Jest piękny czerwcowy dzień, a Arlene Shechet oprowadza mnie po swoim studiu w Kingston, około dwóch godzin drogi na północ od Nowego Jorku. „Oto nasza mała rodzina pił łańcuchowych" — mówi. To rozkosznie nieoczekiwany sposób na rozpoczęcie zwiedzania i pasujący do artystki, której rzeźby łączące ceramikę, drewno i metal uczyniły ją jedną z najbardziej nowatorskich żyjących rzeźbiarek.
Ta przestrzeń o powierzchni 5 000 stóp kwadratowych jest imponująco wszechstronna. Znajduje się w niej niemal każde narzędzie, jakie można sobie wyobrazić, a także warsztat metalowy, specjalna suszarnia do drewna, strefa do modelowania komputerowego i papierowego, półki zastawione pojemnikami z gliną oraz spokojny dziedziniec otoczony betonowymi murami. „Moje własne małe LA w Kingston" — żartuje o dziedzińcu.
Shechet, lat 75, ma studio w Kingston od 10 lat, z czego cztery w tej przestrzeni. To tutaj tworzy swoje duże prace. Wciąż utrzymuje studio w Woodstock, gdzie mieszka od ponad dwóch dekad, ale ona — a raczej jej praca — przerosła to miejsce. „Jest na końcu polnej drogi, bardzo trudno przewieźć rzeźbę, co uważałam za właściwy pomysł, żeby trzymać się pod kontrolą" — mówi z przebiegłym uśmiechem. „Ale straciłam kontrolę".
W tym przypadku to dobrze. Jej wystawa „Girl Group" z 2024 roku w Storm King, która wniosła sześć strzelistych rzeźb na teren parku sztuki w dolinie Hudson, została okrzyknięta triumfem. (Jedna z recenzji w The New York Review stwierdzała: „Jako kolażystka i amalgamatorka, jako kolorystka, jako generator kształtów i jako rzeczowa feministyczna bohaterka, Shechet ma niewiele równych sobie"). Był to jej pierwszy raz, gdy tworzyła rzeźby plenerowe na tak monumentalną skalę, ale dla Shechet — wówczas najlepiej znanej z wynoszenia ceramiki do rangi sztuki pięknej — wydawało się to naturalnym przedłużeniem praktyki zakorzenionej w przesuwaniu granic.
Tej jesieni Shechet kontynuuje po Storm King wystawą „She Said She Said", obecnie prezentowaną w Pace Gallery w Chelsea. Na tę wystawę stworzyła trzy nowe monumentalne rzeźby — dwie w kolorowym, kapryśnym stylu „Girl Group" i jedną z Cortenu, po raz pierwszy używając tej odpornej na warunki atmosferyczne stali — wraz z zestawem nieziemskich instalacji ceramicznych.
Widok instalacji „Arlene Shechet: She Said She Said" przy 508 i 510 West 25th Street, Nowy Jork, NY.
Fot.: Dzięki uprzejmości Pace Gallery
„Za każdym dziełem stoją lata, w których je zostawiam, potem do niego wracam, potem znowu je zostawiam" — mówi Shechet. To niespieszne podejście rodzi rzeźby, które zaskakują z każdego kąta. Nie można pojąć całej historii z jednego punktu widzenia.
Weźmy Eve, pierwsze dzieło, na które natrafiasz po wejściu do przedniej galerii. Ma 16 stóp wysokości, jest najwyższym z nowych prac (wymierzonym co do cala, by pasowało do pomieszczenia) i pomalowane na blade zielenie i szaroniebieskości, „jak początek rzeczy" — mówi Shechet. Na samym szczycie jednej strony znajduje się mały, falisty wycinek w aluminium — nagroda dla tych, którzy spojrzą aż do góry. U podstawy srebrna bryła przypominająca zgniecioną liczi podtrzymuje opadającą sekcję tarasowego metalu. Całość przypomina mi zjeżdżalnię wodną wyobrażoną przez Dr. Seussa.
Arlene Shechet, Eve, 2026, spawane i odlewane aluminium, farba epoksydowo-uretanowa, 16' × 9' 2" × 7' 6".
Fot.: © Arlene Shechet. Dzięki uprzejmości Pace Gallery
Trzeba mieć zarówno intuicję, jak i pełną pewność siebie, by otworzyć wystawę dziełem tak ogromnym i zwariowanym. „Nikt nie zainstalowałby największego dzieła z przodu; musi być z tyłu albo pośrodku" — mówi Marc Glimcher, dyrektor generalny Pace, podczas przedpremierowego pokazu dla prasy. „Ona wiedziała, że musi być z przodu".
