihren zwei kleinen Kindern. In ihrer Freizeit genießt sie Nachbarschafts-Potlucks, feuert ihren Sohn bei Baseballspielen an und singt in einem lokalen Chor.

Ihr Interesse am Theater als Gemeinschaftsprojekt – sie gründete und leitete Public Works, ein gefeiertes Programm am New Yorker Public Theater für fast neun Jahre, das Gemeinschaftsgruppen und professionelle Schauspieler in großen Produktionen zusammenbringt – führte sie auf das zurück, was sie die „theatralische Textur“ ihrer Kindheit nannte. Sie beschrieb es als „die ständige Präsenz von Ereignissen wie Mardi Gras, Football-Spielen und Kirche, die voller Prunk, Musik und Farbe sind und Menschen aller Altersgruppen und Hintergründe zusammenbringen.“

Während ihres ersten Jahres an der University of Virginia reiste deBessonet nach New York, um die ursprüngliche Broadway-Produktion von Ragtime zu sehen, mit einer legendären Besetzung, darunter Brian Stokes Mitchell, Audra McDonald, Marin Mazzie und eine 11-jährige Lea Michele. (Das Musical gewann mehrere Tony Awards, unter anderem für McDonald als Sarah, Terrence McNallys Buch, Lynn Ahrens’ Songtexte und Stephen Flaherties Partitur.)

McDonald – die gerade eine viel gelobte Broadway-Laufbahn als Momma Rose in Gypsy beendet hatte, als wir sprachen – erinnerte sich an den Beginn der Produktion von 1998. „Ich wusste von der allerersten Werkstatt an, als wir ‚Wheels of a Dream‘ hörten, dass ich Teil von etwas Besonderem war“, sagte sie. „Es herrschte eine elektrische Energie im Raum. Wir näherten uns dem Ende eines Jahrtausends und hofften, die Show würde helfen, die Gesellschaft irgendwie voranzubringen.“

Für deBessonet hatte die Show „diese epische Qualität, die Bewegungen von Menschen und Geschichte einfing, während sie auch zutiefst persönliche Geschichten mit emotionaler Intimität erzählte“, erinnerte sie sich. „Zu sehen, wie die Musik in der Show den Schmerz und die Träume der Geschichte real fühlen lässt, war revolutionär für mich. Ich dachte: Das ist die Art von Theater, die ich machen will.“

Sie besuchte die Stadt erneut in den Frühlingsferien ihres Abschlussjahres, als eine zufällige Begegnung am LaGuardia Airport mit Anne Bogart, einer einflussreichen Figur im experimentellen Theater, zu einem vorübergehenden Job als Bogarts Assistentin führte. Diese Erfahrung gab ihr das Selbstvertrauen, nach New York zu ziehen. Doch der Einstieg in die Regie erwies sich als schwierig. „Es gibt keine Vorsprechen für Regisseure“, erklärte deBessonet. „Wer wird dir Ressourcen, Mitarbeiter oder einen Raum geben?“ Also rackerte sie sich ab, arbeitete in Tagesjobs – einschließlich Nachtschichten in einem illegalen Pokerclub – während sie Stücke in Kirchenkellern und auf Dächern inszenierte. Schließlich machte sie sich einen Namen mit ihrer Produktion von Bertolt Brechts Die heilige Johanna der Schlachthöfe im Jahr 2007. In der PS122 sah sie eine Aufführung von "Saint Joan of the Stockyards", aber was sie wirklich beeindruckte, war die schmale Demografie des Publikums. Diese Erfahrung befeuerte ihre Gemeinschaftsarbeit, zuletzt durch One Nation/One Project – eine Zusammenarbeit mit Büros von Bürgermeistern, Gesundheitszentren und lokalen Künstlern in 18 US-Städten, die alle Werke schufen, die letzten Sommer am selben Tag uraufgeführt wurden. Inspiriert vom Federal Theatre Project der 1930er Jahre und seiner Direktorin Hallie Flanagan, die sie „die visionärste Figur der amerikanischen Theatergeschichte“ nennt, teilt deBessonet Flanagans Überzeugung, dass jeder Kunst als Teil des täglichen Lebens verdient.

Nach fünf Jahren als künstlerische Leiterin von Encores!, einer Reihe, die klassische Musicals im New York City Center wiederbelebt, wechselt deBessonet nun zum Lincoln Center Theater. Letzten Oktober, rund um die Wahl, lief ihre Produktion von "Ragtime" zwei Wochen lang und wurde mit begeisterten Kritiken bedacht. Publikum und Kritiker fanden gleichermaßen tiefe emotionale Resonanz in den Idealen und Enttäuschungen der Charaktere, die über Politik hinausreichte.

