Regissør Lear deBessonet, som gjør sin debut som Lincoln Center Theaters nye kunstneriske leder med denne månedens gjenoppliving av musikalen Ragtime på Vivian Beaumont-scenen, er ikke fremmed for tidsreiser. Hennes første New York-oppsetning, satt opp i en kjeller under en kirke i Gramercy Park da hun var i begynnelsen av tjueårene, var et originalt skuespill om Jerusalemsyndromet – en sjelden form for religiøs mani der besøkende i Det hellige land tror de er bibelske skikkelser.

For å finne inspirasjon til Ragtime, som utspiller seg på begynnelsen av 1900-tallet i og rundt New York, møttes deBessonet og jeg en lys sensommerdag utenfor Tenement Museum på Manhattans Lower East Side. I musikalen bor Tateh (spilt av Brandon Uranowitz), en kunstner som nylig har ankommet fra Øst-Europa, i en leiegård i nærheten av hvor museet ligger i dag.

Da vi gikk inn, var øynene mine fortsatt i ferd med å venne seg til den svakt opplyste inngangen med tinn tak og slitt tregelender, da deBessonet la merke til en malt dekorasjon høyt oppe på den sotsvarte veggen: et lyst, ovalt maleri som viste et lite hus ved siden av trær og enger under en klar blå himmel.

«Jeg lurer på hvem som malte det,» sa hun, mens vi stirret på det fredelige bildet – så forskjellig fra de trange, kvalme gangene vi forestilte oss fra for et århundre siden. Senere fikk vi vite at kunstneren var ukjent – kanskje en leieboer som byttet maleferdigheter mot billigere leie, eller søkte trøst gjennom kunsten i et pastoral syn på den amerikanske drømmen.

Ragtime presenterer sin egen vidtrekkende, komplekse visjon om den amerikanske drømmen – dens varige løfte og smerten hos de som blir nektet den – under den turbulente begynnelsen av det 20. århundre. Basert på E. L. Doctorows roman fra 1975, følger den kaleidoskopiske historien tre familier: et velstående hvitt par og deres barn, en splittet svart familie som prøver å gjenforenes rundt en nyfødt, og en jødisk enkel immigrant og hans unge datter. Deres liv flettes sammen med hverandre og med historiske figurer som anarkisten Emma Goldman, vaudeville-stjernen Evelyn Nesbit og borgerrettighetslederen Booker T. Washington.

Historien begynner i forstaden New Rochelle, hvor Mor (Caissie Levy) sier farvel til Far (Colin Donnell), en fyrverkeri-maker og amatøroppdager som skal delta i admiral Pearys Arktisekspedisjon. Mens skipet deres drar, passerer det et «fille-skip» på vei til Ellis Island med Tateh og hans datter (Tabitha Lawing). I mellomtiden blir Mors velordnede liv snudd på hodet når hun finner en forlatt svart baby i hagen sin og tilbyr ly både til barnet og hans desperate mor, Sarah (Nichelle Lewis). Snart begynner babyens far, Coalhouse Walker Jr. (Joshua Henry) – en begavet afroamerikansk pianist som en gang beilet til Sarah med ragtime-musikk, men senere fornærmet henne – å kjøre fra Harlem hver søndag for å vinne henne tilbake.

Er det noen overraskelse at ting går fryktelig galt? Terrence McNallys originale manus og Lynn Ahrens’ tekster synes å varsle dagens splittende politiske retorikk: Admiral Peary omtaler immigranter fra «basseng»-land; bankieren J.P. Morgan skryter av menn som «gjør et land flott»; Tateh, en ny immigrant, holder datteren sin i bånd, redd for å bli skilt fra henne. Legg til rasisme, berømmelsesbesettelse og politibrutalitet, og du har ingrediensene til en moderne amerikansk tragedie.

Likevel bærer Stephen Flahertys episke partitur – som følger karakterenes transformasjoner gjennom synkoperte ragtime, skjærende jazz-dissonans, sørgmodige sørgesanger, gripende ballader og klezmer-påvirkning – også glimt av håp og motstandskraft. Den ekspansive og sjenerøse amerikanske lyden, som minner om Aaron Copland, bærer i seg en følelse av lengsel og håp.

RØDT ALERT
Regissør Lear deBessonet, iført Gabriela Hearst.

Oppe i Tenement Museum utforsket deBessonet og jeg leiligheten fra cirka 1902 til Jennie og Harris Levine, et russisk-jødisk par som drev en klesfabrikk mens de oppdro sine fem barn i disse tre små rommene. Regissøren hentet inspirasjon til sine scenografier fra Levines okseblods-fargede garderobe og lyseblå trykte bakgrunnspapir. Naboen, i en leilighet som fortsatt er under restaurering, ble jeg rørt til tårer av noen enkle leker som arkeologer hadde avdekket: fire glasskuler og en liten dukke, ikke større enn en barns finger, laget av svart metall. (Full åpenhet: Ifølge familiestudier ble min avdøde far født og oppvokst i en leiegård like over gaten, hvor han bodde med foreldrene sine og seks søsken på to trange rom.)

