Es un hermoso día de junio, y Arlene Shechet me está dando un recorrido por su estudio en Kingston, a unas dos horas al norte de la ciudad de Nueva York. "Aquí está nuestra pequeña familia de motosierras", dice. Es una forma deliciosamente inesperada de comenzar el recorrido, y apropiada para una artista cuyas esculturas que combinan cerámica, madera y metal la han convertido en una de las escultoras vivas más innovadoras.
El espacio de 5,000 pies cuadrados es impresionantemente versátil. Tiene casi todas las herramientas que puedas imaginar, además de un taller de metal, un horno personalizado para secar madera, un área para modelado por computadora y en papel, estantes apilados con contenedores de arcilla y un tranquilo patio rodeado de muros de concreto. "Mi propio pequeño Los Ángeles en Kingston", bromea sobre el patio.
Shechet, de 75 años, ha tenido un estudio en Kingston durante 10 años, cuatro de ellos en este espacio. Es donde hace sus obras grandes. Todavía mantiene un estudio en Woodstock, donde ha vivido más de dos décadas, pero ella—o más bien, su obra—lo había superado. "Está subiendo por un camino de tierra, es muy difícil mover esculturas, lo que pensé que era la idea correcta para mantenerme bajo control", dice con una sonrisa pícara. "Pero perdí el control".
En este caso, eso es algo bueno. Su exposición de 2024 "Girl Group" en Storm King, que llevó seis esculturas imponentes a los terrenos del parque de arte del valle del Hudson, fue elogiada como un triunfo. (Una reseña en The New York Review decía: "Como collage y amalgamadora, como colorista, como generadora de formas y como heroína feminista sin tonterías, Shechet tiene pocos iguales".) Era su primera vez haciendo esculturas al aire libre a una escala tan monumental, pero para Shechet—en ese momento mejor conocida por elevar el trabajo en cerámica al ámbito del arte fino—se sentía como una extensión natural de una práctica arraigada en traspasar límites.
Este otoño, Shechet continúa después de Storm King con "She Said She Said", ahora en exhibición en Pace Gallery en Chelsea. Para la exposición, ha hecho tres nuevas esculturas monumentales—dos en el estilo colorido y caprichoso de "Girl Group" y una en Corten, su primera vez usando el acero resistente a la intemperie—junto con una suite de instalaciones cerámicas de otro mundo.
Vista de la instalación de "Arlene Shechet: She Said She Said" en 508 & 510 West 25th Street, Nueva York, NY.
Foto: Cortesía de Pace Gallery
"Cada pieza tiene muchos años detrás, en los que la dejo ir, luego vuelvo a ella, luego la dejo ir de nuevo", dice Shechet. Este enfoque sin prisa produce esculturas que te sorprenden desde todos los ángulos. No puedes captar toda la historia desde un solo punto de vista.
Toma Eve, la primera pieza que encuentras al entrar a la galería frontal. Con 16 pies de altura, es la más alta de las nuevas obras (medida al centímetro para caber en la sala) y pintada en verdes pálidos y azules grisáceos, "como el comienzo de las cosas", dice Shechet. En la parte superior de un lado hay un pequeño recorte ondulado en el aluminio, una recompensa para quienes miran hasta arriba. En la base, una gota plateada que parece un lichi aplastado sostiene una sección curvada de metal escalonado. Todo me recuerda a un tobogán acuático imaginado por el Dr. Seuss.
Arlene Shechet, Eve, 2026, aluminio soldado y fundido, pintura epoxi-uretano, 16' × 9' 2" × 7' 6".
Foto: © Arlene Shechet. Cortesía de Pace Gallery
Se necesita tanto intuición como confianza a toda marcha para abrir una exposición con una obra tan masiva y extravagante. "Nadie instalaría la pieza más grande al frente; tiene que estar atrás o en el medio", dice Marc Glimcher, CEO de Pace, durante una vista previa de prensa. "Ella sabía que tenía que estar al frente".