Als Mutter performt Caissie Levy "Back to Before", eine bewegende, frühe feministische Ballade über Liebe und Veränderung. Levy beschreibt sie als „einen dieser ikonischen Songs, der so viel darüber aussagt, wo wir als Frauen, als Menschen, als Gesellschaft stehen.“ Shaina Taub wiederholt ihre Rolle als Emma Goldman, die sie eine „Aktivistendoula“ nennt, weil sie das politische Bewusstsein von Mothers jüngerem Bruder, gespielt von Ben Levi Ross, erweckt. Taub merkt an, dass Goldman, die vor Publikum aufblühte, deBessonets Ansicht von der sozialen Rolle des Theaters teilte: „Sie nannte ihre Reden ihren ‚ekstatischen Gesang‘ und schrieb ein Buch darüber, wie Theater der Gesellschaft einen mächtigen Spiegel vorhält.“

Mit 33 Ensemblemitgliedern und einem 28-köpfigen Orchester ist "Ragtime" ein großes Unterfangen für jede Regisseurin. Aber Brandon Uranowitz, der Tateh spielt und ein Tony-preisgekrönter Schauspieler ist, sagt, dass unter deBessonets gemeinschaftsorientierter Führung die Erfahrung sinnstiftend wirkt: „Es ist wie eine Gemeinschaft mit einer Botschaft. In so einem großen Ensemble zu sein ist wie ein großes Vertrauensspiel – wir verlassen uns vollständig aufeinander.“

Die Ragtime-Musik selbst ist zentral für die Wirkung des Stücks, nicht nur Hintergrund. Joshua Henry, der Coalhouse Walker Jr. spielt, erklärt: „Die Musik bewegt sich wie eine Frage, die Amerika sich damals stellte: Wie gehen wir mit diesen Menschen um, und was werden wir?“ Für Henry spricht Coalhouses kraftvolle späte Ballade "Make Them Hear You" direkt unsere gespaltene Zeit an: „Wie sehen und hören wir einander in so komplizierten Momenten?“

Für deBessonet liegt die Antwort in einem tiefen Glauben an die heilende Kraft des Theaters. „Es kommt von einer Freisetzung der Wahrheit“, sagt sie. „Es geht darum, wie wir heiligen Raum schaffen, wenn wir uns gemeinsam darauf konzentrieren, einer Geschichte zuzuhören und sie zu empfangen. 'Ragtime' ist ein Epos mit der vollen emotionalen Bandbreite – ein Musical der Ideen, Leidenschaft, Gewalt, Romantik, sozialen Bewegungen, Tragödie und der Hoffnung, die in Gemeinschaft und dem Kampf für Gerechtigkeit gefunden wird.“

In dieser Story:
Haare von Miwako Urasugi
Make-up von Marco Campos
Schneiderei von Alanna Beneroff
Produziert von Modem Creative

Häufig gestellte Fragen
Natürlich. Hier ist eine Liste von FAQs zur neuen Ragtime-Wiederaufnahme am Broadway, die sowohl für Neulinge als auch für erfahrene Theaterfans hilfreich sein soll.



Allgemeine Informationen



F Worum geht es in Ragtime?

A Es ist ein Musical, das die Geschichten von drei verschiedenen Gruppen im Amerika der frühen 1900er Jahre verwebt: eine wohlhabende weiße Vorstadtfamilie, ein schwarzer Musiker aus Harlem und ein jüdischer lettischer Einwanderer. Es behandelt Themen wie Rassismus, Einwanderung und sozialen Wandel.



F Ist dies ein neues Musical oder eine Wiederaufnahme?

A Es ist eine Wiederaufnahme. Die Originalproduktion eröffnete 1998 am Broadway und war ein großer Erfolg, der mehrere Tony Awards gewann. Dies ist eine neue Produktion für ein neues Publikum.



F Wann und wo wird es gespielt?

A Es kommt zum Broadway. Das spezifische Theater und die genauen Daten für Previews und Eröffnung werden von der Produktionsfirma bekannt gegeben. Halten Sie Ausschau nach Updates in offiziellen Broadway-Nachrichtenquellen.



F Wer ist in der Besetzung und im kreativen Team?

A Die Besetzung und das vollständige kreative Team werden typischerweise näher am Beginn der Previews bekannt gegeben. Diese Informationen werden auf der offiziellen Website der Show und in den sozialen Medien weit verbreitet.



Für diejenigen, die die Show nicht kennen



F Ich habe noch nie von Ragtime gehört. Warum ist diese Wiederaufnahme so eine große Sache?

A Das Musical basiert auf einem berühmten Roman von E.L. Doctorow und hat eine kraftvolle, beliebte Partitur. Es gilt als Klassiker. Eine Wiederaufnahme ist eine große Sache, weil sie einer neuen Generation die Chance gibt, eine gefeierte Show zu sehen, die direkt viele heute noch relevante Themen anspricht.



F Welche Art von Musik ist dabei?

A Die Partitur von Stephen Flaherty und Lynn Ahrens ist eine schöne Mischung aus traditionellem Broadway, Ragtime, Gospel und Folk-Musik. Sie ist sehr weitreichend und emotional.



F Ist es für Kinder geeignet?

A Die Show behandelt reife Themen, einschließlich rassistischer Gewalt und Tod. Es wird generell für ältere Teenager und Erwachsene empfohlen. Sie sollten die offizielle Inhaltsempfehlung überprüfen, sobald sie veröffentlicht wird.



Relevanz und Themen



F Warum wird es als auffallend relevant beschrieben?