Til lunsj på Russ & Daughters Cafe like nedover gaten – jeg hadde kald borsjtsj; deBessonet valgte røkt laks, egg og latkes – snakket min entusiastiske ledsager om oppveksten i Baton Rouge, hvor hun oppdaget en lidenskap for regi i en tidlig alder. Hun vervet sin yngre søster, nabolagsbarn og til og med familiens hund i improviserte opptredener. I dag bor hun i Brooklyn med sin mann og deres to små barn. På fritiden liker hun nabolagspotlucks, heier på sønnen sin baseballkamper og synger i et lokalt kor.

Hun sporet sin interesse for teater som en kollektiv innsats – hun grunnla og drev Public Works, et feiret program ved New York Public Theater i nesten ni år, som bringer sammen lokalsamfunnsgrupper og profesjonelle skuespillere i storskala produksjoner – tilbake til det hun kalde barndommens «teatrale tekstur». Hun beskrev det som «den konstante tilstedeværelsen av hendelser som Mardi Gras, fotballkamper og kirke, som er fylt med prakt, musikk og farge, og bringer sammen mennesker i alle aldre og bakgrunner».

Under sitt første år ved University of Virginia reiste deBessonet til New York for å se den originale Broadway-produksjonen av Ragtime, med et legendarisk ensemble som inkluderte Brian Stokes Mitchell, Audra McDonald, Marin Mazzie og en 11 år gammel Lea Michele. (Musikalen vant flere Tony-priser, inkludert for McDonald som Sarah, Terrence McNallys manus, Lynn Ahrens’ tekster og Stephen Flahertys partitur.)

McDonald – som nettopp hadde avsluttet en bredt anerkjent Broadway-kjøring som Momma Rose i Gypsy da vi snakket – husket begynnelsen av 1998-produksjonen. «Jeg visste at jeg var en del av noe spesielt allerede fra den aller første workshopen, da vi hørte ‘Wheels of a Dream’», sa hun. «Det var en elektrisk energi i rommet. Vi nærmet oss slutten av et årtusen og håpet at showet ville hjelpe samfunnet fremover på en eller annen måte.»

For deBessonet hadde showet «en episk kvalitet, som fanget bevegelser av folk og historie, mens det også fortalte dype personlige historier med emosjonell intimitet», husket hun. «Å se hvordan musikken i showet gjør smerten og drømmene fra historien føles ekte, var revolusjonerende for meg. Jeg tenkte, Det er den typen teater jeg vil lage.»

Hun besøkte byen igjen under våren i sitt siste år, da et tilfeldig møte på LaGuardia flyplass med Anne Bogart, en innflytelsesrik figur i eksperimentelt teater, førte til en midlertidig jobb som assistent for Bogart. Denne erfaringen ga henne selvtillit til å flytte til New York. Men å bryte inn i regi viste seg utfordrende. «Det er ingen audition for regissører,» forklarte deBessonet. «Hvem skal gi deg ressurser, folk å jobbe med, eller et sted?» Så hun jobbet hardt, med dagjobber – inkludert nattskift i en ulovlig pokersklubb – mens hun satte opp stykker i kirkekjellere og på tak. Til slutt gjorde hun seg et navn med sin 2007-produksjon av Bertolt Brechts S Ved PS122 så hun en produksjon av "Saint Joan of the Stockyards", men det som virkelig slo henne var det trange demografiske publikumet. Denne erfaringen ga drivkraft til hennes samfunnsarbeid, mest nylig gjennom One Nation/One Project – et samarbeid som involverer ordførerkontorer, helsesentre og lokale kunstnere i 18 amerikanske byer, som alle skaper verk som hadde premiere på samme dag i fjor sommer. Inspirert av 1930-tallets Federal Theatre Project og dets regissør Hallie Flanagan, som hun kaller "den mest visjonære figuren i amerikansk teaterhistorie", deler deBessonet Flanagans tro på at alle fortjener kunst som en del av dagliglivet.

Etter fem år som kunstnerisk leder for Encores!, en serie som gjenoppliver klassiske musikaler på New York City Center, blir deBessonet nå med i Lincoln Center Theater. I oktober i fjor, rundt valget, hennes produksjon av "Ragtime" varte i to uker og ble møtt med strålende anmeldelser. Publikum og kritikere fant dyp emosjonell resonans i karakterenes idealer og skuffelser, som nådde utover politikk.