Za Eve znajduje się tętniąca życiem Jewel, piankowa słodycz o morskiej barwie, z warstwami, które się zwijają i zderzają. Podobnie jak Eve, jej elementy ze spawanego aluminium są formowane ręcznie, nie w formach. Ślady ludzkiego dotyku od dawna są ważne dla Shechet, niezależnie od materiału, którego używa.
W głębi sali znajduje się Flo, dzieło ze stali Corten. To cud kaskadowych kształtów, każdy nieco przekrzywiony: prawie-owale, nie-do-końca trójkąty i coś, co wygląda jak para nóg dotykających ziemi, gotowa do tańca. Każdy cal jest zjednoczony w przepięknej naturalnej patynie, prążkowanej jak tygrysie oko — rezultat wietrzenia, któremu poddano je na dziedzińcu w Kingston. To piękno Cortenu: „Sam się maluje" — mówi Shechet. Podobnie jak w przypadku jej wcześniejszych metalowych prac w Storm King, bierze tradycyjnie męski materiał (Corten najczęściej kojarzy się z Richardem Serrą) i wstrzykuje mu kobiecą wrażliwość, która przejawia się w zaokrąglonych kształtach, a nawet w tytule. Flo to ukłon w stronę Florine Stettheimer, malarki z wczesnego XX wieku, która, jak wyjaśnia Shechet, „miała wolność, jakiej tak wiele artystek nie miało".
Arlene Shechet, Flo, 2026, stal Corten, 10' 1¼" × 7' 1" × 6' 8½". Fot.: © Arlene Shechet. Dzięki uprzejmości Pace Gallery
Shechet również od dawna szła własną drogą. Urodzona w 1951 roku w Forest Hills na Queensie, zawsze interesowała się składaniem rzeczy razem. „Nie chodziłam na szycie. Chodziłam na stolarkę" — mówi. Była jedyną dziewczyną w tej klasie. Studiowała na New York University na poziomie licencjackim, a następnie w Rhode Island School of Design (RISD) na studiach magisterskich. Wraz z mężem wychowywała dwójkę dzieci najpierw w Tribece, gdzie miała studio w piwnicy, a potem w Woodstock, dokąd rodzina przeprowadziła się w 2002 roku. Uczyła w RISD i Parsons, godząc pracę z macierzyństwem i własną praktyką. Nie było łatwo. „Znosiłam wiele" — mówi. Świat sztuki nie zawsze był życzliwy dla kobiet, a już zwłaszcza dla matek. „Ludzie po prostu cię skreślali".
Przez lata jej sztuka ewoluowała od mniejszych glinianych prac, które mogła tworzyć w piwnicy w Tribece, do większych i bardziej skomplikowanych dzieł wykorzystujących mieszankę materiałów, w tym szkła, żeliwa i betonu. Przegląd jej twórczości z 20 lat w 2015 roku w Institute of Contemporary Art w Bostonie został pochwalony przez krytyków i pomógł artystce zobaczyć, jak jej różnorodne materiały i podejścia są ze sobą powiązane. „Byłam naprawdę uderzona tym, jak wszystkie te różne prace były ze sobą zszyte w sposoby, których wcześniej nie widziałam" — mówi. Była zajęta, goniąc swoje niekończące się ciekawości dzięki rezydencjom u niemieckiego producenta porcelany Meissen począwszy od 2012 roku, co doprowadziło do objawieniowej wystawy w The Frick, pierwszej wystawy współczesnego artysty w tym muzeum, oraz u giganta armatury łazienkowej Kohler w 2017 roku, po której zadebiutowała w sztuce publicznej w Madison Square Park.
Widok instalacji „Arlene Shechet: She Said She Said" przy 508 i 510 West 25th Street, Nowy Jork, NY. Fot.: Dzięki uprzejmości Pace Gallery
W przestrzeni galerii przylegającej do przedniej sali w Pace znajduje się 14 prac ceramicznych, seria zatytułowana Touching Ground. To pierwszy raz, gdy Shechet zastosowała starożytną technikę terra sigillata („zapieczętowana ziemia" po łacinie), w której glina jest wielokrotnie oczyszczana, by uzyskać angobę tak doskonałej jakości, że jest praktycznie wodoodporna. W czasach Cesarstwa Rzymskiego terra sigillata była używana do nadawania ochronnego połysku wazom i zastawie stołowej. Jest poezja w wykańczaniu gliny warstwą jej własnego ultraoczyszczonego materiału — mówi Shechet. „To bardzo eleganckie dopełnienie". Częściowo zainspirowała ją Agnes Martin, która malowała cienkimi warstwami, by osiągnąć swoje przejmujące pasy i siatki.