Pasando Eve está la vibrante Jewel, una confección con tinte de espuma de mar con capas que se curvan y chocan. Como Eve, sus piezas de aluminio soldado están formadas a mano, no con moldes. Las señales del toque humano han sido importantes para Shechet desde hace mucho tiempo, sin importar qué material esté usando.
Sosteniendo courEn la parte posterior de la sala está Flo, una obra de acero Corten. Es una maravilla de formas en cascada, cada una un poco torcida: casi óvalos, triángulos no del todo, y lo que parece un par de piernas tocando tierra, listas para bailar. Cada centímetro está unido en una hermosa pátina natural, vetada como ojo de tigre—resultado de la intemperie que soportó en el patio en Kingston. Esa es la belleza del Corten: "Se pinta solo", dice Shechet. Como con sus piezas metálicas anteriores en Storm King, está tomando un material tradicionalmente masculino (el Corten se asocia más con Richard Serra) y lo inyecta con una sensibilidad femenina, que se muestra en las formas redondeadas e incluso en el título. Flo es un guiño a Florine Stettheimer, una pintora de principios del siglo XX que, explica Shechet, "tenía una libertad que muchas mujeres artistas no tenían".
Arlene Shechet, Flo, 2026, acero Corten, 10' 1¼" × 7' 1" × 6' 8½". Foto: © Arlene Shechet. Cortesía de Pace Gallery
Shechet, también, ha seguido su propio camino durante mucho tiempo. Nacida en 1951 en Forest Hills, Queens, siempre estuvo interesada en armar cosas. "No tomé costura. Tomé carpintería", dice. Era la única chica en esa clase. Estudió en la Universidad de Nueva York para su pregrado, luego en la Escuela de Diseño de Rhode Island (RISD) para su posgrado. Ella y su esposo criaron a sus dos hijos primero en Tribeca, donde tenía un estudio en el sótano, y luego en Woodstock, donde la familia se mudó en 2002. Enseñó en RISD y Parsons, haciendo malabares con el trabajo, la maternidad y su propia práctica. No fue fácil. "Aguanté mucho", dice. El mundo del arte no siempre fue amable con las mujeres, mucho menos con las madres. "La gente simplemente te descartaba".
A lo largo de los años, su arte evolucionó desde pequeñas piezas de arcilla que podía hacer en su sótano de Tribeca hasta creaciones más grandes y complicadas usando una mezcla de materiales, incluidos vidrio, hierro fundido y concreto. Una retrospectiva de 20 años de su trabajo en 2015 en el Instituto de Arte Contemporáneo de Boston fue elogiada por la crítica y ayudó a la artista a ver cómo sus variados materiales y enfoques están todos conectados. "Me impresionó mucho lo cosidas que estaban todas estas obras diferentes de maneras que no había visto antes", dice. Se ha mantenido ocupada, persiguiendo sus curiosidades interminables con residencias en el fabricante alemán de porcelana Meissen a partir de 2012, lo que llevó a una exposición reveladora en The Frick, la primera vez que ese museo exhibió a un artista contemporáneo, y en el gigante de accesorios de baño Kohler en 2017, después de lo cual hizo su debut en arte público en Madison Square Park.
Imagen de instalación de "Arlene Shechet: She Said She Said" en 508 & 510 West 25th Street, Nueva York, NY. Foto: Cortesía de Pace Gallery
En un espacio de galería contiguo a la sala frontal en Pace hay 14 obras cerámicas, una serie titulada Touching Ground. Es la primera vez que Shechet emplea la antigua técnica de terra sigillata ("tierra sellada" en latín), en la que la arcilla se refina una y otra vez para hacer una barbotina de calidad tan fina que es prácticamente impermeable. Durante el Imperio Romano, la terra sigillata se usaba para añadir un brillo protector a jarrones y vajilla. Hay poesía en terminar la arcilla con una capa de su propio material ultra refinado, dice Shechet. "Es un complemento muy elegante". Se inspiró en parte en Agnes Martin, quien pintaba en capas finas para lograr sus conmovedoras rayas y cuadrículas.