Som Mor fremfører Caissie Levy "Back to Before", en gripende, tidlig feministisk ballade om kjærlighet og forandring. Levy beskriver den som "en av de ikoniske sangene som sier så mye om hvor vi er som kvinner, som mennesker, som et samfunn." Shaina Taub gjentar sin rolle som Emma Goldman, som hun kaller en "aktivist doula" for å vekke den politiske bevisstheten til Mors yngre bror, spilt av Ben Levi Ross. Taub bemerker at Goldman, som trivdes foran publikum, delte deBessonets syn på teatrets sosiale rolle: "Hun kalde talene sine sin 'ekstatiske sang' og skrev en bok om hvordan teater holder et kraftig speil opp for samfunnet."

Med 33 skuespillere og et 28-manns orkester er "Ragtime" en stor utfordring for enhver regissør. Men Brandon Uranowitz, som spiller Tateh og er en Tony-vinnende skuespiller, sier at under deBessonets samfunnsorienterte ledelse føles opplevelsen meningsfylt: "Det er som et samfunn med en beskjed. Å være i et så stort ensemble er som ett stort tillitsfall – vi stoler fullstendig på hverandre."

Ragtime-musikken i seg selv er sentral for stykket påvirkning, ikke bare en bakgrunn. Joshua Henry, som spiller Coalhouse Walker Jr., forklarer, "Musikken beveger seg som et spørsmål Amerika stilte seg selv da: Hvordan håndterer vi disse menneskene, og hvem blir vi?" For Henry snakker Coalhouses kraftige sene ballade, "Make Them Hear You", direkte til våre splittede tider: "Hvordan ser og hører vi hverandre i så kompliserte øyeblikk?"

For deBessonet ligger svaret i en dyp tro på teatrets helbredende kraft. "Det kommer fra en frigjøring av sannhet," sier hun. "Det handler om hvordan vi skaper hellig rom når vi fokuserer sammen på å lytte og motta en historie. 'Ragtime' er en epoke med det fulle emosjonelle spekteret – en musikal av ideer, lidenskap, vold, romantikk, sosiale bevegelser, tragedie og håpet funnet i samfunn og kampen for rettferdighet."

I denne historien:
Hår av Miwako Urasugi
Sminke av Marco Campos
Tilpasning av Alanna Beneroff
Produsert av Modem Creative

Ofte stilte spørsmål
Selvfølgelig. Her er en liste over vanlige spørsmål om den nye Ragtime-gjenopplivingen på Broadway, designet for å være hjelpsom for både nykommere og erfarne teaterfans.



Generell informasjon



Sp: Hva handler Ragtime om?

Sv: Det er en musikal som fletter sammen historiene til tre forskjellige grupper i Amerika på begynnelsen av 1900-tallet: en velstående hvit forstadsfamilie, en svart musiker fra Harlem og en jødisk latvisk immigrant. Den tar for seg temaer som rasisme, innvandring og sosial endring.



Sp: Er dette en ny musikal eller en gjenoppliving?

Sv: Det er en gjenoppliving. Den originale produksjonen åpnet på Broadway i 1998 og var en stor suksess som vant flere Tony-priser. Dette er en ny produksjon for et nytt publikum.



Sp: Når og hvor spilles den?

Sv: Den kommer til Broadway. Det spesifikke teateret og de nøyaktige datoene for forhåndsvisninger og åpningskveld vil bli kunngjort av produksjonsselskapet. Hold øye med offisielle Broadway-nyhetskilder for oppdateringer.



Sp: Hvem er i rollebesetningen og det kreative teamet?

Sv: Rollebesetning og det fulle kreative teamet annonseres vanligvis nærmere starten av forhåndsvisningene. Denne informasjonen vil bli bredt publisert på showets offisielle nettside og sosiale medier.



For de som er nye til showet



Sp: Jeg har aldri hørt om Ragtime. Hvorfor er denne gjenopplivingen så stor?

Sv: Musikalen er basert på en berømt roman av E.L. Doctorow og har en kraftfull, elsket partitur. Den regnes som en klassiker. En gjenoppliving er en stor greie fordi den gir en ny generasjon muligheten til å se et feiret show som snakker direkte til mange problemer som fortsatt er relevante i dag.



Sp: Hva slags musikk er i den?

Sv: Partituret av Stephen Flaherty og Lynn Ahrens er en vakker blanding av tradisjonell Broadway, ragtime, gospel og folkemusikk. Det er veldig vidtrekkende og følelsesladet.



Sp: Er den egnet for barn?

Sv: Showet tar for seg modne temaer, inkludert rasevold og død. Det er generelt anbefalt for eldre tenåringer og voksne. Du bør sjekke den offisielle innholdsveiledningen når den blir utgitt.



Relevans og temaer



Sp: Hvorfor beskrives den som slående relevant?