Prace z serii Touching Ground to ćwiczenia w zestawianiu: jakoś jednocześnie biomorficzne i całkowicie obce, z teksturami od błyszczących po papier ścierny. Architektura wygląda na rozmokłą. „Są w połowie przewrócone i to właśnie bardzo lubię" — mówi Shechet, pokazując mi kilka z nich w swoim studiu w czerwcu. Kolory wahają się od beżu i niebieskawego szarości po jaskrawy pomarańcz i czarny jak północ, z mnóstwem przewiewnych szczelin, które nie pozwalają im wydawać się zbyt gęste. W Pace niektóre są osadzone w ścianach lub wspornikowane à la Donald Judd, podczas gdy inne stoją na stalowych podstawach. Często wyglądają, jakby zostały przecięte na pół, z odsłoniętym wnętrzem. „Dla ceramika skuteczne odsłonięcie wnętrza jest poniekąd wbrew zasadom" — mówi Glimcher — „co zawsze jest ulubioną rzeczą Arlene: cokolwiek jest wbrew zasadom". Arlene Shechet, Touching Ground: Like A Book, 2026, terra sigillata, glazurowana ceramika i stal, 23½" × 27¾" × 7¾". Fot.: © Arlene Shechet. Dzięki uprzejmości Pace Gallery. Rzeczywiście, eksperymentowanie jest głęboko wpisane w praktykę Shechet — zawsze było. Nie musiała podejmować się nowego materiału (Corten) ani techniki (terra sigillata) na tym etapie kariery. Ale dryfowanie nie leży w jej naturze. Pozostając obecną w studiu — buddyjska koncepcja, którą bardzo ceni — pozostaje otwarta na to, co się wynurzy. To nić przewodnia całej jej twórczości. „Potrafię siebie zaskoczyć" — mówi, rozglądając się po swoim studiu. „To jest to. Muszę utrzymywać swoje zainteresowanie i zaskoczenie". „Arlene Shechet: She Said She Said" jest prezentowana w lokalizacjach Pace Gallery przy 508 i 510 West 25th Street do 24 października 2026 roku.
Najczęściej zadawane pytania
FAQ Przeszłość i przyszłość spotykają się w nieziemskich rzeźbach Arlene Shechet
Pytania dla początkujących
Kim jest Arlene Shechet
Amerykańska rzeźbiarka urodzona w 1951 roku w Nowym Jorku, znana z zabawowych, kolorowych rzeźb, które w nieoczekiwany sposób mieszają materiały takie jak ceramika, drewno i metal
Co czyni jej rzeźby nieziemskimi
Łączą znajome kształty z dziwnymi, onirycznymi formami — galaretowate ceramiki wyrastające ze gładkiego metalu, jaskrawe kolory na szorstkich powierzchniach. Wyglądają jak obiekty z innej planety, które wciąż wydają się dziwnie znajome
Co oznacza „przeszłość i przyszłość spotykają się" w jej twórczości
Łączy starożytne techniki ze współczesnymi materiałami i procesami przemysłowymi. Stare i nowe istnieją obok siebie w jednym dziele
Jakich materiałów używa
Gliny, porcelany, drewna, stali, aluminium, brązu, farby i odlewanego metalu — często wszystkie w jednej rzeźbie
Dlaczego jej twórczość jest ważna
Zniosła hierarchię, która stawiała ceramikę jako rzemiosło, a rzeźbę jako sztukę piękną. Jej sukces pomógł ceramice zdobyć poważne uznanie w muzeach i galeriach sztuki współczesnej
Gdzie mogę zobaczyć jej prace
W głównych muzeach, takich jak Metropolitan Museum of Art, Whitney i Los Angeles County Museum of Art. Miała także zamówienia publiczne, w tym prace w parkach Nowego Jorku
Pytania średniozaawansowane
Jak właściwie łączy stare i nowe techniki
Ręcznie buduje formy ceramiczne tradycyjnymi metodami, a następnie odlewa je w brązie lub aluminium albo łączy z wytwarzaną stalą. Używa także narzędzi cyfrowych, takich jak skanowanie i druk 3D, do przekładania między materiałami
Jak wygląda jej proces twórczy
Jest intuicyjny i eksperymentalny. Pracuje w swoim studiu bez ustalonego planu, pozwalając glinie ją prowadzić. Opisuje to jako rozmowę z materiałem — reaguje na to, co się dzieje, zamiast wymuszać projekt
Dlaczego miesza tak wiele różnych materiałów
Kontrasty tworzą napięcie i zaskoczenie. Błyszcząca ceramiczna bryła na ciężkiej stalowej belce każe ci kwestionować, co jest naturalne, a co przemysłowe, co kruche, a co trwałe. Ta tarcie jest sednem
Jakie są niektóre z jej najsłynniejszych dzieł