Las piezas de Touching Ground son ejercicios de yuxtaposición: de alguna manera tanto biomórficas como totalmente alienígenas, con texturas que varían de brillante a papel de lija. La arquitectura parece blanda. "Están medio derrumbándose, y eso es lo que realmente me gusta", dice Shechet mientras me muestra algunas en su estudio en junio. Los colores van desde beige y gris azulado hasta naranja de alta visibilidad y negro medianoche, con abundantes espacios aireados para evitar que se sientan demasiado densas. En Pace, algunas están encajadas en las paredes o en voladizo a la Donald Judd, mientras que otras se alzan sobre bases de acero. A menudo parecen haber sido cortadas por la mitad, con sus interiores expuestos. "Para un ceramista, revelar con éxito el interior es algo que va en contra de las reglas", dice Glimcher, "lo cual es siempre la cosa favorita de Arlene: todo lo que va en contra de las reglas". Arlene Shechet, Touching Ground: Like A Book, 2026, terra sigillata, cerámica vidriada y acero, 23½" × 27¾" × 7¾". Foto: © Arlene Shechet. Cortesía de Pace Gallery. De hecho, la experimentación está profundamente arraigada en la práctica de Shechet—siempre lo ha estado. No necesitaba adoptar un nuevo material (Corten) o técnica (terra sigillata) en este punto de su carrera. Pero ir a la deriva no está en su naturaleza. Al mantenerse presente en el estudio—un concepto budista que valora enormemente—permanece abierta a lo que sea que surja. Esa es la línea continua en todo su trabajo. "Soy capaz de sorprenderme a mí misma", dice, mirando alrededor de su estudio. "Eso es lo importante. Tengo que mantenerme interesada y sorprendida". "Arlene Shechet: She Said She Said" está en exhibición en las ubicaciones de Pace Gallery en 508 y 510 West 25th Street hasta el 24 de octubre de 2026.
Preguntas frecuentes
Preguntas frecuentes El pasado y el futuro se encuentran en las esculturas de otro mundo de Arlene Shechet
Preguntas para principiantes
Quién es Arlene Shechet
Una escultora estadounidense nacida en 1951 en la ciudad de Nueva York. Es conocida por esculturas lúdicas y coloridas que mezclan materiales como cerámica, madera y metal de maneras inesperadas.
Qué hace que sus esculturas sean de otro mundo
Combinan formas familiares con formas extrañas y oníricas: cerámicas blandas que crecen de metal elegante, colores brillantes sobre superficies rugosas. Parecen objetos de otro planeta que aún se sienten extrañamente familiares.
Qué significa que el pasado y el futuro se encuentren en su obra
Ella combina técnicas antiguas con materiales y procesos industriales modernos. Lo viejo y lo nuevo existen lado a lado en una sola pieza.
Qué materiales usa
Arcilla, porcelana, madera, acero, aluminio, bronce, pintura y metal fundido, a menudo todos en una sola escultura.
Por qué es importante su obra
Derribó la jerarquía que clasificaba la cerámica como artesanía y la escultura como arte fino. Su éxito ayudó a que la cerámica obtuviera un reconocimiento serio en museos y galerías de arte contemporáneo.
Dónde puedo ver su obra
Museos importantes como el Museo Metropolitano de Arte, el Whitney y el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles. También ha tenido encargos públicos, incluidas obras en parques de la ciudad de Nueva York.
Preguntas intermedias
Cómo combina realmente técnicas antiguas y nuevas
Construye formas cerámicas a mano usando métodos tradicionales, luego las hace fundir en bronce o aluminio, o las combina con acero fabricado. También usa herramientas digitales como escaneo e impresión 3D para traducir entre materiales.
Cómo es su proceso creativo
Es intuitivo y experimental. Trabaja en su estudio sin un plan fijo, dejando que la arcilla la guíe. Lo describe como una conversación con el material: responde a lo que sucede en lugar de forzar un diseño.
Por qué mezcla tantos materiales diferentes
Los contrastes crean tensión y sorpresa. Una gota de cerámica brillante sobre una viga de acero pesada te hace cuestionar lo natural frente a lo industrial, lo frágil frente a lo permanente. Esa fricción es el punto.
Cuáles son algunas de sus obras más conocidas